acróbatasBáilame el agua, úntame de amor y otras fragancias de tu jardín secreto, sácame de quicio, hazme sufrir, ponme a secar como un trapo mojado, lléname de vida, líbrame de mi estigma, llámame tonto, olvida todo lo que haya podido decirte hasta ahora, no me arrastres, no me asustes, vete lejos… pero no sueltes mi mano. Empecemos de nuevo, toca mis ojos, nota la textura del calor… ¿Por cuánto te vendes? Píllate los dedos, deja que te invite a un café… caliente, ¡claro!... y sin azúcar, sin aliento… |
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Se muestran los artículos pertenecientes al tema ArteHistoria. francis bacon se estuvo paseando (una vez más) por el prado Tras el hecho, queda su fantasma. Cien años de su nacimiento y diecisiete desde que nos dejó. Asombroso, profundo, desmesurado, torcido, celérico en pausa... como si viésemos los cuadros a través de un cristal deformante mientras nos movemos de un lado a otro. Francis Bacon, único. Cuando veo sus cuadros siento que me hace una mueca el estómago, que me pellizcan el interior del vientre y que alguien me observa, por detrás, con un ojo cíclope. Siento que me quedo desnuda en mitad del museo y que todo el mundo puede ver cómo sube y baja el vértigo por todo el cuerpo. No me lo contaron en la facultad, le busqué en los libros de la biblioteca. Siempre supe que vendría a vernos, "algún día". El Prado abría sus puertas (todavía incrédulo) a un mundo nuevo en el que se muda y se peina a Velazquez y se multiplican por tres las pinturas abiertas en canal. Trípticos, ¡tantos!. Perros en corrientes circulares, un 1966, fotografías que nos dejan intuir lo que eran los cuadros antes de sus ojos, un lugar de trabajo completamente alborotado (el de ahí arriba), caóticamente perfecto. Circo y jaulas, incendios en verde, un cuerno, una ventana oscura (casi encendida)... y naranja y rojo y la silla de Inocencio X cayendo en un ascensor desde un quinto piso. No es que se deformen, es que se tuercen. Mucho vértigo y velocidad para mirar sin parapeto... pero... ¡mereció tanto la pena!
la luz en la sombra La curva de la explanada, Léon Spilliaert (1908) . Conocí a Léon Spilliaert el pasado día 19 de abril. No conocía sus obras, nadie me había hablado de él o yo lo he olvidado. De repente, ahí estaban, colgadas de "La sombra", la última exposición en el Museo Thyssen (Madrid). La sombra en la historia del arte, en obras que se mueven desde el renacimiento al siglo XX. La sombra en las letras de Plinio el Viejo, la sombra en el Maestro de la luz de la Vela (y su Vanidad, impresionante); la sombra en la Escalera con luz nocturna de Adolph von Menzel, en el Corral de locos de Goya, en las Sombras marcadas de Émile Friant (que parece una fotografía). La sombra en el Desnudo sobre fondo amarillo de Félix Vallotton, otro de mis grandes descubrimientos. La sombra en La cena de Monet, en una poesía de Rafael Alberti. En la Habitación de hotel de Hopper, en el Bosque y sol de Max Ernst, en una fotografía de Man Ray, en una película de Quentin Tarantino y en otra de Hitchcock. . En ese cuadro, por ejemplo, Léon Spilliaert muestra la sombra a través de la luz de esa farola. Luz reflejada, una luz para quedarse a vivir en ella unos días y para salir corriendo otros. Joaquim Mir a CaixaFòrum Estos días se puede ver en CaixaFòrum (Barcelona) una exposición antológica sobre la obra de Joaquim Mir. Yo vi la exposición hace ya un mes, el 8 de febrero, pero todavía tengo entre los ojos las manchas de colores de Joaquim Mir, esas manchas tan bien puestas, tan certeras. Si te acercas mucho a los cuadros, apenas podrás entenderlos, la mayoría son acumulaciones de manchas de diferentes colores (a veces superpuestas, otras unas a lado de otras...). Pero si te alejas, si retrocedes unos pasos y los miras desde lejos, entonces podrás ver una figura humana con todos sus detalles, un pavo real, un vendedor de naranjas, una fuente, una fachada, naturaleza por todas partes... He leído algunos comentarios en periódicos -por ejemplo, aquí- que ponen en duda el hecho de hacer una muestra exclusiva sobre Joaquim Mir (como también se hizo, y también se criticó, sobre Anglada Camarassa). Es cierto que la exposición puede ser un poco monótona y parecer que queda en algunos casos coja, como si le faltasen algunas piezas a un gran puzzle; mi humilde opinión aplaude este pequeño homenaje a uno de los artistas catalanes más importantes de principios del siglo XX. Hasta el 24 de abril. Me encantaría poder volar en algún cuadro de Chagall El cumpleaños, Marc Chagall, 1915 Bella Rosenfeld escribe: "Te abalanzas sobre el lienzo, que tiembla en tus manos, sumerges el pincel, aprietas el tubo de pintura (...), me secuestras en una corriente de colores. Unidos, flotamos por la habitación, nos dirigimos a la ventana (...). Las paredes, decoradas con telas de colores, dan vueltas, turbándonos. Volamos hacia el exterior, por campos de flores, por encima de casas cerradas, de tejados, granjas e iglesias". Seguro que Marc llegó ese día despacito, subiendo los escalones de uno en uno, con los ojos brillantes. Y seguro que Bella fue corriendo hasta la puerta cuando le escuchó llegar, le abrazó con fuerza y se fundieron en un beso largo y suave. Ella lo había llenado todo de flores y telas de colores, él le pidió que no se moviese, que tenía que inmortalizar ese momento en un cuadro. Me encantaría poder volar en algún cuadro de Chagall. Mercè Rodoreda: Pintar para poder escribir Era diciembre, 16 de diciembre. Hacía frío, creo recordar que llovía y un avión nos estaba esperando en el Prat rumbo a Venecia. Antes de embarcar, periódicos, y, entre las hojas de aquél día..., unos ojos grandes, muy grandes, que me llamaron a gritos y me decían que Mercè Rodoreda estaba en La Pedrera. ¡Yo no sabía que Mercè Rodoreda pintaba!. De repente tuve muchas ganas de ver la exposición pero por alguna extraña razón se me había olvidado por completo hasta el sábado por la mañana que, trasteando entre un montón de hojas, encontré los recortes de los periódicos que me había guardado aquél día. Mercè Rodoreda estaba en el exilio. Vivía en París, en el número 21 de la calle Cherche-Midi, en el Barrio Latino. Allí escríbia cartas y cuentos, cosía (así se ganaba la vida allí) y pintaba. Lo que no pudo hacer allí fue escribir, eso vino después, con toda la luz que llevaba guardada dentro. En los periódicos dicen que llegó a pintar unos 150 lienzos que no llegó a exponer. También dicen que su exilio quedó amortiguado por el ambiente artístico parisino. Ese ambiente se ve, se siente, se nota... en las pinturas de Mercè. Visitó el Louvre y las galerías de la Place Vendôme (estas últimas, según recogen los periódicos, porque ella misma decía que eran "gratis y calentitas"). Mantuvo relación con algunos de los artistas más importantes del momento, con Klee y Kandinsky, con Picasso y Miró (éste último inspirará la figura del narrador en "Jardí vora el mar") y... de todos, el artista que veo más presente en sus obras es Jean Dubuffet. La exposición, muy pequeñita, terminó el pasado domingo. Me gustó la expresividad de sus figuras y los ojos llenos de cosas que contar (casi casi casi tanto como sus manos escribiendo). Las sombras detenidas, la expresividad en la utilización de los colores, las manos grandes... y todo lo que había detrás de esas pinturas. Tienen mucha fuerza. Rodoreda estuvo pintando hasta 1957, ese año consiguió el premio Víctor Català con "Vint-i-dos contes" y... después de eso... Mirall trencat, La plaça del Diamant... Estas son algunas de las obras expuestas:
"El caballo es el recuerdo de su huida de 40 kilómetros a pie para escapar de los nazis y, en el caso de Cavall i cavaller, también el símbolo de la potencia creativa de Rodoreda."
Autorretrato
!!! ¡1914! La Vanguardia y la Gran Guerra Marsden Hartley, La Cruz de hierro, 1915
Domingo, 28 de diciembre. Me he despertado con mal humor y no lo entiendo, ayer viví uno de los conciertos más emocionantes del año, volví a ver a Quique González sobre un escenario, en el Joy Eslava madrileño, celebrando sus diez años de mi banda sonora diaria. Escapé del hostal pensando en salir corriendo a coger un Ave, lo que no sabía es que a lo largo del día la fuerza de mis pasos se iba a ir debilitando hasta convencerme para quedarme tres días más en Madrid. Desayuno rápido cerca de Neptuno y pasos hasta el Thyssen... Allí estaban Egon Schiele, Franz Marc, Emile Nolde, Otto Dix, Gino Severini, Paul Klee, Marc Chagall, George Grosz, Lyonel Feininger, Kirchner, Beckmann... todos esperando a que pasemos por delante para contarnos cosas. Contarnos, por ejemplo, lo que veían sus ojos y lo que tocaban sus manos. Algunos artistas incluso llegaron a participar actívamente en ella. Otros se acercaban desde la distancia incluso de los años, como una profecía. No voy a entretenerme más porque ya no se puede visitar... Aquí tenéis toda la información sobre la exposición. Estos son algunas de las obras que más me impresionó ver en directo:
Egon Schiele, Casas junto al río, 1914
Otto Dix, Amanecer, 1913
Ludwig Meidner, Paisaje apocalíptico, 1913
Ludwig Meidner, La casa de la esquina, 1913
Gino Severini, Cañón en acción, 1915
Max Beckmann, Autorretrato como enfermero, 1915
Ernst Ludwig Kirchner, Autorretrato como soldado, 1915
Ernst Ludwig Kirchner, La ducha de los soldados, 1915
Albert Gleizes, Retrato de Jean Cocteau, 1916
GeorgeGrosz, Metrópolis, 1916-1917 Sábado, 31 de Enero de 2009 13:05 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Joaquín Torres-García, una vida en papel "Joaquín Torres-García (Montevideo, Uruguay, 1874-1949) no sólo fue uno de los nombres relevantes del arte del siglo XX, sino también una leyenda. Su vida, absolutamente vinculada a la extensa obra que realizó, fue la de un pintor apasionado, la de un esforzado teorizador y viajero incansable que buscó, sin claudicar, su tradición de origen. La trayectoria artística de Torres-García, reflejada en una producción considerable y sistemática, transcurrió en un amplio panorama: desde el decorativismo modernista y las vanguardias de comienzos de siglo, a la unión constructivista de las culturas precolombinas con la universaildad del arte moderno." Es imposible que desvincule a este artista con un antiguo compañero de trabajo (de mi primer trabajo) que hacía pasteles durante 8 horas al día y el resto de su tiempo lo dedicaba a pintar y a vivir colgado de los hilos de un títere (flotando, a dos palmos del suelo). Yo estaba a punto de comenzar la carrera de Historia del Arte y con él descubrí a Joaquín Torres-García. A él le parecía increíble que alguien que se quisiera dedicar a la historia del arte no conociera a este artista (me ha pasado otras veces, con otras personas que defendían a ultranza a otros artistas que yo no conocía o de los que no sabía decir más de dos palabras seguidas) y yo llegaba los domingos por la mañana con cara de sueño y asentía a todo lo que me decía. Consiguió despertar mi curiosidad y busqué en la biblioteca de la facultad libros ilustrados con sus obras. No sabía lo que iba a ver en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid... y aterricé con demasiadas ganas. La exposición (que, por cierto, terminaba hoy), reunía unas 100 obras en papel, obras que recogían las diferentes etapas de su vida artística: en Barcelona, parís, Nueva York, Italia, Madrid, Montevideo... Digo que aterricé con demasiadas ganas porque no encontré lo que esperaba. Todo eran dibujos de todas estas etapas, dibujos preparatorios, dibujos pequeños, dibujos coloreados, dibujos en blanco y negro... Esbozos, la mayoría. Era la primera vez que iba a ver una exposición sobre este artista y esperaba encontrarme muchas más cosas de las que me empapé hace años. Salí un poco decepcionada pero conseguí retener en la retina la serie "Villefranche" y la "Mujer de espaldas".¿Lo mejor? Los paneles en los que explicaban las ciudades en las que trabajó Torres-García a lo largo de su vida. Entre dos siglos. España 1900. Santiago Rusiñol, La Morfina Fundación Mapfre "La muestra pone de manifiesto la complejidad y variedad de propuestas que asumió la llegada de la modernidad a nuestro país en unos años, los del cambio de siglo, en los que la reflexión sobre las identidades nacionales - la central y las periféricas - se hizo especialmente presente en la cultura y las artes. La perspectiva que otorga todo un siglo de distancia ha permitido superar algunos de los tópicos con los que tradicionalmente se explicaba el arte español del momento, que hoy parecen reductores y esquema´ticos, y discernir todo un abanico de posibilidades, matices y caminos secundarios que no deben olvidarse cuando se pretende un acercamiento más riguroso a la realidad del momento. Así, más allá de consignas acuñadas en la propia época pero de gran fortuna en la historiografía posterior - la "España negra", el insostenible atraso de un país aislado del contexto internacional, etc.-, que presentaban un panorama del arte español muy pesimista y cercano al monolitismo, hoy podemos descubrir tanto su relación con las propuestas artísticas internacionales más actuales entonces, como el peso de los artistas más importantes de la llamada Escuela Española de pintura - especialmente Velázquez, Goya y el Greco-, y analizar las diferencias que existieron entre los distintos modos de entender y asumir la modernidad en los diversos territorios peninsulares." Justo por encima de las esculturas, cuadros y dibujos de Degas, en la misma Fundación Mapfre, nos encontramos con una pequeña-gran exposición con algunos de las obras y artistas que marcaron el cambio de siglo del XIX al XX. Obras de algunos de los más reconocidos, el maravilloso Zuloaga, Sorolla, Casas, Rusiñol... y algunas pequeñitas de Picasso o Miró. Pero también se pueden ver obras maravillosas de Eliseu Meifrèn i Roig, Joaquim Mir, Darío de Reoyos, José Gutiérrez Solana, Anglada-Camarassa o Miquel Viladrich. Es cierto que con esta muestra (pese a ser pequeña) se puede hacer uno la idea de cómo se vivió de diferente forma el cambio de siglo en los diferentes rincones de la península y, con esto, aprender un poco más del momento y los lugares representados por las obras y los artistas que trabajaron y bebieron de cada lugar. Dejo algunos ejemplos por si os animáis...
Eliseu Meifrèn i Roig, Paisaje nocturno.
Ignacio Zuloaga, Retrato de la señora Malinowska
Miquel Viladrich, Las herméticas.
José Gutiérrez Solana, Los autómatas.
Joaquín Sorolla, Clotilde paseando en los jardines de La Granja Y, por último, una de las obras que más ganas tenía de ver en directo y que encontré por casualidad en esta exposición... una maravilla de Ramon Casas:
Ramon Casas, Flores deshojadas. La ilustración total del arte conceptual de Moscú 1960-1990 Komar & Melamid "El círculo de artistas conceptules del Moscú de las décadas de los años 60 a los 90 está considerado, tanto en su país como en el ámbito internacional, el movimiento artístico ruso más importante de la segunda mitad del siglo XX. Muchos de estos artistas son hoy figuras conocidas por sus exposiciones individuales y por su participación en muestras internacionales. Más de 200 obras entre pinturas, dibujos, esculturas, objetos, fotografías e instalaciones, y un total de 25 artistas. Entre ellos: Iliá Kabakov, Érik Bulátov, Andrei Monastyrski o Vadim Zajárov. "La cultura staliniana, en efecto, supuso un ensayo de obra de arte total cuyo producto, sin embargo, quedaría limitado al sistema vigente en la Unión Soviética hasta la disolución de ésta en 1991. Los artistas conceptuales de Moscú ejercieron una "ilustración total", una reflexión absoluta sobre este sistema, un sistema que no tenía equivalencia en Occidente: la ideología y la cultura soviética oficiales fueron el tema preferente de las prácticas de estos artistas que ya en 1979 Borís Groys agrupara bajo la denominación de "conceptualismo romántico moscovita"." "También habrá que cruzar Nuñez de Balboa" canta Javier Krahe... ¿verdad? Después de un café calentito en el Café Gijón decidí que la hora y cuarto que me quedaba libre hasta mi cita de las 13:30 la podría pasar visitando esta exposición tan tan tan... (no sé cómo expresarlo) en la Fundación Juan March. ¿Tan ...? Tan rara como interesante, sí, eso es. Creo que no conocía a ninguno de los artistas de la exposición y, por supuesto, no conocía sus obras, ni tampoco el movimiento conceptual romántico moscovita. Pero bueno, siempre hay tiempo para aprender cosas nuevas. Entré en la exposición con cierta curiosidad y salí con ganas de ver más o de intentar entender más de lo que había visto. Me encantaron las fotografías en blanco y negro coloreadas a mano (1938) de Boris Mijáilov, el pop "Lenin-Coca-cola" (1993) de Aleksander Kosolápov, El "Eslogan ideal" (1984) y "Sin título (bailarina)" de Komar & Melamid. Todas estas, apenas empezando a ver la exposición. después me encontré con el "Léxico fundamental" de Grisha Bruskin, un panel enorme con 64 lienzos que representan personas llevando diferentes objetos. Fue curioso fijarse en qué tipo de objetos sujetaban las figuras masculinas y qué otros las femeninas (también había diferentes edades). Un acordeón sujetado por un hombre, un racimo de uvas (mujer), unos guantes de boxeo (hombre), un ramo de flores (mujer), un bebé (mujer), un saxofón (hombre), etc...
Borís Mijáilov. Sin título, 1970–80
Parte de "Léxico fundamental", de Grisha Bruskin. Degas. El proceso de la creación. Fundación Mapfre Edgar Degas (París, 1834-1917) es uno de los grandes nombres del arte moderno. Próximo al impresionismo, pero poseedor de estilo propio, su obra va más allá de la pintura, sin duda su faceta más conocida. La muestra incluye algunas de sus grandes obras maestras, como el pastel "Le tub" (El barreño) - procedente, como la mayoría de la obra pictórica expuesta, del Musée d'Orsay de París- o su escultura más emblemática, la "Petite danseuse de quatorze ans (Pequeña bailarina de catorce años), de la colección del Museo de Arte de Sâo Paulo Assis Chateaubriand (MASP). Martes, 30 de diciembre. Me he bajado en la parada de metro de Gran Vía (es temprano) y voy caminando hasta Cibeles y después hasta la Fundación Mapfre, en el Paseo de Recoletos. En el camino, casualmente, me encuentro con uno de los rincones que más ganas tenía de visitar (y que tenía demasiado pendiente), el CAFÉ GIJÓN. Pienso que iré a tomarme un café cuando salga de ver las exposiciones, que merecerá la pena sentarse en esos sofás rojos a pensar en quién pudo estar sentado allí antes que yo. Me fascina ver la cantidad de esculturas que ofrece, ya de entrada, la exposición. Muchos estudios de bailarinas en reposo, preparándose para la danza, en posición de danza española, en cuarta posición devant, en postura de grande arabesque y de arabesque ouverte, dans la ligne... y algunas más... Después caballos y las famosas toilettes (estudios de desnudos femeninos soprendidos en su intimidad)... Todas son bronces y todas tienen la marca de las esculturas de Degas, tan inigualables y tan elegantes. Hubo dos esculturas que me entusiasmaron mucho más que las demás: "El barreño" y la "Pequeña bailarina de catorce años" (en la foto de arriba), preciosas. Además de esculturas, en la muestra se pueden ver algunos dibujos de mujeres hechos a lápiz carbón, mina de plomo... y también algunos pasteles y óleos:
El foyer de la danza de la Opéra de la Rue Le Peletier Es una exposición grautita, pequeña y muy interesante. Si tenéis tiempo este fin de semana, yo no me la perdería... George Barbier. La nascita del déco. La fontaine de coquillages (1914) "Es la primera exposición en la historia dedicada al artista e ilustrador de moda, escenógrafo y protagonista del movimiento déco. Se presentarán más de doscientas obras entre cuadros, ilustraciones, artículos, estarcidos, fotografías, libros, manuscritos y películas. Una exposición pequeñita en un lugar espectacular, el Museo Fortuny de Venecia, ubicado en el espectacular palacio gótico de la familia Pesaro. George Barbier será un artista versátil: ilustra libros, diseña vestuario para cine y teatro, joyas, vidrio, diseños para piezas textiles, para papel pintado, etc... Llegó incluso a ilustrar novelas y poemas de autores como Verlaine, Gautier o Baudelaire. En su biografía destaca que realizara los trajes de Folies Bergère de 1923, que realizara los trajes de Rodolfo Valentino en "Monsieur Beaucaire" (1924) y que trabajara en campañas publicitarias para marcas como Cartier o Renault. En la exposición se muestran muchísimas obras, la mayoría dibujos, diseños para vestuario, cuatro vestidos y libros ilustrados. La mayoría de los dibujos son pequeñitos, ocupan muy poco espacio, pero merece la pena parase a mirar los colores que utiliza, cómo los utiliza, los detalles de esos pequeños dibujos, el preciosismo y la elegancia que desprenden. Sé que queda un poco lejos, pero si alguien puede visitar la exposición, recomendada queda. Además, la exposición está en el Museo Fortuny y merece la pena visitarlo. Hasta el 5 de enero.
Le Jugement de Paris (1923)
Shéhérazade (1910)
Les chansons de Bilitis (1922) Domingo, 21 de Diciembre de 2008 11:09 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Juli González. Retrospectiva en el MNAC "Julio González Pellicer (Barcelona, 1876 - Arcueil, Francia, 1942) está considerado el padre de la escultura moderna en hierro. Y a pesar de ser uno de los grandes nombres que Cataluña ha dado al arte universal - como Gaudí, Miró o Dalí - no goza de la misma popularidad. Nunca olvidaré el día que vi esta exposición porque fue uno de los días más importantes de la vida de una de mis amigas: Eli leyó esa misma mañana del 4 de diciembre su tesis doctoral y por la tarde, antes de la cena de celebración, estuve dando una vuelta por las exposiciones temporales del MNAC. Tenía muchas ganas de ver la retrospectiva de Juli González, una exposición que desde la distancia pensé que me iba a decepcionar... Estaba muy equivocada, merece muchísimo la pena dar una vuelta por los siete ámbitos de la exposición y pararse a mirar todo lo que Juli González quiso mostrarnos. Un artista, como dice el tríptico informativo de la exposición, poco conocido para lo que ha supuesto para nuestro arte, pero un artista completo que se movió en en diferentes facetas del arte... en los hilos de la pintura, de la orfebrería, del dibujo... y que brilló con sus esculturas. Nada más entrar a la exposición me encontré con dos obras que me facinaron, un dibujo a carboncillo y pastel y un óleo. La primera, "Femme au corset", una obra que proviene del Centro Pompidou de París, un dibujo a carboncillo y pastel sobre papel marrón, precioso. La segunda, "Jeune fille endormie", un óleo sobre tela de 1925-30. Uno de los siete ámbitos de la exposición está dedicado a diferentes obras relacionadas con "La Montserrat", una escultura que fue expuesta en 1937 en la Exposición Internacional de París y con la que Juli González expresaba su apoyo a la República y su rechazo a la Guerra Civil. El propio Juli escribía esto: "Ya es hora de que el hierro deje de ser mortífero [...] la puerta
Sábado, 20 de Diciembre de 2008 10:36 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. L'imaginari d'Eugenio Lucas al MNAC La influencia de Goya en la poética romántica "Autor de una gran fecundidad creativa, Eugenio Lucas Velázquez (Madrid, 1817-1870) es uno de los artistas españoles más destacados del siglo XIX. Reconocido seguidor de Goya, sus dibujos ocupan un lugar de honor en la producción artística de su época. Una exposición pequeñita de un artista del que apenas conocía un par de dibujos... y es que, pese a ser uno de los artistas españoles del siglo XIX, Eugenio Lucas sigue siendo un gran desconocido. Cuando entramos a la exposición, Francesc Quílez estaba haciendo una visita guiada a un grupo de personas, me hubiese encantado unirme a ellos y aprender un poco más de la mano del comisario de la exposición.
Capea en un pueblo
Cine español, una crónica visual "La exposición propone un recorrido por la cinematografía española, que busca recuperar sus momentos más emblemáticos y descubrir sus secretos y rincones más conmovedores y bellos. Dispuesta en tres episodios cronológicos, se presenta el devenir de un cine que ha constitutido un imaginario compartido por un publico unido por la lengua. La exposición cuenta con una colección de ciento veinte fotografías, cincuenta carteles y más de media hora de secuencias de películas. A medio camino entre la vieja Europa y la tradición hispanoamericana, las cámaras han dado testimonio de los múltiples cambios en la trayectoria de la sociedad contemporánea. En cierto modo, somos lo que vemos y recordamos, pero no debemos olvidar que también a través de la mirada nos creamos a nosotros mismos". La exposición está en el Instituto Cervantes hasta el 10 de enero. Después de ver a Rembrandt, el pasado 18 de octubre, regresé a buscar mis cosas a la pensión dando un paseo que me llevó hasta la puerta del Instituto Cervantes. No es una gran exposición, apenas tres espacios con un total de 120 fotografías, pero es interesante ver algunos de los momentos más inolvidables del cine español desde sus inicios. No tuve más remedio que pararme ante Riña en un café (FRUCTUÓS GELABRT, 1877), El hotel eléctrico (SEGUNDO DE CHOMON, 1905-1908), La edad de oro (LUIS BUÑUEL, 1930), Muerte de un ciclista (JUAN ANTONIO BARDEM, 1955), Calle Mayor (JUAN ANTONIO BARDEM, 1955), Los golfos (CARLOS SAURA, 1960), Viridiana (LUIS BUÑUEL, 1961), Estudio amueblado 2P (JOSÉ MARÍA FORQUÉ, 1969), Peppermint Frappé (CARLOS SAURA, 1967), Tristana (LUIS BUÑUEL, 1970), Gary Cooper que estás en los cielos (PILAR MIRÓ, 1980), Los santos inocentes (MARIO CAMUS, 1984), El rey pasmado (IMANOL URIBE, 1991), Belle Epoque (FERNANDO TRUEBA, 1992), Abre los ojos (ALEJANDRO AMENÁBAR, 1997), Todo sobre mi madre (PEDRO ALMODÓVAR, 1998), Los lunes al sol (FERNANDO LEÓN DE ARANOA, 2002), Solas (BENITO ZAMBRANO, 1999), Te doy mis ojos (ICIAR BOLLAÍN, 2003), La vida secreta de las palabras (ISABEL COIXET, 2005) o Bajo las estrellas (FÉLIX VISCARRET, 2007). (Y muchísimas más). Un recorrido desde los inicios hasta las últimas películas, desde el gran FRUCTUÓS GELABERT a JAIME ROSALES. La bienvenida a la exposición te la da un gran panel lleno de carteles de cine español, precioso. La verdad es que no puedo opinar sobre los 30 minutos de secuencias de diferentes películas porque el tren no me esperaba y tuve que salir corriendo, mientras saltaba de fotograma a fotograma tuve la sensación de ver pasar demasiado deprisa toda la historia del cine español pero es cierto que puedes llevarte una pequeña perspectiva de cómo ha ido evolucionando. Es una exposición rápida y bonita de ver, si pasáis por la puerta y tenéis un ratito, no la dejéis escapar. (La imagen es de "Muerte de un ciclista". La he elegido por Alberto Closas, algún día os hablaré de él o de por qué él). Rembrandt: pintor de historias Betsabé (1654) "Rembrandt (1606-1669) es uno de los pintores más personales de toda la historia del arte europeo. Desde sus inicios en Leiden hasta su muerte en Ámsterdam, su pintura es un constante proceso de búsqueda cuyo fin es representar las emociones de las personas de la manera más incisiva y conmovedora posible. Esta exposición se centra en sus cuadros de asuntos bíblicos e históricos. En la escala de valores de Rembrandt y sus contemporáneos, estos temas eran los más importantes a los que podía dedicarse un pintor. Además, es en ellos donde mejor podía representar las reacciones de las personas ante situaciones dramáticas, y con ello explorar la condición humana. 18 de octubre, 9 de la mañana. Mi intención, mientras camino por la Gran Vía desde Callao hasta Cibeles (practicamente sóla) es ir dando un paseo hasta el Museo Thyssen y ver la exposición que hay allí estos días. Quería dejar a Rembrandt para más adelante, pero nada más llegar a la puerta del museo me doy cuenta de que allí abren a las 10 y yo tengo poco tiempo antes de ir corriendo a coger mi tren. Supongo que en El Prado me pasará lo mismo pero voy igualmente, intentando sortear algunas gotas de agua de uno de los primeros días en los que siento frío este otoño. El Prado está abierto, así que compro mi entrada y me dirijo a la puerta de los Jerónimos. La exposición, que recoge en su mayoría obras de temática religiosa o histórica, obras que cuentan historias al fin y al cabo, está dividida en diferentes secciones empezando por el "Periodo de formación" y siguiendo con: "Ámsterdam", "La influencia de Rubens" y "Quietud y madurez". Yo, para empezar, me detengo con ganas delante de una obra de Rubens, un Santo Tomás monumental precioso que me hace paralizar por un momento mis pasos y dejar que la gente pase por detrás de mí (y por delante), que me detiene y no me deja seguir... Después llegan obras que no se olvidan fácilmente:
Jeremías lamenta la destrucción del templo (1630) San Pedro arrepentido (1631), una obra preciosa de Tizziano que seguramente conocío Rembrandt a través de las estampas: Salomé con la cabeza del Bautista...
El rapto de Europa (1632) Y en esta yo no puedo dejar de pensar en otras obras de otros autores representando el mismo tema. Y veo cómo Rembrandt ha elegido un detallismo y un brillo absoluto, cómo ha dejado a los personajes en tensión, en movimiento, acentuando sus gestos.. El banquete de Baltasar (1632) con un fogonazo de luz en la parte superior derecha del cuadro sobre el que escribe, en un alarde de erudición, un mensaje en araneo con caracteres hebraicos (cuando lo normal es que lo hubiese escrito en latín). Belona (1633), La Sagrada Familia con ángeles de 1645 y otra de 1635 comparadas mediante la influencia de Rubens en la primera.
La sagrada familia con ángeles (1645) Moisés con las tablas de la ley (1659), un San Bartolomé de Ribera, el Marte de Velazquez... Y en esa gran sala, llegando al final de la exposición, antes del Marte de Velázquez, nos encontramos con una de las estampas más importantes de toda la historia de la técnica artística: Cristo crucificado entre los dos ladrones ("Las tres cruces" (1653) y el Cristo predicando o "La estampa de los cien florines" (1648), llamada así por el alto precio que adquirió en la época.
Autorretrato como Zeuxis (1667 -1668) Este es el último autorretrato que pintó. En él se representa como Zeuxis, el pintor griego que murió de risa cuando pintaba el retrato de una anciana. Mi primera vez con tantas obras de Rembrandt juntas, me hubiese encantado volver a ver, esta vez en El Prado, la "Ronda de noche", pero imagino que no debe ser fácil que un museo que depende muchísimo de una obra como esa, la ceda para que vaya a otro museo. Una exposición maravillosa en la que podemos encontrar una pequeña explicación de los cuadros al lado de cada uno de ellos y no sólo el rótulo con el título y la fecha. Rembrandt es un pintor delicado, majestuoso y elegante, después de ver tantas obras suyas juntas te llevas un poquito de elegancia y brillo entre los párpados. Seguramente fue una señal que el día anterior me encontrase con Joan Ramón Triadó (profesor en la facultad de Historia del Arte) en el Ave camino de Madrid, me hubiese encantado ver la exposición de su mano. Si pasáis por la puerta del museo, yo no me la perdería... El Museo Salzillo en Murcia En mi viaje a Murcia pude visitar el Museo Salzillo, uno de los que más ganas tenía de ver desde hacía mucho tiempo. Tendré que volver porque estaba en obras (justo un año después del año Salzillo y de la exposición "Salzillo, testigo de un siglo" que se celebró con motivo del tercer centenario de su nacimiento, rarísimo) y sólo se puede ver parte de la obra de Francisco Salzillo, pero al menos pude contemplar los pasos de Semana Santa, de los que ya hablé en su día y los que tanto me habían gustado en clase a través de las diapositivas... Lástima que el paso de la Santa Cena estuviera en una de las capillas de la iglesia y no me dejasen subir a verlo (aunque lo intenté, ¿eh?). Un lugar que no se debe dejar de ver cuando vayáis a Murcia. De "Duchamp, Man Ray y Picabia", pasando por "La escuela Yi" y acabando en "Ukiyo-e" Últimamente tengo poco tiempo de escribir por aquí. En el trabajo cada vez tengo más trabajo (cosa normal, por otra parte) y..., siendo una su propia jefa, tampoco puedo quejarme, encantadísima que estoy. En el último mes he visto en Barcelona estas tres exposiciones y casi siempre que me pongo delante del blog pienso en que pasa más y más tiempo y no les he dedicado, ni siquiera, unas líneas. Lo peor de todo es que las tres ya han terminado y ya no se pueden visitar... "Duchamp, Man Ray y Picabia" en el MNAC "Esta exposición, organizada por el Museu Nacional d’Art de Catalunya en colaboración con la Tate Modern de Londres, está dedicada a tres artistas clave del siglo XX: Marcel Duchamp (1887-1968), Man Ray (1890-1976) y Francis Picabia (1879-1953), tres personalidades provocadoras que revolucionaron los cánones artísticos establecidos, marcando un antes y un después en el mundo del arte. De hecho, su huella se puede seguir en muchas de las creaciones del arte contemporáneo. Era una exposición de tres de los representantes más importantes del dadaísmo y sabía que no iba a ser fácil de ver. No recuerdo demasiados datos concretos de este movimiento pero el dadaismo fue uno de los movimientos que rompió con la idea tradicional del arte. De la mano de Tristan Tzara, este movimiento protestaba ante las convenciones artísticas y provocaban creando algo que podríamos llamar "anti-arte" que pasó por todas las manifestaciones artísticas: desde pintura, escultura, pasando por la música, literatura, etc... En la exposición se podían ver...
Font, Marcel Duchamp Sé que a muchos les puede parecer una vanalidad pero a mi me gustó muchísimo poder ver uno de sus ready-made en directo. Estos "ready-made" consistían en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, como ese urinario que he puesto ahí arriba, y, así, convertirlos en obras de arte. Era toda una provocación en la época, me encanta. "La escuela Yi. 30 años de arte abstracto chino" en Caixa Forum "Por primera vez, una visión exhaustiva de conjunto del arte abstracto chino contemporáneo, que hasta ahora ha permanecido en la penumbra, podrá verse fuera de China. El objetivo de la muestra es dejar constancia de cómo han respondido los artistas chinos al cambio social y cultural, dando paso a una especie de “arte abstracto” o “modernidad” de raíz alternativa y china, que combina la filosofía y la estética tradicionales de este país, el budismo zen, la modernidad occidental y el arte conceptual contemporáneo. Hubo dos obra smás que me gustaron muchísimo. De una no he encontrado ninguna fotografía: "Ilusión" (2002), de He Chengyao; de la segunda, sí: "El mito de las estrellas" (2007), de Man Fung-Yi... "UKIYO-E, imágenes del mundo flotante" "La exposición incluye más de un centenar de grabados, procedentes de los fondos del Département des Estampes de la Bibliothèque Nationale de France, de autores tan representativos como Harunobu, Kiyonaga, Utamaro, Hokusai o Hiroshige, y se articula en torno a cinco ámbitos temáticos: teatro, bellezas femeninas, parodia, erotismo y paisaje. Entre lo sagrado y lo profano. El Renacimiento en Prato "El Renacimiento, uno de los grandes acontecimientos de la historia del arte europeo, cuyo rasgo principal es la recuperación el espíritu clásico, el humanismo, tuvo una importancia crucial en la localidad de Prato, en la Toscana. Donatello y Filippo Lippi dejaron su huella en la decoración de la catedral, que se convertiría en lugar de peregrinaje para las nuevas generaciones de artistas. Por otro lado, la existencia de una importante vida corporativa produjo una extraordinaria riqueza cultural que rivalizaba con la de la vecina Florencia. Con esta exposición se presenta la aportación de Prato al arte del Renacimiento durante un período de cuatro siglos, desde las creaciones de los grandes artistas del siglo xiv, como Bernaldo Daddi, autor del retablo del Cíngulo Sagrado (el cinto que la Virgen entregó a Santo Tomás y que se conserva todavía en Prato como reliquia) hasta las obras maestras de Filippo Lippi, del siglo xv, en las que el espíritu del humanismo se manifiesta en su grado máximo de refinamiento." Estuve viendo esta (y otras) exposición hace un par de semanas, un domingo soleado en pleno agosto, con los museos más vacíos de lo que yo hubiese podido imaginar y las calles sudorosas, temblorosas, cargadas rostros sin ojos, con gafas de sol. Ufff, llevo toda la mañana para escribir estas cuatro líneas... Miércoles, 03 de Septiembre de 2008 20:15 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria Hay 4 comentarios. Museo de Arte Abstracto de Cuenca Me encantó saber que, volviendo a casa después de pasar unos días maravillosos en Toledo, íbamos a pasar por Cuenca para ver todo lo maravilloso que nos habían contado de esa ciudad. Lo que me hacía más ilusión era poder pasear por las calles, subir hasta las casas colgadas (que pensaba que eran muchas más) y sentir el vértigo de mis neuronas flotantes al atravesar el Puente de San Pablo. Era sábado, casi 40º a la sombra y la mala suerte de haber topado con uno de los peores hoteles del mundo casi por casualidad, por la casualidad del "hacerlo todo corriendo" cuando lo que quieres es desaparecer. Poco después de las cinco de la tarde merodeábamos por los alrededores de la Catedral, por las calles que nos llevaron hasta las casas colgadas y a pasar por la puerta del Museo de Arte Abstracto. ¡Qué maravilla! El museo tiene obras de Rafael Canogar, Eduardo Chillida, Modest Cuixart, Luis Feito, José Guerrero, Manuel Miralles, Antonio Saura, Gerardo Rueda, Antoni Tàpies, Gustavo Torner (entre otros)... y mi gran descubrimiento: FERNANDO ZÓBEL. Lo que me fascinó completamente son unos cuadernos que se recogen en unas vitrinas, los cuadernos personales llamados "CUADERNOS DE APUNTES", de Fernando Zóbel, que recogen acuarelas, escritos, fotografías, dibujos, recortes,... ¡maravillosos! En una página de uno de los cuadernos podía verse, por ejemplo, la fotografía de un violonchelista y, justo en la página de al lado, una acuarela de Zóbel con los trazos de los movimientos de las manos tocando el violonchelo... Las fotos no son nada buenas pero os podéis hacer una idea de lo que os hablo:
Esto salvó mi estancia en Cuenca, espero poder reconciliarme con esa ciudad algún día... El retrato del Renacimiento en el Museo del Prado
Culo inquieto. Eso es lo que me dicen que soy cuando, cuando tengo una mañana para descansar (después de una noche de sonrisas y canciones en el Libertad 8), yo decido salir de la pensión para ir a comprar el periódico y desayunar en la Plaza Santa Ana, cuando me levanto de la silla, con el sol de frente, y camino por el barrio de las letras hasta las taquillas del Museo del Prado. Esta vez he dudado un rato si entrar o no, pero al final me decido y me alegro de haberlo hecho. La exposición está en la parte nueva, la que camina alrededor del Claustro de los Jerónimos, y lo único que me enfurece es ver la de gente que hay a esa hora en la exposición. Es de la manera que no me guta ver las exposiciones, llenas de gente que pasan por delante de ti y se quedan paradas sin moverse y no te dejan ver el cuadro y, y, y... ufff... Pese a todo eso, la exposición es una maravilla. Cuadros de Piero della Francesca, Jan van Eyck, Domenico Ghirlandaio, Rafael, Piero di Cosimo, Parmigianino, Durero, Pontormo, Antonio Moro, Botticelli, Tizziano, Rubens... "Por su amplitud cronológica (1400-1600) y vocación paneuropea, esta exposición es la primera que ofrece una aproximación global al retrato del Renacimiento. Y al retrato como género pictórico autónomo, excluyendo otras formas de representación del individuo como el donante, aunque incluyendo medallas, esculturas, dibujos o grabados que explican su evolución. ¿Cuándo aparece el retrato autónomo? Hacia 1335 Simone Martini retrató a Laura, amada de Petrarca, y el poeta dedicó al retrato este soneto, enunciando en él las características del retrato moderno: una imagen sustitutiva (evoca al ausente), emotiva (suscita emociones) y movible (transportable). Incluye una referencia al mítico artista Pigmalión, que hizo una escultura que cobró vida. Una exposición con 9 secciones que van desde el retrato de "Amor, familia, memoria", al retrato de "Amistad", el "Autorretrato", su difusión y el "Retrato de corte". Mis preferidos, por los que volvería a pasar una y otra vez:
Sigismondo Pandolfo Malatesta, de Piero della Francesca
Giovana degli Albizzi Tornabuoni, de Domenico Ghirlandaio
Giuliano y Francesco Giamberti da Sangallo, arquitecto y músico. De Piero di Cosimo
Autorretrato junto al caballete, Sofonisba Anguissola
Dama con ardilla y estornino, de Hans Holbein el joven
El sastre, de Giovanni Battista Moroni. Y muchos otros: "Margarita, la esposa del artista", de Jan van Eyck. Merece la pena pasearse por las salas del Museo del prado para detenerse en cada uno de los retratos de la exposición. Merece la pena mirar con atención algunas miradas, colores y formas. ...tardenoche de verano en Madrid Tengo que decir que no a Alejandro porque no puedo con mi alma después de haber dormido menos de 4 horas y de hacer un viaje en tren Gijón - Madrid de más de cinco, pero le agradezco mil veces (mil) que me haya invitado a comer. Ahora necesito dejarme caer en la cama de la pensión de la Calle Victoria y así lo hago, durante más de dos horas. Cuando abro los ojitos, son más de las cinco de la tarde, la habitación sigue igual de pequeña y la maleta igual de grande. Me doy una ducha y voy a buscar un sitio en el que poder conectarme un rato a internet, necesito cerrar un par de cosas de trabajo que tengo pendientes. Trabajo, lo justo, y salgo a caminar sin un rumbo fijo, sin poder desconectar el móvil porque me siguen llamando para cosas que yo creo que pueden esperar... Llego hasta Tirso de Molina, miro hacia la terraza de la Casa de Granada pero me da pereza subir un viernes por la tarde, vuelvo a Sol y, nunca mejor dicho, bajo un sol de justicia que me está dejando seca y pequeñita. Son sólo las siete y cuarto de la tarde, ¿qué hago? Pienso que llegar al lugar del concierto de esta noche dos horas antes es demasiado, pero a esa hora tengo poco tiempo para una exposición y es demasiado para meterme otra vez en la pensión. Me decido, empiezo a caminar por la Calle Alcalá rumbo al Libertad 8 y, cosas que sólo me pueden pasar en Madrid, andando por la Calle Alcalá me encuentro con un lugar que no había visto jamás: el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. ¿Siempre ha estado ahí? ¿Por qué jamás había visto ese edificio? ¿Por qué nunca había entrado? Es temprano, así que doy un vistazo a los horarios y veo que tengo todavía una hora y media antes de que cierren. Además, hace muchísimo calor y en el museo debe haber aire acondicionado. Compro una entrada y entro. Estoy completamente sola con los trabajadores del museo, no hay nadie más (ni una sola persona viendo el museo, ni un turista, nadie más...). De repente, hace frío, mucho frío. Me encuentro mal, ¿puede ser que el cambio de temperatura tan brusco me haya dejado atontada? Puede ser, claro que puedo ser... Estoy sorprendida, doy pasos y me entusiasmo viendo obras de las que había oído hablar y había visto en diapositivas... y que, de repente, un viernes por la tarde me las encuentro en un lugar céntrico de Madrid que jamás había visitado. "La dolorosa" de Pedro de Mena, "Susana y los viejos" de Rubens, "La Marquesa de Llano" de Mengs, el "Agnus Dei" (que pude ver en una exposición hace un par de años en el MNAC) y los Frailes Mercedarios de Zurbarán... y algunas obras de Goya muy interesantes: "El entierro de la sardina", "La tirana" o el "Autorretrato en el taller", en el que Goya aparece con el sombrero que utilizaba para pintar por las noches, un sobrero que rodeaba con velas y que se puede ver en la película sobre el artista que hizo Carlos Saura (Goya en Burdeos). Tuve mala suerte porque las salas del tercer piso en las que se anunciaban obras de Picasso, Pablo Gargallo, Benjamín Palencia o Joaquín Sorolla estaban cerradas de 19 a 21h, pero ese es el motivo por el que volver en una de mis próximas visitas a Madrid. Mi suerte vino al entrar en una de las salas y encontrarme con un cuadro que tenía ganas de ver desde hacía muchísimo tiempo. Es un cuadro más, quizá no tiene ninguna particularidad para llamar la atención de los demás, pero a mi me cautivó en su día y tenía ganas de verlo en vivo y en directo. "EL SUEÑO DEL CABALLERO", de ANTONIO DE PEREDA
"Antonio de Pereda realizó lienzos sobre diversos géneros, entre ellos, la naturaleza muerta con sentido moralizante o "vanitas". El Sueño del Caballero, tradicionalmente atribuido a este pintor, presenta una composición con una "vanitas", algo frecuente en el Barroco. Trata acerca de la vanidad del mundo, que nos llena de bienes efímeros que no proporcionan una ganancia trascendente: amor, belleza, dinero, placer... todo perece tras la muerte y sólo la esencia del ser humano permanece frente al mundo. La manera de hacer visible este complejo ideario moral estaba sistematizada por los pintores, que incluían un repertorio de objetos que simbolizaban las diferentes facetas de la vida que no permanecen más allá. Pereda sigue el estilo propio de la "vanitas" para realizar una de las más complejas y ricas composiciones sobre el mismo. El lienzo, que también se conoce como el Desengaño del Mundo, presenta a un joven y apuesto caballero, ricamente ataviado, que se ha quedado dormido y presumiblemente sueña con las glorias y miserias que se presentan sobre la mesa. La idea engarza con el tema de "la vida es sueño" y nos da a entender que la carrera de este joven no es más que un mero sueño sin sentido real. Los símbolos de la mesa son muy complejos, pero destacan algunos por su presencia continua en todas las "vanitas": la calavera que simboliza la muerte, la máscara de teatro sobre la hipocresía, las joyas y el dinero que son las riquezas que no podemos llevar al otro mundo, la baraja y las armas como el juego y los placeres de la caza, el reloj que indica el paso inexorable del tiempo, la vela apagada que indica la expiración de la vida... son innumerables los objetos y los múltiples significados engarzados que podemos entresacar de todos ellos." El caballero ve en sueños a un ángel que le advierte sobre los bienes del mundo, fugaces y engañosos. El cirio, recién apagado, es la vida humana. En la catela que sostiene el ángel en sus manos se puede leer en latín: "Eternamente hiere, vuela veloz y mata". El cuadro se lo llevó Napoleón a París, pero fue devuelto en 1816 e ingresó en la Academia. Salí con una sonrisa de oreja a oreja y, pese a que todavía me encontraba un poco mal, fui caminando hasta el Libertad 8 y, nada más entrar por la puerta empecé a ver caras conocidas que me hicieron sentir como en casa. Alejandro Martínez, José Luis Manzanero, Kika, Miguel Ángel Bueno, Marian, Pecas... Una tarde y una noche inolvidables, sin duda. MIRÓ: TIERRA, en el Thyssen Tierra labrada, Joan Miró. 1923-24 "La presente exposición ofrece un recorrido por la trayectoria creativa de Joan Miró desde 1918, fecha de su primera exposición individual, hasta sus últimas obras. Su hilo conductor es la noción de “tierra”, un término que debe entenderse en el sentido más amplio posible. “Tierra”, para Miró, quiere decir su tierra, Cataluña; pero es también una clave que le permite acceder a ciertos valores y cualidades propios de las culturas rurales, como la fertilidad, la sexualidad, la fábula o la desmesura. Tiene que ver, por otra parte, con la búsqueda de lo ancestral y lo primitivo. En términos de lenguaje pictórico, lo terrestre se manifiesta como una desconfianza por la forma y una propensión a experimentar con la materia. Estos rasgos estilísticos, que la exposición trata de destacar, permiten ver a Miró como el gran precursor del informalismo y el expresionismo abstracto, tendencias que dominarán las décadas centrales del siglo XX y que protagonizarán artistas de la generación siguiente a la suya con los que Miró establecerá un diálogo fecundo." No me gustan las cafeterías starbucks, pero empieza a ser una costumbre que mis citas en Madrid tengan sede y residencia en la de la glorieta de Neptuno. Además, los zumos de naranja están ricos y el tengo mis rinconcitos artísticos a pasos contados. Antes de entrar, avisé a mi acompañante: "Soy una completa ignorante de la obra de Joan Miró, no sé prácticamente nada". Claro, obtuve por respuesta una mirada atónita y un "¿Cómo puede ser?". Pues sí, yo (y los que estudiaron conmigo) fuimos capaces de estudiar historia del arte y no haber visto (más que de refilón, muy de refilón) la obra de Miró, Picasso o Goya. Es cierto, de estos artistas había asignaturas monográficas optativas (yo, por ejemplo, hice la de Goya), pero a mi entender deberían tener un hueco considerablemente grande en las asignaturas obligatorias de la licenciatura. En la primera sala, nada más entrar a la exposición, te encuentras con el ámbito "MONT-ROIG". Apenas cuatro o cinco pinturas pero jamás hubiese dicho que esas obras eran de Miró, eran obras que hizo alrededor del 1918, cuando tenía unos 25 años; paisajes llenos de colores y pequeños detalles. De ese ámbito se puede ir pasando a los 6 restantes: "Transparencias animadas", "Paisajes del origen", "Polimorfismos", "Figuras plutónicas", "El retorno" y "Ciclos". Conforme avanzábamos en la exposición, todo aquello que veíamos, ya nos parecía mucho más "Miró" y ahora sí que tengo clara una cosa, necesito visitar urgentemente la Fundació Miró de Barcelona (creo que demasiados años que no voy por allí), también quiero leer aquél libro de Miró que me compré en mi última visita al Mercat de Sant Antoni y quiero volver a la exposición, antes de que termine, para mirar con otros ojos todas esas maravillosas pinturas.
Huerto con asno, 1918
La casa de la palmera, 1918
Hombre con pipa, 1925
Paisaje (la liebre), otoño de 1927*
Sin título (dibujo-collage), c.1934
Dos mujeres, 1935**
Mujeres, pájaros, 2 de agosto de 1973
Alphonse Mucha en Caixa Forum (Madrid) "Alphonse Mucha (1860-1939) fue uno de los artistas más conocidos de su tiempo, creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno. Sus carteles y pinturas causaron admiración en París y contaron con imitadores en todo el mundo. El arte de Mucha aspira a la belleza. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegóricos, y crean una atmósfera de misterio cercana a la poética simbolista. Todavía no había tenido ocasión de visitar el nuevo espacio Caixa Forum en Madrid, y para allá que me fui nada más llegar a la ciudad el viernes. Menos de 24 horas estuve en Madrid y, aún así, tuve tiempo (por la mañana) de zumos de naranja, paseos interminables, confidencias soleadas y exposiciones en las que tanto me gusta perderme. También fui a la tienda del Museo Thyssen para ver si habían rebajado un poco el catálogo de Modigliani, pero el precio seguía intacto, frío, helado. No había tenido ocasión de ver nunca tanta obra de Alphonse Mucha en vivo y en directo, aunque creo recordar que había alguna obra suya en la exposición que hubo en el MNAC hace unos meses sobre "El Cartel Moderno". La exposición está dividida en 8 ámbitos: "Teatro. La transfirutación de la realidad", "La metrópolis como escenario", "Misterio, al encuentro del sueño y el ideal", "La epopeya eslava, una visión", "Belleza, la mujer como musa e icono", "La fotografía como medio y como arte", "Modernidad, Mucha y la génesis de la publicidad" y "La difusión del Estilo Mucha". Hubo una chica con la que me crucé en un par de ocasiones en la exposición que no paraba de decir a su compañera de visita que para ella Mucha era demasiado recargado, demasiado floral y circular... La verdad es que si algo tiene Mucha es un estilo propio lleno de líneas serpentinas, flores que se multiplican por todos los rincones y una forma de presentar a la mujer llena de delicadeza y suavidad. A mi, personalmente el Art Nouveau, en dosis pequeñitas e individuales, me vuelve loca. Algunas de las obras por las que merece la pena no dejar pasar esta exposición de largo...
La luna (de la serie "La luna y las estrellas")
Otoño (de la serie "Las estaciones")
La virgen de los Lírios
Paul Gauguin
Modelo posando
Abolición de la servidumbre en Rusia (de la serie "La epopeya Eslava")
Hay una fotografía en el apartado de "Misterio, al encuentro del sueño y el ideal" en la que aparece el propio Alphonse Mucha en su cama, con los ojos cerrados, como si estuviese durmiendo. Es un autorretrato que se hizo Mucha en su estudio de la Rue du Val-de-Grâce de París que relaciona directamente a Mucha a la línea que estudiava los aspectos mágicos del sueño (que también buscaron los surrealistas). También me fascinó una fotografía titulada "Mujer en una ventana, Múnich", una fotografía que mostraba el interior del Pabellón de Bosnia Herzegovina para la Exposición Universal de París de 1900 (con decoración de Mucha)... y muchas más... Podéis saber más sobre Alphonse Mucha aquí, y sobre la exposición aquí. Cent anys del Palau de la Música "Fue proyectado por el arquitecto barcelonés Lluís Domènech i Montaner, uno de los máximos representantes del modernismo catalán. La construcción se llevó a cabo entre los años 1905 y 1908. El edificio, sede central del "Orfeó Català", fue sufragado por industriales y financieros catalanes, ilustrados y amantes de la música, estamento que sesenta años antes ya había financiado el teatro de ópera y ballet Gran Teatre del Liceu. Comienza con un encargo de un proyecto del Orfeó Català al arquitecto Lluís Domènech i Montaner para construir un edificio destinado para ubicar su sede social. Antes de terminar el año se realiza la compra del claustro del convento de San Francisco, con la intendión de destinar este espacio para la construcción del edificio. La acústica del auditorio es inmejorable. Los mejores intérpretes y batutas del mundo del último siglo (desde Richard Strauss hasta Daniel Barenboim, pasando por Ígor Stravinski y Arthur Rubinstein y los catalanes Pau Casals y Frederic Mompou) han desfilado ininterrumpidamente por el Palau, auténtico santuario de la música de Cataluña y al tiempo sala de conciertos de referencia en el panorama artístico internacional. La arquitectura de Domènech es de gran calidad y originalidad. En el exterior se mezclan elementos escultóricos, que hacen alusión al mundo de la música, con elementos arquitectónicos y decorativos de carácter modernista y barroquizante. En el interior el arquitecto combinó magistralmente los diversos materiales de construcción con cerámica (el "trencadís" tan típico del modernismo catalán) y vidrio. El escenario está dominado en su parte trasera superior por los tubos del órgano, que se convierten a su vez en un elemento decorativo e icono del propio Palau. La embocadura del escenario está enmarcada por ilustraciones escultóricas espectaculares, sendas alegorías de la música culta y de la música popular: a la derecha, un busto de Ludwig van Beethoven sobre columnas dóricas que sostienen unos cúmulos de los que emerge la cabalgata de las walquirias (clara referencia a la adoración por Richard Wagner que siempre ha sentido el público catalán); a la izquierda, unos chicos al pie de un sauce en cuyas ramas aparece el busto de Josep Anselm Clavé, alusión al texto de la canción "Les flors de maig" de este autor. El Palau de la Música Catalana fue declarado Monumento Nacional en 1971. Con tal motivo se realizaron amplias obras de restauración. En 1997 la UNESCO incluyó el edificio en su relación del Patrimonio de la Humanidad." Me sigue pareciendo uno de los edificios más bonitos que he visto nunca y este año cumple 100. Allí vi mi primer concierto de música clásica, pequeñita, con los ojitos grandes y la boca abierta, cuando todavía iba a clases de piano con Elena y de solfeo con Mª Àngels (de repente, me han entrado muchas ganas de verlas). Ahora ya he perdido la cuenta de las veces que he ido a ver algún concierto, deben ser más de 10 o 15, pero cada vez que voy me pasa lo mismo, no puedo dejar de mirar las paredes, columnas, esculturas, escaleras, vidrieras, colores, molduras, estucados... Siempre encuentro algo nuevo que no había visto nunca y ver allí un concierto es un lujo al que todavía no debo estar acosumbrada. Siempre voy nerviosa y salgo con una sensación de bienestar indescriptible y a la vez con el corazón funcionando a mil por hora. Mis últimos conciertos allí han sido los de Mikel Erentxun, Luis Eduardo Aute, Jorge Drexler y Ariel Rot... Hoy creo que Drexler toca allí pero yo no voy a poder ir... Ayer estuve viendo la exposición que hacen en Caixa Forum sobre sus 100 años, una exposición audiovisual en la que puedes ver imágenes de diferentes actuaciones desde años remotos hasta el 2007. Se me puso el bello de punta al ver a Montserrat Caballé en el año de las Olimpiadas de Barcelona, a Zubin Mehta, a Josep Carreras y Ainhoa Arteta (mano a mano) y a Victoria de los Ángeles repleta de flores y recibiendo aplausos interminables... Yo sigo prefiriendo la visita al Palau en si, pero si pasáis por Caixa Forum, no dejéis de entrar a ver los audiovisuales... Jueves, 03 de Abril de 2008 10:22 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. El siglo XIX en el Prado Con esta, termino mi ruta por las exposiciones vistas en Madrid en el último viajecito. Pocas veces me voy de Madrid sin ver El Prado, aunque me enfade porque es en el único en el que no "cuela" lo de ser estudiante, que lo soy, pero paso de los 25... y me hacen pagar la entrada sin descuento. Eso sí, la entrada te sirve para todo el museo, con lo cual, entro a ver la exposición temporal y acabo por darme una vuelta por mis Hilanderas o mis pinturas negras o mi Jardín de las Delicias y, de paso, me despido de mi hermafrodita preferido (que esta vez estaba donado a otra exposición). Es sábado, 1 de marzo, estoy estrenando mes y aguantándome la emoción de haber podido desayunar con dos de las personitas que más quiero frente a Neptuno... Pienso que no voy a tener tiempo de verlo, me he dejado el Museo más típico de los turistas para el sábado... seguro que las colas son eternas. Sorprendentemente, cuando me despido de Ale y Pancho y cruzo el paseo hacia el museo, me doy cuenta de que hay poquísima gente para comprar la entrada, sonrío y pienso que al final hasta voy a tener suerte. Me voy directamente a la entrada de la ampliación, es lo que más me apetece ver en esta visita al museo... quiero ver con mis ojitos todo lo que me han enseñado los reportajes en los periódicos y en la tele. Nada más entrar me da la sensación de estar descendiendo las escaleras del Louvre y, por un momento, el corazón se encoje y tiene ganas de volar una vez más hasta allí... De todas formas, no os vayáis ahora a creer esto, no se parecen en nada, es una de las tonterías que se le ocurren de vez en cuando a esta acróbata. En la ampliación del museo se puede ver esta vez: El Siglo XIX en El Prado. ¡Qué exposición más completa! Yo estoy derrotada, me duelen los pies y arrastro un poco de cansancio encima... pero soy capaz, todavía, de detenerme un buen rato ante:  Amalia del Llano y Dotres, condesa de Vilches. 1853. Federico de Madrazo
Doña Juana la Loca. 1877. Francisco Pradilla
Los hijos del pintor en el salón japonés. 1874. Mariano Fortuny
Una esclava en venta. 1897. José Jiménez Aranda.
La actriz María Guerrero como "La Dama Boba". 1906. Joaquín Sorolla
Me ha faltado poder poneros aquí una de las esculturas que más me han impactado nunca: "Isabel II velada" de Camilo Torriggiani... En ella aparece el busto de Isabel II con un velo por delante de la cara. Miras y parece que el velo se esté transparentando, que exista ese trozo de tela entre tú e Isabel... ¡Impresionante! Y de las que he descrito, una pequeña muestra de todo lo que puede verse, me quedo con estas por lo sensual de la Condesa de Vilches, por el rato que pasé mirando el cuadro (enorme) de Juana la Loca, porque Fortuny me dice tantísimo en sus pinturas, por la belleza y la tristeza de esa chica de Jiménez Aranda... y porque me encantaron las palabras que le dice Sorolla a María Guerrero... Evidentemente, había mil cosas más... Si tenéis ocasión, estará hasta el 20 de abril, es una buena ocasión para ver la ampliación y darse un paseo por el Claustro de los Jerónimos. La noche española en el Reina Sofía La verdad es que tengo la sensación de haber aprovechado los días en Madrid a una velocidad de vértigo pero disfrutando de cada uno de los sorbitos, de cada cruce de caminos, de cada semáforo en verde... y allí me planté el viernes, en el Reina Sofía, después de desistir en visitar el Prado porque la cola era impresionante!... El paseo desde El Prado hasta el Reina Sofía esta vez fue especial porque han abierto el nuevo Caixa Forum madrileño (que no visité pero que estoy segura que va a ser un éxito si se parece aunque sea sólo un poquito al de Barcelona) y han colocado por un buen trozo del paseo esculturas de Igor Mitoraj... ¡qué maravilla!
Y ya en el Reina Sofía... había también bastante gente pero me puse en la cola y conseguí entrar a los 20 minutos más o menos de estar allí. Tenía ganas de ver la colección del Museo Picasso de París y La noche española... pero tenía poco tiempo, así que descarté mi visita a la colección permanente y entré a ver "La noche española", que me apetecía bastante. ¡Qué exposición! ¡Cuántas cosas! En una de las primeras salas ya te encuentras con "El guitarrero" de Manet y "La signora Adela Gerrero" de Courbet... y, entonces, piensas que has hecho bien, que esta exposición tenía que verla sí o sí. Obras de Ramon Casas como "Interior de taller después de una fiesta" o "Desnudo femenino con guitarra", de Santiago Rusiñol como "Gitana del Albaicín", de Julio Romero de Torres como "Manola" o "La escopeta de caza", de Juan Gris "Guitarra ante el mar", de Delaunay "Cantante flamenco", de Francis Picabia "Española", de Claudio Castelucho "En el cabaret", de Joaquín Sorolla "Boceto de la figura de Pastora Imperio para el Café Novedades"... que me entusiasmaron... Y cada día que pasa pienso que Ramon Casas y Santiago Rusiñol son unos genios increíbles...
Gitana en el Albaicín, Santiago Rusiñol Del resto de la exposición decir que me encontré con las pinturas de Natalia Goncharova, ¡impresionante la mujer-catedral! y me quedé un buen rato en la sala de "La Argentina" viendo su sonrisa y cómo me hablaban sus ojos... Si tenéis ocasión, no os perdáis la exposición, estará en el Reina Sofía hasta el 24 de marzo, día que me suena de algo... No tuve tiempo de ver la colección de Picasso porque Panchito apareció por la plaza del Reina Sofía cuando el reloj rozaba la una y media del mediodía... Así que me monté en el ascensor de cristal y descendí hasta el mundanal ruido... y mientras yo le decía a Pancho que la próxima vez que viniese a Madrid intentaría alojarme en una de las pensiones de esa plaza porque me encanta... él me decía que el Reina Sofía antes era el ¡¡¡¡Anatómico forense!!!!! La verdad es que sí, desprende cierta tetricidad... pero... ¡me gusta! Tendré que volver a Madrid antes de que se me lleven a Picasso... :-) ...en el centro de Madrid a la hora de la siesta ...puedes llegar dando un paseo hasta el Centro Cultural Conde Duque. En pleno centro, un antiguo cuartel militar se llena de misterios y vaivenes, de cuadros y poemas, de viajes y caricias, de esculturas y luces. Todo envuelto de piedra rosa y gris, con ventanas por las que se filtra el sol de fin de invierno... Y, si llegas antes de las cuatro del mediodía, puedes ver las exposiciones del centro cultural y después hacer unos minutos de siesta en un banco al solecito para entrar al museo cuando abren puertas, a las 17:30h. Arte del siglo XX en la colección Dicen que nació en Madrid en 1922 y murió en 1997. Descubre muy joven su vocación literaria, fue un empresario de éxito y delegó sus negocios para, desde la soledad e intimidad de su retiro, entregar su vida a la escritura, la lectura, la reflexión, el arte y la búsqueda de la belleza. En la exposición hay obras de Daniel Vázquez Días, Juan H. Leemans, Darío de Regoyos, Manuel Colmeiro, Cristino Mallo... pero yo me rindo a los pies de las esculturas de Juan Haro, sobre todo una titulada "Profundo dolor"...
...y los cuadros de un pintor que desconocía hasta ese momento, Benjamín Palencia. El mismo Antonio Ródenas consideraba a Benjamín "el más profundo de nuestros pintores actuales". Por su parte, Palencia encontró en Ródenas una devoción sincera y sin pretensiones y un conversador que sabía ver en la pintura no sólo las soluciones plásticas sino las profundas intenciones del autor. Soy consciente de que las fotografías con el móvil son un desastre pero ahí van algunas de las obras que me enamoraron...
Aranjuez
Caserío con montañas azules
Ernestina de Champourcin
"Nacida en 1905, Ernestina de Champourcin escribió en 1926 su primer libro, En silencio..., a través del cual se dio a conocer. A partir de ese momento se integró de lleno en el mundo cultural, publicando sus versos en los periódicos y revistas más conocidos de la época y escribiendo artículos de crítica literaria. Como todos los poetas de su generación, tuvo como maestro a Juan Ramón Jiménez, y a finales de los años 20 dirigió su poesía por el camino de las vanguardias. Debido a sus convicciones republicanas, en 1936 se exilió junto con su marido, Juan José Domechina, a México. Allí, tras unos años de silencio debidos a la necesidad de trabajar para sobrevivir, retomará su voz poética. Tras una etapa de poesía religiosa, escribe al volver a España una poesía de memoria y esperanza de una gran calidad. Ernestina de Champourcin contribuyó, con numerosas aporaciones, a construir la cultura de la preguerra y del exilio, expecialmente en lo que se refiere a la participación de la mujer en el mundo intelectual." Una exposición en una sóla habitación, con mucho para leer y con detalles mínimos imprescindibles. Una exposición llena de fotografías, cartas personales, manuscritos, recortes de revistas, libros... Postales, cartas de amigos personales de Ernestina como Rafael Alberti, Luis Cernuda o Vicente Aleixandre... Una vida apasionante la de esta mujer que desprende una vitalidad increíble con solo mirarla... Una vida que la lleva al exilio durante la Guerra Civil y que después la vinculará al Opus Dei... y aquí podríamos aplicar lo de "las vueltas que da la vida"... Ésta fotografía me tuvo un buen rato embobada... Josep Renau
Jaime Brihuega habla de Josep Renau (1907-1982) como un referente clave para entender la naturaleza y el comportamiento de la cultura española contemporánea. Una biografía agitada que le situa en escenarios tan variados como la Segunda República Española, la Guerra Civil, el exilio en México y en la República Demócrata Alemana. "Activista político, intelectual comprometido más allá de los meros principios generales, polemista infatigable y certer, grafista político, pintor que se resistía a encerrarse en su propio interior, cartelista excepcional, fotomontador implacable, ilusionado muralista..."... y yo me quedo con lo de activista político e intelectual comprometido porque en estos tiempos que corren nos hace falta más coraje y más valentía para poder decir lo que realmente sentimos. El lunes veía un reportaje en la Sexta sobre el voto para este domingo de diferentes artistas y personajes vinculados al mundo de la cultura... Me gustó ver cómo algunos no tenían ningún miedo (aunque esta no es la palabra que quiero utilizar) en decir que van a dar su voto a Izquierda Unida (como Pilar Bardem o Luis Pastor). Esto viene a cuento porque en esta campaña nos están intentando vender que sólo hay dos opciones de voto y eso me mosquea bastante. Evidentemente, tengo claro a quién votaría si tuviese que elegir a uno de los dos... pero es que me sigue dando miedo que no nos dejen ver más allá, que nos presenten el blanco o el negro, y en el fondo sea el mismo centro en el que quieren estar. Pues no, yo no. Y pobre Josep Renau, que poco tiene que ver con lo que acabo de soltar... pero es que me pone la gente comprometida, la gente que tiene voz y voto, que tiene opinión y opina, que no se calla y que cree que otro mundo es posible. Y ahora llamadme idealista... La exposición es muy interesante... No dudo en volver al Centro Cultural Conde Duque en mi próxima visita a Madrid, a ver qué encuentro la próxima vez porque esta vez he salido entusiasmada de ese lugar... Modigliani y su tiempo La muestra, que reúne alrededor de 130 obras, se propone analizar la trayectoria artística de una de las grandes figuras del arte del siglo XX, Amedeo Modigliani (1884-1920), desde su llegada a París en 1906 hasta su muerte. La gran novedad de este ambicioso proyecto es que, por primera vez, se presentará la obra del artista italiano en diálogo directo, tanto con los grandes maestros que influyeron en él -Cézanne, Picasso o Brancusi-, como con sus amigos de Montparnasse: Marc Chagall, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Ossip Zadkine, Tsuguharu Foujita o Jules Pascin, entre otros. Modigliani fue un artista abierto a los principales movimientos de la vanguardia parisiense anterior a la Primera Guerra Mundial pero, a su vez, se mantuvo siempre independiente de todos ellos; contemplar su obra junto a la de todos estos artistas -tanto grandes nombres de la historia del arte, como otros menos conocidos u olvidados, pero que fueron también protagonistas del arte europeo de comienzos del siglo XX-, permitirá valorarla en su justa medida. La exposición está estructurada en dos grandes secciones correspondientes a la relación de Modigliani con sus maestros, que podrá contemplarse en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza, y con sus amigos, que se mostrará en la sede de la Fundación Caja Madrid, al tiempo que sigue también un discurso cronológico.
Mi año "obsesivamente Modigliani" fue el 2007. Le tuve presente casi en cada uno de mis pasos... en mis horas muertas en la biblioteca (y en las vivas), en las escaleras del metro, en las paradas de autobús, en la arena de la playa, en los trenes y los mares, en los amaneceres y en las madrugadas, con velitas en el salón, con pinturas por el suelo, en la ropa y el bolso, por dentro... y por fuera. En cuanto supe de esta exposición empecé a descontar los días, era mi exposición del 2007 y venía con unas cuantas semanas de retraso. Al final he conseguido verla antes de que terminase febrero y no dudo en volver a recorrerla antes de que se nos vaya en mayo. En cada una de esas mujeres de ojos vacíos y cuellos largos (en las de torsos recostados y manos con dedos infinitos) puedo encontrarme, en diferentes momentos de mi vida, en las diferentes horas del día, en la piel de lo que soy y lo que no soy, como canta Gastelo. Y tengo que ir rápido y no quiero... porque se me clavan en la retina esos colores, que quiero quedármelos para mi, todas las horas del día. Modigliani llega a París y quiere ser escultor como Brancusi... Fue toda una sorpresa encontrar "El beso" de Brancusi en la segunda sala de la exposición:
El retrato de Dédie (Odette Hayden):
 Desnudo recostado:
 "Mi" Mujer sentada con vestido azul:
Pero eso no era todo, en la exposición conviven con Modigliani otros artistas, los de su tiempo... Algunos previsibles, otros me sorprendieron, y ahí estaban todos, arropándole... Desnudo sobre diván rojo, de Moise Kisling:
Desnudo de Arietty, de Moise Kisling también:
 La casa gris, de Marc Chagall:
La echadora de cartas, de Suzanne Valadon:
Paisaje de Cagnes, de Soutine:
 Y es una pena porque esos colores no se corresponden con la realidad. Es una exposición para recorrerla despacio, para llenarse de colores y de formas, para respirar casi tocándolo el aire de París de principios del siglo XX. Una exposición que se quedará, para siempre, dentro de mi. Exposiciones 2008 He estado estos días apuntando en la agenda algunas de las exposiciones que no quiero dejar pasar en este inicio de 2008... He encontrado estas...
Y... la exposición que llevo meses esperando, la consiguió darme un vuelco por dentro cuando supe que se iba a realizar... porque mi 2007 ha sido obsesivamente Modigliani. Modigliani y su tiempo MUSEO THYSSEN Chaplin en imágenes "Organizada por la Fundación "la Caixa" y NBC Photographie, Paris, ésta es la primera gran exposición dedicada a Charlie Chaplin que se lleva a cabo en nuestro país. La exposición reúne alrededor de 250 documentos, principalmente fotografías, pósters, material documental y extractos de películas, algunos de los cuales son inéditos. A través de imágenes, la muestra narra la historia de Charlie Chaplin —el actor y la figura pública—, desde la creación del personaje de Charlot hasta el final de su carrera. El sábado fue uno de los días más aburridos y angustiantes de mi vida, creía que me iba a dar algo en casa, las paredes se me echaban encima, apenas podía respirar... ufff, un día claustrofóbico... El día de ayer tuvo otro color. Abrí los ojitos cerca de las 10, me preparé un café con leche calentito y continué con el libro que terminé ayer mismo... A eso de las 12 salíamos de casa camino de Barcelona. El domingo es el peor día para ir a ver una exposición pero pensé que la mayoría de gente estaría comprando regalos y no sería un domingo como cualquier otro. Había bastante gente (y hacía un calor espantoso) pero la exposición merece mucho la pena. Si tenéis un ratito, no dejéis de visitarla. Más información aquí, espero poder ir el próximo 9 de febrero a la proyección de "El chico" con acompañamiento musical en directo. Ru, gracias por insistir... :) Pasión por el dibujo. De Poussin a Cézanne. Eugène Delacroix. mujer al piano, 1827-30, Colección Prat "A Louis-Antoine Prat, la pasión por el arte le venía, en primer lugar, de su padre, un gran coleccionista que falleció cuando Louis-Antoine tenía apenas seis años. Después de estudiar letras y ciencias políticas, decidió matricularse en la mejor escuela de historia del arte de París: la del Louvre. Más adelante, ingresó en los archivos de dibujo del Museo del Louvre y trabajó allí organizando exposiciones y escribiendo diversos artículos científicos. En 1974, cuando tenía treinta años, compró su primer dibujo: una modesta hoja de Eugène Delacroix. «(...) El estudio de la historia del arte también me llevó a interesarme por las propias colecciones y, como consecuencia, decidí invertir una parte de mis recursos y de mi tiempo en la práctica del coleccionismo. Como residía en Francia, me orienté hacia lo que conocía mejor, que era el dibujo francés, especialmente el dibujo francés de 1600 a 1900. Gracias a mis estudios de literatura era especialmente sensible al siglo XVII francés, por lo que empecé a adquirir dibujos de Nicolas Poussin y pude ampliar mi colección, cronológicamente, hasta obras postimpresionistas como las de Paul Cézanne.» Louis-Antoine Prat" En CaixaForum, hasta el 09/12. Dibujos de Watteau, de David, Delacroix, Manet, Degas, Seurat, Gericault... Muchos dibujos, todos. Algunos interesantísimos, otros que apenas llegan a esbozos pero que muestran lo que será después una gran obra de arte, como uno de Cézanne. Uno con una oreja por los suelos. Otro con firma del artista incluida que llama la atención de una chica que se deja los ojos en ello. Una exposición pequeñita pero rica, riquísima, sobre todo por las formas y matices. Yo, sin duda, me quedo con las tres obras de Victor Hugo, me encantaron. Después, si quieres, te vuelvo a contar la teoría del cambio del siglo XV al XVI, con sfumatos, Leonardos y contornos incluídos. / ¿Por qué la gente está tan seria en las exposiciones? / ¿Quieres prestar atención? / Vale, vale, pero sonríe un poco. / Vale :) ¡Che! Revolución y mercado Brian Doan "El retrato de Ernesto «Che» Guevara tomado por Alberto Korda es la imagen más reproducida en la historia de la fotografía. Los usos de esa imagen han sido tan diversos como la cantidad de soportes que la contienen –ceniceros, camisetas, tatuajes, grafitos, marcas de cerveza, pins– y está repartida por cualquier rincón de la geografía planetaria. Se trata de un fetiche de consumo global que ha adquirido vida propia, más allá del personaje que lo inspiró, y comenzó su andadura a partir de la muerte del Che y de las convulsiones del 68. El rostro del Che, hoy ubicuo, inspira todavía las lecturas más dispares, y es capaz de unir a contestatarios y estrellas de Hollywood, revolucionarios y top models, alternativos y vendedores de baratijas, artistas consagrados y grafiteros anónimos, nostálgicos del comunismo y ultras del fútbol..." La imagen original (que ya todos conocéis) es esta:
"La exposición «¡Che! Revolución y Mercado», concebida por la crítica y comisaria inglesa Trisha Ziff, hace un recorrido desde la foto original hasta la fetichización más absoluta sufrida por esa imagen en nuestros días. Durante años de investigación, Ziff ha concebido un proyecto en el que se recogen unas trescientas piezas, firmadas y anónimas, que refuerzan o pervierten la foto original tomada por Korda el 5 de marzo de 1960 en La Habana, bajo el título original «¡Che! Revolución y Mercado» reúne fotografías, carteles, películas, sonidos, ropa y artefactos de más de treinta países, así como publicidad, un netbook e imágenes que aparecen en Internet." Soy consciente de que los "posts" tan largos no se leen... pero es que, pese a que he decidido obviar parte del texto que me animó a ir a ver la exposición, me gustaría que lo leyéseis para saber si a vosotros también os hubiese "llamado" tanto como a mi. Miércoles tarde, llevo todo el día encerrada en el trabajo. ¿Vamos a dar un paseo antes de entrar al teatro? Podemos ir a ver esta exposición. ¡Vale! ¡Perfecto! Bajamos a eso de las siete y media por las Ramblas dirección el Palau de la Virreina a ver "¡Che! Revolución y mercado". No encontramos al señor que vende las entradas (está escondido debajo del mostrador¿?). Al final aparece y nos vende las entradas, se lo agradecemos. Entramos. Leemos. Miramos. En la primera sala encontramos un recorte de prensa y un video (bueno, una impresión de pantalla de un video) del youtube con la actuación de Santana en los Oscars (el año que se lo dieron a Jorge Drexler y él no pudo cantar SU CANCIÓN) en la que lleva puesta una camiseta con la famoso rostro del Che. Pienso, pienso en que me pareció patético que no le dejaran cantar su canción a mi querido Drexler, y recuerdo lo que pensé cuando le escuché cantar en los segundos de tiempo que le dieron para dar las gracias por el premio. Me he ido del tema, lo sé, es lo que tiene la asociación de ideas. Leemos, leemos y opinamos. En una sala podemos ver toda la iconografía que ha dado de sí esa imagen con la estética más POP, en otra la imagen del Che como Cristo, en otra piezas de merchandising de lo más variopinto, carteles, camisetas, objetos de madera, fotografías... y un largo etc... A mi no me gustó demasiado la exposición. Supongo que porque la había imaginado de otra manera y porque la idea me parecía buena. Pero después vas y quieres más, quieres que te expliquen más, no quieres ver sólo cajetillas de tabaco o camisetas u objetos de madera... No sé, me esperaba "algo más". Si alguien la ha visto, que me diga... Jueves, 22 de Noviembre de 2007 17:59 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Yves Tanguy. El universo surrealista Cadavre Exquis, Man Ray, Joan Miró, 26 Octubre 2007 - 13 Enero 2008 "Calificado como "el más surrealista de los surrealistas" por André Breton, impulsor de este movimiento artístico, Yves Tanguy (1900-1955) sigue siendo uno de sus representantes menos conocido por el gran público. Marinero de profesión y pintor autodidacta, Tanguy inició su carrera en Francia, pero su consagración como artista se produjo en Estados Unidos, donde se exilió en 1939 y donde vivió hasta su muerte. La exposición, organizada en colaboración con el Musée des Beaux-Arts de Quimper, reúne más de 250 obras, desde las primeras postcubistas y expresionistas de 1924 hasta Multiplicación de los arcos, pintada poco antes de su muerte. El discurso expositivo se completa con un importante número de piezas de su obra gráfica: guaches, grabados, "dibujos automáticos" y "cadáveres exquisitos", juegos surrealistas que Tanguy compartió con amigos suyos como Joan Miró, André Breton o Jacques Prévert. Libros y revistas de época ilustradas por Tanguy, fotografías de Man Ray o Dora Maar y documentación inédita ayudan a contextualizar el universo surrealista del pintor. Como subraya el comisario André Cariou, "hoy en día, Yves Tanguy, el más grande pintor surrealista francés, calificado de pintor surrealista por excelencia, es aún desconocido. Sin duda, el gran público aprecia más las imágenes à la Magritte o las extravagancias à la Dalí, pero el favor de los entendidos continúa intacto... Su obra fascina siempre a todos aquellos que aceptan entrar en ella"." Domingo completo y repleto. Nunca había ido al MNAC y me había costado tanto aparcar el coche, aunque en el fondo me sentía feliz al saber que podría haber tanta gente viendo el museo. Otra sorpresa fue ver que han puesto una cafetería al aire libre en la entrada, en las escaleras que recuerdan las de Montmartre de París o el Mirador de San Nicolás de Granada, desde donde puede verse toda Barcelona. Yo sí que conocía a Tanguy, conocía gran parte de su obra gracias a la gran Lourdes Cirlot, que precisamente es la coordinadora del ciclo de conferencias que giran alrededor de esta exposición. La exposición que presenta esta vez el MNAC es una de las más completas que he visto nunca allí. El surrealismo no es uno de mis movimientos preferidos, podría decir que a mi me gusta más de Tanguy sus primeras obras postcubistas y expresionistas, me gustaron más sus dibujos y juegos que sus pinturas... pero es que todo esto es cuestión de gustos. CADÁVER EXQUISITO "Cadáver exquisito es una técnica por medio de la cual se ensamblan colectivamente un conjunto de palabras o imágenes; el resultado es conocido como un cadáver exquisito o cadavre exquis en francés. Es una técnica usada por los surrealistas en 1925, y se basa en un viejo juego de mesa llamado "consecuencias" en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración. El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior. El nombre se deriva de una frase que surgió cuando fue jugado por primera vez en francés: Le cadavre exquis boira du nouveau vin (El cadáver exquisito beberá el nuevo vino).En resumidas cuentas se combinan cosas de una idea agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad. Los teóricos y asiduos al juego (en un principio, Robert Desnos, Paul Eluard, André Bretón y Tristan Tzara) sostenían que la creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática. De hecho, muchos de estos ejercicios se llevaron a cabo bajo la influencia de sustancias que inducían estados de semiinconsciencia o durante experiencias hipnóticas. Neruda y Lorca los llamaron ’poemas al alimón’; Nicanor Parra y Huidobro, ’quebrantahuesos’." Esto es, sin duda, lo que más me gustó de la exposición, los cadáveres exquisitos (junto con las fotografías de Man Ray, las de Dora Maar, los fotomatones...); sólo por eso merece la pena ir a verla. Son todos interesantísimos y hay muchos ejemplos. De Tanguy con Tristan Tzara, con Man Ray, con Bretón, con autores desconocidos y, el que más notamos, con Miró. Era increíble cómo mirando uno podías adivinar qué parte había hecho Miró, se notaba tanto su trazo, su línea negra, sus colores...  Una exposición para dejarse empapar, para dejarse llevar, para disfrutar con los juegos, los colores, las formas y todas las cosas que te cuentan sin contarte. Sin duda, merece la pena dejarse caer por el MNAC cualquier día, entrar a ver la exposición, salir, tomar un café y disfrutar de las vistas de Barcelona mientras un chico toca la guitarra maravillosamente bien. Ru... ¿Quieres dejar de chafarme los temas? El cartel moderno Dale al play... Henri Privat-Livemont, Rajah Las 11h, termino una clase y tengo una hora y media libre hasta la siguiente. Voy a mirar si ya está la nota del examen que hice, ¡¡¡¿todavía no?!!! Salgo a la calle, paso por la plaza del Macba mirando una vez más su fachada, camino sin rumbo, pienso, hace frío (tengo los pies congelados). Me compro unos zapatos, entro a una tienda de lencería para ver si encuentro una liga "decente" para la boda de Marta, no me convence ninguna. Salgo a la calle, todavía me queda media hora libre... Decido no ir a clase, cojo el coche y subo hasta Montjuïc. La exposición que quería ver en el MNAC se termina el domingo, era "hoy o nunca", no me lo hubiese perdonado. "La exposición presenta una selección de un centenar de los más de 600 carteles que integran las colecciones Plandiura y Riquer del Gabinete de Dibujos y Grabados del MNAC (Museu Nacional d'Art de Catalunya), adquiridas en los años 1903 y 1921, respectivamente. La muestra permite realizar un recorrido canónico por la historia del cartel moderno, y abarca producciones de autores europeos y americanos tan importantes y representativos como Chéret, Mucha, Steilen, Hassall, Meunier... etc... Entre los catalanes destacan los nombres de artistas sobradamente conocidos como los modernistas Casas, Rusiñol y Riquer. Cronológicamente, la mayoría de estas obras se sitúan en torno a la emblemática fecha de 1900, momento en el cual asistimos a la eclosión del cartel como medio de expresión artística." Bajo las escaleras hasta el espacio en el que se pueden ver normalmente las exposiciones temporales del museo, conozco cada rincón al milímetro, todavía me vienen recuerdos de mi estancia como becaria cada vez que bajo esas escaleras. Entro en la exposición y me dejo llevar. Yo de mayor quiero ser cartelista o cartelera, como se diga. Los primeros en seducirme son Jules Chéret, Alphonse Mucha... "Carriage Dealers" es precioso. Bueno, los carteles del art nouveau son todos bellísimos, dulces, elegantes... Son salas llenas de color, de luz y caprichos, de líneas sinuosas, de llamadas de atención y seducción. Por aquí te ofrecen un té riquísimo (Henri Privat-Livemont, Rajah), por allí los mejores cigarrillos (Aleardo Villa, Cigarrillos París), galletas que se pueden hasta oler (Gicar, Biscuits Victoria). Te muestran el Real Club de Barcelona (Joan Llaverías), el Gran Teatre del Liceu (Adrià Gual), partituras llenas de música y nostalgia (L'alegria que passa, Santiago Rusiñol), exposiciones, bicicletas, absenta... Descubro a Maxfield Parrish, a Ethel Reed, Edward Penfield, William Henry Bradley... Por todas partes hay estudiantes (deduzco que de arte) dibujando, copiando los carteles. He estado un rato sentada al lado de una chica de ojos brillantes que miraba fijamente el famoso Tournée du Chat Noir de Théophile Alexandre Steinlen... Escuchaba una voz conocida en la sala, había un grupo de cuatro personas comentando uno de los carteles. De repente, ahí estaba, Francesc Quílez, el comisario de la exposición y con el que tuve el placer de charlar (y desayunar) más de una vez gracias a la amistad que le une al que era mi jefe en el museo, Jordi Casanovas (¡cómo le echo de menos!). Es una exposición preciosa, os animo a que vayáis a verla los que todavía estéis a tiempo, acaba el domingo...
Alphonse Mucha. Carriage Dealers. 1902.
Adolf Hohenstein. A. Calderoni Gioielliere. 1898.
Aleardo Villa. Cigarrillos París. 1901.
Maxfield Parrish. Harper's Weekly. Bicycle Number.
Theóphile Alexandre Steilen. Tournée du Chat Noir.
Ethel Reed. Miss Träumerei. ...y un sin fín más.... Nicolas de Staël NICOLAS DE STAËL No era un buen día para ir a Barcelona, llovía y las colas en los museos tiran para atrás (más en verano)... Igualmente salimos a dar un paseo y acabamos visitando la exposición temporal de La Pedrera (Obra Social Caixa Catalunya). Era domingo, 19 de agosto y el final de nuestra salida la comentó Rubén en su blog. "Pintor francés, nacido en San Petersburgo en el seno de una antigua familia aristocrática. Después de la Revolución Rusa, su familia abandonó el país y se trasladó a Polonia, donde sus padres murieron. Fue llevado a Bélgica, donde pudo estudiar en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas y en la Academia de San Gil hasta 1933. Aunque desde su infancia estuvo en el exilio, Nicolás de Staël permaneció ligado a sus raíces. De Stäel se unió a la legión extranjera en 1939 pero fue desmovilizado en 1940 y se instaló en Niza. Allí se encontró con Robert Delaunay y Sonia Delaunay y con Le Corbusier. Georges Braque le presentó a Jacques Dubourg, un importante marchante de arte, quien junto con su compañera también dueña de una galería, Jeanne Boucher, le apoyaron en un periodo de extrema pobreza. Obtuvo la nacionalidad francesa en 1948. Desde 1942 hasta su muerte se dedicó a pintar y dibujar, y en 13 años llegó a pintar unos mil lienzos, principalmente al óleo. En la exposición se puede ver claramente la evolución del artista, desde cuadros cubistas hasta figuración casi pura ("Desnudo de pie"). Dibujos, paisajes, abstracciones... y, sobre todo, color. Es la exposición del color. Si tenéis un hueco en la agenda, no olvideis visitarle... Mis pinturas preferidas de la exposición: "Puente Saint Michel de noche" (que no he encontrado para ponerla), "Barcos de vapor" y muchos de los bodegones. En la foto que encabeza este pequeño texto se puede ver a Nicolas de Staël, es una foto que hice en la exposición, a la salida.  .  .  Patinir, Van Gogh y Richard EstesCafecito a mi izquierda, móvil en silencio a mi derecha, apuntes detrás del portátil (a ver si consigo ponerme de una vez a estudiar), la mesa llena periódicos viejos, tabaco, trípticos de exposiciones, un mapa de Madrid, "Nubosidad variable" por si me apetece seguir leyendo y "Lucía y el sexo" porque quiero verla hoy (una vez más) sin falta. Suena el disco de mi verano, tengo pendiente hablaros de él. El jueves pasado, en mis menos de 24 horas en Madrid, tuve tiempo de ir a mis museos preferidos, casi nunca piso Madrid sin dar una vuelta por El Prado y el Thyssen, casi siempre tienen algo nuevo e interesante... Esta vez, lo reconozco, me equivoqué. Tenía poco tiempo y tenía mucho por ver; lo ideal es que hubiese dejado sin visitar, por esta vez, El Prado y haber llegado hasta el Reina Sofía a ver a Gordillo y Le Corbusier... pero no lo hice y entré a ver la obra de Patinir. PATINIR  Voy a ir rápido con esta exposición. Soy una completa ignorante de su obra y no puedo opinar demasiado pero esta vez, con tan poco tiempo, tendría que haber dejado de lado mi pasión conservadora que lleva mis pasos hasta El Prado y tendría que haberle dado una oportunidad al Reina Sofía, ¡me arrepiento de no haber ido a ver a Le Corbusier y Gordillo! ¡He dicho! Teniendo en cuenta las dos exposiciones que vi después, esta se quedaría con un aprobado justito, y ¡que me perdone el artista! VAN GOGH - LOS ÚLTIMOS PAISAJES
En el Thyssen pude ver, entre una multitud de turistas que se agolpaban frente a las obras y daban codazos, las últimas obras que pintó Vincent Van Gogh. No soporto ir a una exposición y encontrarme a tanta gente pero tuve que tomar aire y mezclarme entre los niños que gritaban que querían salir de ahí y los señores que comentaban las obras y a los que me arrimaba para escuchar disimuladamente. De esta exposición hasta tomé notas para recordar las obras que más me habían gustado: El ayuntamiento de Auvers, el dibujo de Las casas de Auvers con campesina caminando, más Casas en Auvers, Campo de amapolas, Mujeres cruzando los campos (dos mujeres endomingadas, una de ellas con un vestido de lunares rojos precioso), El Jardín de Dauvigny, Paisaje al atardecer y Dos figuras en el bosque. "El 20 de mayo de 1890, Vincent van Gogh se bajó del tren en Auvers-sur-Oise, un pueblo a 35Km de París. Recién salido del manicomio de Saint-Rémy, llegaba a Auvers en busca de salud y de calma, con la esperanza de comenzar una nueva vida y un nuevo ciclo en su trabajo como pintor. Pero sólo dos meses después, el 27 de julio, en los campos cercanos al château de Léry, se disparó un tiro con un revólver que le causaría la muerte, tras una larga agonía, en la madrugada del 29 de julio". Si tenéis ocasión de ir a verla, no faltéis, merece la pena pasearse entre las últimas obras de Van Gogh mientras puedes leer trocitos de sus últimas cartas relacionados con las obras que tienes delante... En el Thyssen siempre documentan muy bien las exposiciones para los visitantes, me gusta. Además, es la excusa perfecta para que no dejéis de ver esto... RICHARD ESTES
Este fue mi gran descubrimiento del día, del mes, del año... Había leído de la exposición aquí y me fascinó esta frase: "He descubierto un pintor al que adorar... y está vivo!". Fui a verla con total ignorancia, había escuchado hablar de Richard Estes pero no tenía ni idea de lo que iba a ver... y me pasó lo mejor que me podía pasar: entrar a verla y tener que pararme en todas y cada una de las obras a buscar detalles, colores, movimientos, formas, reflejos, aire... ¡Me encantó! "Richard Estes (Kewanee, Illinois, 1932) es conocido como uno de los fundadores del movimiento pictórico fotorrealista que nació en Estados Unidos a finales de los años sesenta y comienzos de los setenta del pasado siglo. El artista, sin embargo, no se siente identificado con esa etiqueta y prefiere ser considerado simplemente como un pintor en el sentido tradicional de la palabra. Su pintura no se agota en la alusión a la fotografía. Estes nunca se limita a calcar una proyección fotográfica, sino que construye una verdadera composición pictórica utilizando diversas tomas fotográficas como materiales auxiliares, pero acudiendo al mismo tiempo al dibujo, la perspectiva o el estudio de la luz". En la exposición puedes ver retratos de ciudades como Chicago, Venecia, Córdoba, Londres, Florencia, Nueva York (sobre todo) y, la que me atrapó durante un buen rato, Barcelona. No es que me quedase mirando la obra de Barcelona más tiempo porque me gustase más (¡qué aburrido mirar precisamente la ciudad que ya conoces...!)... pero es que en la obra se podían ver detalles mínimos de la ciudad que me dejaron fascinada, y además eran cuadros al óleo, me parece dificilísimo. En la fotografía que os dejo ahí arriba no se ve bien, el cuadro es bastante grande. Luego, las obras en las que se ve mitad calle y mitad autobús, o mitad tienda y mitad calle... es como ver dos cuadros en uno, una maravilla. Salí del museo con sonrisa de oreja a oreja, con la sensación esa que os comentaba arriba... de descubrir un pintor al que adorar y que esté vivo... Consiguió quitarme el mal trago de ver a Van Gogh entre tanta gente (y eso que dan pases cada 15 minutos...) y el mal sabor de boca de no tener tiempo de ir hasta el Reina Sofia. Si teneis ocasión... no os lo perdais. ¡Cuando me pongo ... no paro! William Hogarth Retrato de la sociedad inglesa del siglo XVIII "Ningún artista ha logrado definir un período de la historia británica de un modo tan efectivo y perdurable como William Hogarth (1697-1764). En la actualidad, la expresión "la edad de Hogarth" se utiliza a menudo para describir la primera mitad del siglo XVIII. Este artista ha sido objeto de gran admiración a lo largo de los siglos, también a escala internacional, y ha influido en pintores tan famosos como Goya, Whistler, Paula Rego y David Hockney; la céelebre serie pictórica de Hogarth La evolución del vividor inspiró una ópera de Stravinsky y un ballet de Ninette de Valois." Se puede ver la exposición en Caixa Forum (Casarramona) hasta el próximo 26 de agosto. La entrada es gratuita. Conocía parte de la obra de William Hogarth pero nunca había visto ninguna pintura suya "en directo". Me gustó su forma de ver su realidad cotidiana, ver cómo vivían sus personajes e intentar entenderlos a través de esas caras y esos escenarios. Me sorprendieron mucho los rostros, con narices aguileñas, con ojos saltones y arrugas por todas partes. Las manos encogidas, las ropas que se retuercen, la deformidad del paso del tiempo y el que en ese momento hubiese cosas de nuestro día a día tan presentes entonces. Destacaría: Todos sus "Antes" y "Después" pintados o grabados (me parecieron muy graciosos):
 "Los niños Graham" (y, sobre todo, el gato que mira el pájaro):  "Sir Francis Dashwood en sus devociones". "Una conversación moderna a media noche". Las series del día: Mañana, Mediodía, Tarde y Noche... (fijaos en los "cuernos" de algunos personajes). Merece la pena pararse a leer los cartelitos de la exposición y saborear las obras una a una, no hay que ir con prisa. La serie "Matrimonio a la moda" es una tragicomedia en seis actos. Son seis cuadros donde los actores de Hogarth no disponen de texto alguno, pero las obras hablan por sí solas. Por ejemplo, el segundo acto: "Tête a tête". "En este lienzo contemplamos la segunda escena de la serie El matrimonio a la moda, donde critica los matrimonios de conveniencia tan habituales entre las clases aristocráticas y burguesas, crítica que también se encuentra años después en la obra del español Goya.Los dos esposos se han casado por dinero y Hogarth nos los presenta tras una agotadora jornada de diversión, cada uno por separado, por supuesto. La esposa se despereza mientras el marido, abatido todavía por el cansancio, se deja caer en una silla con las manos metidas en los bolsillos, en una pose alejada de la elegancia. Todavía podemos observar los restos de la jornada festiva con la silla caída en primer plano, el libro de las partituras abierto y los violines en sus estuches. En esta zona de la composición encontramos al administrador con un amplio número de facturas en la mano, con el libro mayor de gastos bajo el brazo, elevando la mirada al cielo y haciendo un gesto de "señor, apiádese de ellos". En el fondo de la escena observamos a uno de los sirvientes colocando las sillas del gran salón, en un gesto de desperezamiento al igual que su señora.No sólo tenemos que destacar la magnífica faceta de narrador manifestada por Hogarth sino su facilidad a la hora de dotar de ambiente a la escena, presentándonos todos y cada uno de los detalles de una casa aristocrática: la chimenea, los grandes lienzos, las alfombras, el reloj, las estatuas, etc. También es destacable los expresivos gestos de los protagonistas, especialmente la cara picarona de la esposa y el gesto de pesadumbre del administrador.Tras una vida de engaños e infidelidades, el esposo será asesinado por el amante de su mujer y ella se suicidará, dotando así Hogarth a la serie de un mensaje moralizante."
Si tenéis un hueco en vuestra agenda podéis ir a dar una vuelta por la exposición. El Cupido de Falconet... El éxito real de Falconet llegó con el Salón de 1757, donde expuso el Cupido. El Cupido era un encargo de Madame de Pompadour y se ha convertido en una de las piezas más famosas de la escultura del Siglo XVIII. Falconet abordó un tema del que ya se habían ocupado, entre otros, Bouchardon y Saly. Madame de Pompadou había encargado el mismo tema a otro escultor pero el artista no había pasado del pedestal en forma de tambor. Ese Cupido estaba destinado a Bellevue, pero quizá al venderse la residencia en 1757 y ante los continuos retrasos del otro artista (Slodtz), madame de Pompadour abandonó el proyecto y lo reemplazó por una obra similar de Falconet, pensada para su casa de París. Cupido, como dios y genus loci, preside sentado sobre una nube, en una pose de disimulo y burla. Es un niño, un bebé, convertido en una miniatura por cariño. La estatua encarna la atracción y la amenaza del amor. Desde un perfil, Cupido aparece con el dedo sobre los labios, pidiendo discreción e intimidad, el extremo de su aljaba es el único indicio de que hay algo más. Desde el otro lado, y desde el frente, se ve claramente que con la mano izquierda saca una flecha de la aljaba; una ambigüedad que queda patente ya en el ademán del dedo, que pasa a ser más signo de amenaza que de conspiración. Y, por último, toda la ambigüedad del Amor se personifica en el ramillete de rosas tallado debajo de la nube. La estatua está perfectamente preparada para entrar en un cuadro de Fragonard, para convertirse en la dínamo que envía ondas de energía erótica en cada rizo y trazo de pintura. El Cupido de Falconet es un niño, pero también un juguete, travieso y encantador, pero paradójicamente poderoso. Pueden tallarse otros dioses y diosas como simple representación de la mitología pero este dios es real, como se conoció unánimemente en el siglo XVIII. Preside realmente las artes, desde la Peregrinación a Citera de Watteau hasta las Bodas de Figaro de Mozart. Su concepto es obvio, pero con esa obviedad propia de los genios. . (Mezclando apuntes y el libro de M. Levey "Pintura y escultura en Francia. 1700 - 1789"). . ¿A ti te mira? Martes, 26 de Junio de 2007 20:35 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Madrid #5 - El Museo del Prado En nuestro periplo de un día hubo tiempo también para visitar el Museo del Prado. Entramos a ver la exposición temporal Doce artistas en el Museo del Prado... y con la excusa acabamos dando una vuelta por las estancias de Velázquez, Rubens y un poquito Goya y escuchando a un cuentacuentos que explicaba cuadros a un grupo de niños mientras nosotras, tres metros atrás, mirábamos embobadas y queríamos apuntarnos al tour por el museo con los peques. No me atreví a preguntar a mis acompañantes qué les pareció la exposición; sí que opinamos un poquitín al salir pero no me atreví a preguntarles qué opinaban de verdad. Yo me quedé un poquito defraudada, y eso que el otro día defendía la exposición a capa y espada. Sigo pensando que el artículo de Rosa Olivares es elitista y excluyente, un poco prepotente (lo siento, Cide Las obras que se pueden ver son de Isabel Baquedano, Carmen Calvo, Naia del Castillo, Cristina García Rodero, Cristina Iglesias, Carmen Laffón, Ouka Leele, Eva Lootz, Blanca Muñoz, Isabel Quintanilla, Soledad Sevilla y Susana Solano. Unas me gustaron mucho, otras me parecieron interesantes y otras no me gustaron nada. Mis preferidas fueron: Santa Bárbara de Naia del Castillo:
Ofrenda a Flora de Cristina García Rodero:
La Verónica A y B, de Soledad Sevilla:
Y, mi preferidas, las dos obras de Ouka Leele:
Mi cuerpo es mi territorio, no os acerquéis a mí, no me supliquéis que voy de vuelo:
La exposición se nos hizo muyyyy cortita y decidimos dar un paseo por el resto del Museo. Nos quedamos embobadas con el cuentacuentos y también con los pintores que hacen copias de los originales o de partes concretas de los originales; imagino que son estudiantes o personas que buscan mejorar su técnica mediante la copia... realmente maravilloso verles trabajar. No se pueden hacer fotos, pero ahí arriba, un poco desenfocada por el temblor de mis manos, podéis ver el trabajo de una pintora ante "Las Hilanderas" de Velázquez. Un lujo compartir paseo artístico con mis niñas, claro. Los enemigos del Museo del Prado
Si habéis llegado hasta aquí (quizás) es porque habéis leido este artículo de Rosa Olivares publicado en Exit Express este mes de mayo. No he tenido la suerte de ver esta exposición del Museo del Prado, espero poder hacerlo en breve, y, pese a que pueda gustarme más o menos, la percibo completamente distinta a todo lo que he visto en este museo nunca y eso ya me gusta. Me parece que este elitismo excluyente de Rosa Olivares está completamente fuera de lugar, que en los centros culturales de barrio y pueblo se hacen, con frecuencia, maravillosas muestras con lo poco a lo que pueden acceder y muchas veces consiguen, con ese poquito, excelentes resultados. Para mi, el Museo del Prado es uno de esos lugares mágicos, como para la señora Olivares, en los que muchas veces encuentro refugio y consigo evadirme de muchas de las cosas que me rodean a diario, me gusta visitarlo cada vez que voy a Madrid y me gusta pasear por él fijándome en detalles que otras veces me han pasado desapercibidos o volviendo a ver, una vez más, las maravillosas Hilanderas de Velázquez. Una de las cosas que más me han disgustado de este artículo es, quizás, la prepotencia y la arrogancia que hay en cada una de las palabras de la autora... o quizás es que hoy estoy un poquitín más sensible que otros días. Imagen: Ouka Leele. Menina liberada, ingrávida, al saltar de mi jaula, mis células vibraban al ritmo de la luz..., 2007 La Música y el III Reich. De Bayreuth a Terezin. Hasta el 27 de mayo en La Pedrera (Barcelona). Una exposición llena de mil sensaciones, llena de música y de rábia (también). Una exposición "especial" y "llena"... y digo "especial" y "llena"... en todos los sentidos de la(s) palabra(s). Una exposición que no calla, que se escucha, se mira y se lee. " 'La música y el III Reich. De Bayreuth a Terezin' quiere contribuir a la comprensión de esta complejidad a través de la revisión de los diferentes intentos del régimen por definir unos criterios e imponer una música en sintonía con el ideal nacionalsocialista. Este ideal exaltaba la fusión del ser alemán en la comunidad nacional y popular, y al mismo tiempo silenciaba brutalmente cualquier manifestación musical que nos e ajustase a la doctrina oficial, lo que comportó la erradicación de la modernidad artística que representaban las vanguardias musicales del primer tercio del siglo XX. Esta exposición quiere rendir homenaje a todos aquellos músicos y compositores silenciados." Obras pictóricas de Oskar Kokoschka (al que cada día entiendo un poquito más), Leopold Schmutzler (al que no conocía de nada), de Arno Breker... (un impresionante busto de Richard Wagner)... Libros como "El judaísmo en la música" o "La música en el Tercer Reich". Un himno olímpico de Richard Strauss para unas Olimpiadas que se tendrían que haber realizado en Barcelona en 1936 (podemos hacernos una idea del por qué no se llegaron a hacer en Barcelona...). Una "Oda a Napoleón Bonaparte" de Schönberg en la que, a partir de un poema de Lord Byron, constituía un paralelismo directo entre Napoleón y Hitler... Maquetas, proyectos de escenarios, un cuadro y una música que suena, un vídeo, un libro y mucha historia por contar. (perdonad el desorden) "La organización encargada del ocio en el Reich, "La Fuerza por la Alegría", programó numerosas actividades musicales dirigidas a los obreros y a los soldados. Por ejemplo, durante la guerra, la Orquesta Filarmónica de Berlín y su director, Wilhelm Furtwängler, actuaron muchas veces en las fábricas Siemens y AEG. Estas actuaciones, así como las que protagonizaron otras orquestas y directores de renombre, a menudo fueron grabadas y difundidas en todos los cines del país a través de los noticieros cinematográficos, como herramienta de propaganda, con objeto de transmitir a la población una imagen de normalidad y tranquilidad en los años más duros de la guerra". "La fuerza por la alegría"...? La perla del Mediterráneo Puedo asegurar que una de las asignaturas más interesantes que he estudiado nunca es Barcelona 1900 (Matrícula de h. y mi sonrisa de oreja a oreja) y estoy segura de que gran parte de ese entusiasmo fue gracias a la profesora, Teresa M. Sala. En el examen (en el que podías elegir dos temas: Els Quatre Gats o Les Multituts) le expuse una "parrafada" sobre las relaciones del capítulo "Dia de sentencia" del libro de Raymon Casellas (Les Multituts) y el cuadro de Ramon Casas Garrote Vil. Debí ser de las únicas porque el tema fácil era hablar del café "Els Quatre Gats", las tertulias literarias, sus componentes, etc... y, quizás, por eso me gané esa buenísima nota. El caso es que hoy, leyendo el mail que me envían cada día con los titulares de "El Periódico" me he encontrado con uno que se titulaba "La perla del Mediterráneo" y he recordado a Teresa M. Sala hablando en clase de los múltiples nombres con que se conocía la Barcelona del momento: La ciutat de les bombes, La Perla del Mediterrani, La Ciutat Cremada, La Rosa de Foc... etc. El artículo habla de un video en el que se hace publicidad de la Barcelona de aquellos principios de siglo XX, un vídeo propagandístico de Cabot Films, el único testimonio de la vida barcelonesa de la época que tenemos en formato cinematográfico y un vídeo en el que vemos lo que más interesaba de la Barcelona del momento, con lo que se intentaba atraer a Barcelona el turismo a través de la Sociedad de Atracción de Forasteros. Este vídeo acaba de recuperarse y es una maravilla. Me encantaría coger un día un mapa turístico de Barcelona y ver qué se les recomienda a los turistas... Es decir, lo mismo que hago en otras ciudades, hacerlo en mi ciudad... y ver las cosas que durante todos estos años me he estado perdiendo, seguro que hay bastantes cosas que no he visto (aunque espero que no tantas). En el vídeo del que os estoy hablando vemos la Estatua de Colón, el Paseo de Gracia, el Parque Güell y el Tibidabo como mayores puntos de atracción del turismo. También el Parc de la Ciutadella, que poco antes había sido recuperado para hacer la exposición universal. Barcelona tiene mil cosas más para ver, claro está, pero así nos hacemos una idea y nos ponemos en la piel de los visitantes de 1912-13. Es curioso, el documental estaba perdido y se ha localizado en el extranjero. Alguien compró la lata vieja en la que estaba depositada la película en los Encants (maravillosos e impredecibles Encants) y en la actualidad es propiedad de la Filmoteca Holandesa de Amsterdam. Será el documental que dará la bienvenida a los visitantes de una exposición que va a hacerse en el Museo Van Gogh de Amsterdam entre septiembre y enero de 2008 y que llevará el nombre de Barcelona 1900 (como la asignatura que tanto me gustó). Además, una de las responsables de esta exposición es Teresa M. Sala y en ella se podrá sentir la historia de la capital catalana con el mapa de la ciudad como guía y los lugares más destacados como zonas de encuentro. "Aparecen el Liceu y el Palau; los artistas de la Sala Parés, los espacios de la bohemia y la burguesía. El discurso termina con la Semana Trágica y la quema masiva de iglesias. Y, como no podía ser menos, aparece el cine que se convierte en la diversión moderna en aquellos años. Teresa M. Sala explica que el rodaje de La perla del Mediterráneo coincidió "con la edición de numerosas series de postales y las primeras guías que van forjando la imagen de la Barcelona turística destinada a élites o a gente que viajaba a Barcelona para actividades del comercio y la industria". Podéis ver el video aquí. Será un buen momento para volver a visitar Amsterdam. ¿Te vienes? Leda y el cisne Encontré esta "Leda y el cisne" en Internet y me encantó. Es de Ivana Barazi y me pareció que había tratado el tema de una manera preciosa, reinterpretando a los viejos maestros de la historia del arte. La historia de Leda y el cisne es la siguiente:
El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso Esta es la única exposición (de las tres que tenía planeadas) que me dio tiempo a ver la última vez que estuve en Madrid, hace un par de semanas. Mi intención era empezar por esta, seguir por la exposición "Nam June Paik y Corea: de lo fantástico a lo hiperreal" que puede visitarse en la Fundación Telefónica y acabar con "Roy Lichtenstein de principio a fin" en la Fundación Juan March. Pero mi gozo en un pozo. No es que madrugase demasiado pero sobre las 10:30 ya estaba de camino al Museo Thyssen (también es cierto que fui dando un paseo desde el Hostal y me quedé embobada en algún escaparate)... pero las exposiciones del Thyssen las parten en dos y tienes que ir a ver la segunda parte a la Fundación Caja Madrid (detrás de Sol) y volví a ir dando un paseo y atendiendo en unos señores que discutían sobre el tiempo en la puerta del Congreso, un escaparate de instrumentos musicales antiquísimos, el rótulo de Las Cuevas del Sésamo y un café en el que paramos hace ya casi 9 años (la primera vez que fui a Madrid), El Café del Príncipe, en el que nos cobraron una barbaridad por un café con leche que saboreamos como nunca porque nos pelábamos de frío -noviembre 1998 - (puf, casi 9 años ya!!!). El caso es que esta es la única exposición que pude ver... y en la que estuve tres largas horas. Me encantó, me encantó y me encantó. Os recomiendo que vayáis a verla si tenéis ocasión (y a los que vivís en Madrid, no dejéis de verla, por favor!), se podrá visitar hasta el 20 de Mayo. Es una exposición que reune el retrato en el arte de vanguardia del siglo XX, más exactamente entre 1890 y 1990 (casi nunca - o nunca - en historia del arte no se pueden hacer cortes tan tajantes), un periodo en el que se produjo un cambio radical en la concepción del arte que ya iniciaron algunos precedentes con el impresionismo y otros "pre-vanguardistas" (este concepto creo que no existe...). En el folleto puede leerse (a partir de ahora todo lo que esté entrecomillado y en negrita es del folleto): "La crisis de identidad del hombre moderno y la crisis de confianza del arte en la verdad de sus imágenes influyeron de forma especial en el desarrollo del retrato. Por otra parte, dado que la fotografía asumió el papel de captar el fiel parecido de sus modelos y, de forma simultánea, los artistas pusieron en entredicho la continuidad de las antiguas relaciones con sus patronos, podríamos pensar que el retrato era un género con los días contados. Pero, sin embargo, ha sido (y todavía continua siendo) una fuerza vital para el arte moderno. No sólo comprobamos que práticamente todos los artistas fundamentales del siglo XX experimentaron con el retrato, sino que muchos de ellos lo convirtieron en el tema primordial de su obra." La exposición está dividida en 12 secciones: La primera es "Ante el espejo": "El recorrido de esta exposición comienza en el cambio del siglo XIX al XX con los autorretratos de Van Gogh, Gauguin, Munch o Picasso, en los que el gesto narcisista de autoexploración frente al espejo se convierte en un medio esencial de experimentación. (...) En el transcurso del siglo XX los autorretratos se multiplican al tiempo que se vuelven más imprecisos y menos íntimos." En esta sección vemos obras de Max Beckmann, Picaso, Gauguin, Van Gogh, E. Munch, Lucian Freud y Egon Shiele.
Autorretrato con farolillo chino, Egon Shiele. "Gesto y expresión": "Aunque desde siempre se sabía que un gesto, una postura o un determinado movimiento o actitud poseían el potencial de comunicar un mensaje o un sentimiento individual, la necesidad de representar la psicología del retratado motivó un cambio radical en la expresión visual". De esta sección me quedo con los que aportan su granito de arena desde Viena: Oskar Kokoschka y Egon Shiele, y sobre todo con el primero.
El caballero errante, Oskar Kokoschka. "Colores modernos" es el tercer espacio de la exposición. "La utilización antinaturalista y simbólica del color como elemento expresivo del retrato, que llevó a cabo Van Gogh, influyó de manera decisiva en la transformación de este género por parte de los protagonistas de las tendencias expresionistas de los primeros años del siglo XX." Cuando leo esto me vienen a la mente directamente el movimiento fauvista y el grupo "Die Brüke".
André Derain, de Maurice de Vlaminck. El cuarto espacio, "Máscaras de lo primitivo". "(...) Durante los primeros años del siglo, el gesto iconoclasta de Picasso o Matisse, Modigliani o Derain, de sustituir premeditadamente los rasgos individuales de los rostros de los retratados por una máscara de facciones abstractas, abrió definitivamente el camino hacia la consolidación del retrato moderno". ¡Por fin pude ver un Modigliani en directo! Me sorprendieron también las obras de Paula Modersohn (de la que no había visto nada) y en este espacio también había una escultura de Picasso: "Máscara de mujer".
Retrato de una muchacha. Vaïté (Jeanne) Goupil. El quinto espacio es uno de los que más me sorprendieron. "El espejo roto": Obras de Albert Gleizes, Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Diego Rivera, Salvador Dalí, Gino Severini... "Los retratos cubistas de Pablo Picasso y Georges Braque, y posteriormente los de Juan Gris, Albert Gleizes Gino Severini, Salvador Dalí o Diego Rivera se basaban en la fragmentación y la simultaneidad de la representación de la forma. Como el reflejo sobre un espejo roto, el retratado pierde sus contornos, mientras su cuerpo, fragmentado en múltiples facesas, se entremezcla con el mundo de su alrededor." Me gustó mucho el de Juan Gris, los de Dalí, Picasso y Braque ya los había visto... y, sobre todo, me quedo con el retrato que hizo Diego Rivera de Ramón Gómez de la Serna.
Ramón Gómez de la Serna, de Diego Rivera. El sexto, "Retrato de la sociedad". "Este apartado propone un recorrido por los distintos modos de abordar el género del retrato durante el periodo de entreguerras, en que la visión tradicional de una persona única y específica fue puesta en entredicho debido a una serie de factores que condujeron a la percepción de la individualidad como una realidad social. Desde los planteamientos clásicos de los retratos de Olga realizados por Picasso y los de otros artistas como Jacques Lipchitz o Salvador Dalí, y el realismo de los artistas alemanes -Otto Dix, Christian Schad, George Grosz y Max Beckmann-, hasta los retratos de Balthus, Lucian Freud y Stanley Spencer, el denominado retorno al orden supuso la recuperación de la representación veraz del retratado." Lucien Freud, el nietísimo, es uno de los que más me sorprendieron de la exposición (en general). No conocía nada de su obra y la vedad es que tiene cosas muy interesantes. La obra que os dejo ahí abajo me tuvo delante unos 5 minutos mirando los ojos de esta muchacha que aguanta una rosa llena de espinas como si no pusiera nada.
Muchacha con rosas, de Lucien Freud. El último apartado que puede verse de esta exposición en el Museo Thyssen es el de "Sueño y pesadilla". "El surrealismo experimentó distintas fórmulas para el género del retrato con las que pretendía sacar a la luz los impulsos interiores del ser humano que la civilización había reprimido. A través de algunos ejemplos de Joan Miró, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico y Frida Kahlo nos aproximamos a unos personajes cargados de símbolos y metáforas." Es la única obra que vemos de Frida Kahlo en esta exposición: "Autorretrato con collar de espinas y colibrí".
Portrait II, de Joan Miró. Y de aquí saltamos al edificio de Caja Madrid en la Plaza de San Martín, 1. Este espacio es un poco incómodo de ver pero tiene su encanto... Además, casi siempre la parte que dejan para este espacio es un poco más floja visualmente... pero aún así, esta vez había obras maravillosas. Si seguimos la exposición de forma lineal, el primer apartado que vemos en el edificio de Caja Madrid es el nº7 de la exposición: "Identidades metafóricas". "A partir de los retratos de Dora Maar, que marcaron el punto de máxima violencia en la obra de Picasso, da comienzo un nuevo capítulo de belleza trágica y monstruosa como metáfora de la nueva conciencia moderna. Este paradigma sería esencial para una serie de artistas de la generación de la segunda mitad del siglo, marcados por un sentimiento generalizado de pesimismo y ansiedad." Geniales las obras de Dubuffet, Picasso y Antonio Saura... Francis Bacon no me entra ni con calzador. Me acoplé a un grupo que llevaba guía y puse interés en lo que explicaba sobre las obras de Bacon pero... ni con esas...
Bertelé bouquet fleuri, portrait de parade, de Jean Dubuffet. "Arcilla humana" es el 8º bloque de la exposición. En él, sobre todo obras de Lucen Freud, mi gran descubrimiento de la exposición. "Hasta finales del siglo XIX, cuando el desnudo comenzó a ser considerado un medio de identificación de la personalidad individual, el retrato desnudo fue un tema utilizado de forma muy excepcional. A comienzos del siglo XX, algunos artistas, como Egon Schiele o Richard Gerstl, reflejaron determinadas emociones a través de la exageración erótica del cuerpo desnudo. Años después, Otto Dix lo convertiría en un medio de denuncia social; Stanley Spencer, en imágenes cargadas de contenido erótico; y Lucian Freud, en el modo de desvelar la vulnerabilidad del cuerpo humano."
Reflejo con dos niños (autorretrato), de Lucien Freud. "Gestos" tiene como principal protagonista a Antonio Saura. Recuerdo perfectamente una exposición que vi sobre Antonio Saura hace unos años en el Museo Guggenheim de Bilbao y recuerdo que en su día no entendía nada pero me gustaba visualmente lo que veía. Puede entenderse a qué se refieren con "Gestos"... "la representación de la figura humana a través de la materialidad de la pintura, se ponen en relación con la convulsión gestual y expresiva de Lovis Corinth. En todos ellos, la gestualidad de la pincelada y la técnica empastada son los únicos elementos que dan entidad a la imagen del retratado, y la identidad del modelo queda escondida debajo de un tupido manto que envuelve la figura y el fondo con el mismo efecto deformador."
Autorretrato, de Antonio Saura. "Instantáneas" es la penúltima sala de la exposición. "La innovadora manera de crear retratos del pintor inglés Walter Sickert a partir de fotografías y de recortes de prensa, agrandados a través de una transposición mecánica sobre el lienzo, fue un claro precedente de la pintura de artistas posteriores, como David Hockney o Ronald B. Kitaj. Hockney, para quien la imagen fotográfica fue la fuente prioritaria de sus retratos, nunca ha pretendido indagar en los sentimientos de sus modelos, sino ofrecer una imagen basada en sus propios sentimientos. Por su parte, Kitaj investiga sobre las relaciones entre lo visual y lo poético a través de una sutil mezcolanza de imágenes fotográficas, de referencias a sus propias experiencias vitales o de alusiones a la literatura y a la cultura popular."
El griego de Esmirna, de Ronald Brooks Kitaj. La última sala, que cierra la exposición y para mi es la menos interesante es la llamada "Sombras", una sala completamente dedicada a Warhol, pero un Warhol muy monótono, con obras poco "atractivas". "A Andy Warhol siempre le inquietaron las sombras, su valor plástico y metafórico, su inconsistencia y misterio, así como su ambigüedad. A partir de imágenes extraídas de los media, fabricó iconos transformando sus retratos en espectros." Creo que en el sentido general de la exposición está muy logrado terminar con Warhol y sus espectros... pero con uno o dos hubiese sido un final redondo (aportando obras de otros artistas) porque la sala era bastante aburrida (si añadimos que es uno de los "sótanos" de le edificio, pues más. La sombra, Andy Warhol. Y resumiendo, que me he enrollado más que una persiana... Que me encantó la exposición y volvería a verla si viniese a Barcelona. Muy lograda y muy, muy interesante. Una pintura y una canción... ¿alguna vez os habéis preguntado cómo sería reducir toda una canción a una pintura? Parece ser que hay un autor que lo ha hecho, Manuel Casellas Soria, y así es cómo ve él, por ejemplo: Donde manda marinero, de Andrés Calamaro  Nostalgias, de Enrique Cadícamo  No son horas, de Andrés Calamaro  Pesadilla en el parque de atracciones, de Los Planetas  Murcia y Francisco SalzilloUna de las asignaturas que más me gustaron de la carrera fue "Escultura española del renacimiento al realismo", con Silvia Canalda. No llegamos al realismo ni de broma pero lo que aprendimos con ella voy a tardar en olvidarlo (al menos, a grandes rasgos) porque esta profesora explicaba todo con pasión y con todo lujo de detalles. Uno de mis grandes interrogantes al empezar la carrera era el mundo de los pasos de Semana Santa. Pues bien, en las clases de esta asignatura nos explicaron qué eran las cofradías, qué tipos habían, las imagenes que se utilizaban para las procesiones... e incluso hicimos una reconstrucción hipotética de la Pasión de Cristo (con imágenes procesionales). Me interesó mucho todo esto y siempre me han alucinado las procesiones de Semana Santa porque, pese a no ser creyente, me interesa saber qué mueve (y ha movido durante todos estos años) a toda esa gente a salir a la calle durante esos días. En esta reconstrucción que os comento de La Pasión la mayoría de ejemplos que utilizamos en clase fueron de Francisco Salzillo y desde entonces tengo una visita pendiente al Museo Salzillo de Murcia. ¿Y por qué me ha venido precisamente hoy todo esto a la cabeza? Pues porque en uno de los e-mails que me llegan con las noticias musicales del día he leído que se están realizando diferentes actos en Murcia para para conmemorar el tercer centenario del nacimiento de Franciso Salzillo (1707-1783). El prendimiento nos fascinó porque las figuras de Cristo y Judas habían sido talladas a partir del mismo tronco de arbol, por el juego de miradas: Judas tiene la mirada perdida porque es consciente de la traición...
Los azotes: se acentúa la diferencia entre buenos y malos a través de las carnaciones; el cuerpo desnudo de Cristo es mucho más blanco. La caída: en este paso la túnica de Cristo es de vestir y se cambia en función de los donativos que reciben (me parece tan alucinante); además, el Cristo en este paso lleva peluca de cabellos naturales y los ojos son de cristal de roca.
Y para terminar con este momento de éxtasis artístico el paso que nos dejó perplejos a todos: La Santa Cena. Se necesitan 28 costaleros y pesa 1168 Kg, ahí es nada! Cuando está en el museo no tiene nada encima de la mesa pero, como véis en la foto, cuando sale en procesión en la mesa abundan todo tipo de detalles de esa santa cena. El padre de Franciso Salzillo, Nicolás Salzillo, hizo previamente un grupo escultórico del mismo tema para la misma cofradía (la de Nuestro Padre Jesús Nazareno) pero fue cambiada por la de Francisco. La disposición de las esculturas hace que el rostro de los apóstoles se vea desde los dos lados, son figuras muy dinámicas y se representa a los apóstoles de forma muy natural, dialogando. Para la representación se inspira en sus contemporáneos y siempre utiliza a los mismos modelos para los mismos personajes.
¡Tendré que bajar a Murcia algún día de estos para quitarme la espinita! Au revoir Monsieur Braudrillard No tenía ni idea de qué cara hacía, en clase nos habían hablado mucho de él y sus libros estaban entre la Bibliografía recomendada en el apartado de posmodernidad y sociología del arte (y tuve que leer algunos artículos y capítulos de sus libros). Ayer se fue una de las personas que más ha pensado por y para nosotros, contra esta sociedad de consumo que nos envuelve a todos y no nos deja ver la luz. "El sociólogo y filósofo francés Jean Baudrillard, uno de los pensadores posmodernos más influyentes, falleció ayer en París a los 77 años. Autor de una cincuentena de libros, Baudrillard alcanzó gran notoriedad por su virulenta crítica de los mecanismos de la sociedad de consumo, de la que ya dejó constancia en su primer libro de sociología, El sistema de los objetos, publicado en 1968, al que siguió en 1970 La sociedad de consumo. "Etre vivant, c’est garder la possibilité de mourir. Ce qui n’est pas vrai en sens inverse. C’est pourquoi il vaut mieux être vivant que mort ” Jean Braudillard También ayer dimos el adiós a José Luis Coll: "Coll, tocado siempre con un bombín, y Tip, con sus gruesas gafas negras de pasta y una chistera, hicieron famosa la frase "y la próxima semana hablaremos del Gobierno", con la que terminaban todas sus actuaciones. Con la desaparición de Coll se cierra un ciclo en el humor español, ya que su pareja artística murió a los 72 años el 8 de febrero de 1999 a causa de un infarto cerebral que había sufrido ocho meses antes. El humor del absurdo constituyó una referencia en los años 70 y abrió caminos de libertad en los últimos años del franquismo. Según cuenta la enciclopedia libre Wikipedia, Coll trabajó tras estudiar el Bachillerato en Cuenca en una oficina de Abastos mientras colaboraba en el periódico local Ofensiva." El País... Ya no volverá por el Tony 2 (no se si se escribe así pero algunos ya me entendéis)... Nova York 1626 - 1990. Un relat gràfic de Carles Fontserè El viernes al salir de clase fui a ver la exposición de la Obra Social Caja Madrid sobre el relato gráfico de Carles Fontserè... una exposición que se inauguró cuanto todavía contábamos con Carles Fontserè entre nosotros (falleció el pasado mes de enero). Llevaba semanas pasando por delante de la Obra Social Caja Madrid y siempre decía "ah, todavía tengo tiempo"... No sé por qué pero el viernes me dio por entrar... y menos mal porque el domingo terminaba. Era "una exposición compuesta por grabados antiguos, fotografías arcaicas y contemporáneas que recogen la memoria d ela ciudad de Nueva York desde 1626 hasta 1990. Nos explica la personalidad de la ciudad de los rascacielos, desde la experiencia y también desde la nostalgia, del tiempo en que Carles Fontserè (Barcelona 1916 -2007) vivió su exilio americano. En este período, entre 1950 y 1973, este artista integral multiplica sus actividades: dibuja cómics, ilustra libros, portadas, hace publicidad, diseña decorados y vestidos, trabaja con Salvador Dalí y con Mario Moreno "Cantinflas" en varias escenografías, y también practica la fotografía como documento social, cubriendo la geografía humana de la ciudad. (...) Es evidente que, a la hora de preparar esta muestra, Carles Fontserè tenía en mente las experiencias visuales vividas con motivo de las grandes exposiciones de fotografía que marcaron la escena neoyorquina de los años 1950 y 1960, como "The Family of Man" en 1955 o "The better Years" en 1962, las dos en el MOMA." La exposición ya se había presentado en 1984 en el Palacio de Pedralbes y sólo se ha hecho una pequeña aportación de nueva producción en la parte final, puesto que en el original las Torres Gemelas se veían en construcción, y Carles Fontserè quiso que, a pesar de que ya no existiesen, presidan el "skyline" de la ciudad. Este fue uno de los puntos que me sorprendieron más porque en uno de los paneles de la exposición se podía leer como si fuese presente que las torres gemelas eran el centro de negocios más importante del mundo, etc... y yo no podía creer lo que estaba leyendo "en presente". Si ibas un poco "más allá" (físicamente, me refiero), se podía leer una última nota de Carles Fontserè en la que explicaba esto que acabamos de comentar, que aunque no estuviesen, él quería conservarlas en el recuerdo y para todos.
La exposición en sí me gustó a nivel de imagen: enormes paneles con reproducciones de fotografías y grabados... No era una gran exposición de orignales pero tenía un sentido de principio y fin. Aquí tenéis el dossier de la exposición. :-( Pues mientras en Granada y León hacen lo posible por conservar su patrimonio artístico-cultural-histórico, en Barcelona nos cargamos maravillas como el Drac de Gaudí en el Parc Güell...  La catedral de León, los Leones de la Alhambra, el Patrimonio artístico y las 7 maravillas del Mundo "Pensé que la catedral se caía a pedazos, que no iba a parar de derrumbarse, que nos la habíamos cargado entre todos" ... y algo de cierto hay en estas palabras de Mario González, sacerdote de la Catedral de León. El pasado domingo, 21 de enero, leía en El País que la Catedral de León se resquebrajaba, en menos de una semana se han caido (literalmente) dos gárgolas - y aún suerte que nadie ha sufrido daños-. Siempre he escuchado entre mis profesores de la facultad que, de todas las catedrales góticas de España, ésta es la mejor, la más perfecta, la más bonita, la que tiene las mejores vidrieras y la mejor luz. Que si no has visto la luz de que entra por esas vidrieras, no has visto la mejor luz medieval de la península... y yo me quedaba embobada escuchándoles hablar y pensando que algún día podría ver esa luz y esos colores de los cristales... Todavía no he tenido ocasión, pero si esto sigue así, lo voy a tener cada vez más difícil. El sacerdote del que hablaba más arriba, dice que el motivo de la caida de las dos gárgolas seguramente sea el cambio de temperaturas, y no digo yo que la piedra (demasiado débil, según el artículo de El País) esté sufriendo ese cambio... pero ¿para que en menos de una semana se caigan a pedacitos? Tendremos que abrir más los ojos, y más los que se decidan a vistar la catedral en los próximos meses... mientras que las ayudas prometidas llegan... Por otra parte, he visto en las noticias que hoy es el último día en los próximos dos años, que podemos acercarnos al Patio de los Leones de la Alhambra para ver los famosos leones... se los llevan para restaurarlos por el gran deterioro que están sufriendo... y mientras votamos para que la Alhambra esté entre las 7 maravillas del mundo... ¿no? Jacopo Robusti, IL TINTORETTO El miércoles pasado llegué a Madrid en el tren de las 12 y, pese al casancio del madrugón, no dudé un segundo en seguir la Avenida del Prado (también porque me llamó la atención la Feria del Libro y que me cruzara, nada más salir de la estación de Atocha, con José Sacristán) hasta el Museo del Prado. No había mucha cola y entré en seguida. Me preguntan si tengo carné de estudiante, les digo que sí pero tengo que añadir la coletilla: "pero tengo más de 25 años"... y aunque me alaga la señora taquillera me viese con cara de estudiante menor de 25, me toca pagar los 6 € de la entrada (por cierto, a ver cuando ponen unos precios más asequibles para las exposiciones temporales porque la entrada del Museo del Prado es general para todo el Museo pero hay muchos que lo tenemos muy visto y sólo vamos a ver las temporales, joo). La exposición es toda azul. De entrada, me gusta. Afirman que es la mayor exposición que se ha hecho del pintor desde la que se hizo en el Palazzo Pesaro de Venecia en 1937. Esa me la perdí, pero esta pude verla entre una gran multitud que se hacía paso en el gran pasillo central del Museo (1ª planta) y que conseguía sacarme una sonrisa (y, a la vez, el sentimiento de pesadez) al ver a tanta gente congregada ante las obras del artista italiano. Si hablamos de escula veneciana en el Renacimiento Italiano nos vienen dos artistas a la cabeza: Tiziano y Tintoretto. En la facultad hablan mucho más del primero y se rumorea la enemistad y envidia que les alejaba en la epoca al ser los dos grandes maestros de la pintura veneciana del momento. El triptico de la exposición afirma: "Por el poder de su imaginación, el virtuosismo de sus pinceles, la fuerza de su personalidad y la magnitud de su producción, Tintoretto dominó la pintura veneciana de la segunda mitad del siglo XVI. Por ejemplo: Venus, Vulcano y Marte (pese a que dominaba la temática religiosa, a mi los cuadros mitológicos me llamaron más la atención en esta exposición). Nacimiento de la Via Láctea (olvidaros de los colores, las imágenes que encuentro en internet son horribles). Y también me encantaron: Susana y los viejos Y estoy a la espera de que mi buen amigo Víctor Alfaro me hable de su cuadro preferido del Museo del Prado, que dice ser de Tintoretto. Repasando algunas obras se me ocurre que pueda ser esta (por el perro y porque está en el Museo): Proyecto Médici El año pasado, con el estreno de una de las películas españolas de mejor presupuesto en 2006 y en toda la historia del cine español, se habló mucho de una de las familias más importantes en la Italia del Renacimiento: Los Borgia. Aún así, hubo otras familias de igual o mayor renombre en esa época, como la FAMILIA MEDICI. Estos días los periódicos hablan de ellos porque, al parecer, sus herederos, Francesco I y Blanca Cappello, fueron envenenados. La historia (casi convertida en leyenda) habla de que una tarde de octubre de 1587, después de un día de caza, Francesco I caía enfermo con fuertes dolores abdominales. Poco después, su mujer, Blanca, padecía los mismos síntomas. La muerte de ambos, tras once días de agonía, se conviertió en un misterio histórico. Ahora, al saberse esta noticia, se dice que el posible culpable de las muertes sea Fernando I puesto que, con la muerte de su hermano, la herencia recaía en él. Veremos con qué concluye el estudio... *** La ilustración que he elegido para esta noticia (no tiene mucho que ver, pero me apetecía) es la pintura que realizó Velázquez de una de las entradas de la Villa Médici. Seguramente esta obra la realizó durante su segundo viaje a Roma (entre 1649 y 1650). Los artistas europeos durante la Edad Moderna consideraban imprescindible el viaje a Italia para culminar su formación; se hacían concursos de pintura cuyo premio era dicho viaje y se consideraba un punto a favor del artista que podía realizarlo. Muchos artistas españoles quisieron hacer el viaje a Italia por la influencia de Rubens en la Corte de Madrid y unos pocos, como Velázquez, lo consiguieron. El mismo Rubens fue el que aconsejó al rey que Velázquez hiciese el viaje a Roma (y otras ciudades como Florencia, Milán, Nápoles...) para conocer de primera mano las obras maestras del renacimiento italiano y viajó en calidad de pintor real. Ilustración: Villa Médici, de Velázquez. Viernes, 12 de Enero de 2007 10:16 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Del claustro al infierno... Hoy destaca en titulares "La Vanguardia" que, desde ayer, puede visitarse el Mercat de Santa Caterina (Barcelona) en su versión museística. Hace unos años que empezaron las obras de remodelación del mercado y esas obras dieron con todo un tesoro arqueológico que aguardaba, bajo el mercado, restos de una necrópolis cristiana, restos de cerámica de época altoimperial romana y los cimientos del claustro y el convento medieval de Santa Caterina. Todo lo encontrado durante las excavaciones ha sido llevado al Museu d’Història y, cosa también muy importante, se ha conservado el perímetro exterior del mercado que está fechado en 1845. Jueves, 11 de Enero de 2007 10:29 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Se nos fue... Uno de los grandes historiadores del arte catalán... Marcel Durliat Llevo unos días bastante desconectada del ordenador y cuando intento ponerme al día leyendo titulares de días atrás me encuentro con la noticia del fallecimiento de Marcel Durliat. He leído tantas cosas escritas por él, lo han nombrado tantísimas veces en clase, que era una persona muy presente en mi vida de alguna manera. No estoy triste pero siento una oleada de nostalgia. La notícia la he leído en el Diari Avuí (de Catalunya) de la mano de Xavier Barral i Altet y podéis leerla aquí en catalán. Os traduzco un poco por si os interesa: Marcel Durliat ha sido un referente para los estudios de historia del arte medieval de Cataluña y uno de los principales introductores del arte catalán en la bibliografía internacional. Doctor en 1962 con una tesis sobre el arte en el Reino de Mallorca, ejerció la cátedra de historia del arte universal en la Universidad de "Tolosa de Llenguadoc". Durliat es conocido en Cataluña por estudios sobre el arte rosellonés, especialmente por la ordenación (¿se dice así?, traducción literal) que hizo del patrimonio del Rosselló. Un libro suyo sobre pintura, publicado en 1954, inició una serie de volúmenes sobre la escultura románica del Rosselló. De estos libros surgió su volumen sobre el arte románico en el Rosselló del 1958, traducido al catalán después, del que se hicieron varias ediciones. Lunes, 08 de Enero de 2007 17:50 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Se nos fue... El cartelista de la República, Carles Fontseré Esta mañana leía en El Periódico de Catalunya que Carles Fontseré (1916-2007) había fallecido. Carles Fontseré dedicó su vida al dibujo de cómics, la escenografía, la fotografía y la dirección artística. Destaca su trabajo en los carteles anarquistas para la CNT, la FAI y el POUM durante la Segunda República y la Guerra Civil Española. Se exilió en 1939 a Francia, como muchos otros españoles, y también vivió en México y en Nueva York, donde conoció a su compañera, Terry Broch (¿es la misma de Soldados de Salamina?), y colaboró con Salvador Dalí y Cantinflas. Vuelve a España en 1973 y se instala en Girona y allí vivió hasta el día de hoy. ¿Quién no ha visto en alguna ocasión uno de sus carteles? Para los que aún no los hayáis visto nunca y para los que vivimos en Barcelona (¡estamos de suerte!): Miradas de Carles Fontserè a la Ciudad de los Rascacielos una exposición que puede verse estos días en la Obra Social Caja Madrid de Plaça Catalunya. Sargent / Sorolla Dos grandes, mayúsculos, de la historia del arte a caballo entre el siglo XIX y XX se están dando cita en el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid (en Madrid, también). Date prisa, esto se acaba el 7 de diciembre, ¿vendrán a Barcelona? Yo volvería a visitarles. Sargent (1856-1925): nace en Florencia, hijo de un médico estadaounidense que se traslada a Italia. Inicia su formación en la Academia de Florencia y la continuará, después, en París, en la academia de Carolus Durán, donde conocerá a algunos de los artistas más importantes del momento en el París bohemio como, por ejemplo, Manet. Estudió a artistas españoles teniendo como referencia a Velázquez y viajó a España, dónde se fascinó con el baile flamenco, la Alhambra, el arte y la música del país. Sorolla (1863-1923): valenciano, supo captar la luz del mediterraneo de forma única. Su admiración por la pintura le hizo visitar el Museo del Prado en 1881, hecho que cambiará completamente el rumbo de su vida. Allí conoce las obras de Velázquez, Ribera y El Greco, las estudia con detenimiento y poco después empieza a cosechar sus propios éxitos. Nadie ha sabido plasmar como él la luz valenciana y las escenas de género de su pueblo (con una pincelada larga y de colores puros) y eso se puede ver en la exposición. Algo parecido a lo que hacían a finales del siglo XIX los Luministas de Sitges. La exposición presenta en paralelo las respectivas carreras artísticas de Sargent y Sorolla, pintores de lenguaje muy afín, que se conocían personalmente y sentían atracción mutua por sus respectivas obras, pese a ser dos artistas muy diferentes por su nacimiento, educación y personalidad. Os dejo los grupos de pinturas que pueden verse y pequeñas muestras de las que más me gustaron: Pintar en un mundo moderno. Retratos informales de Sargent.  Sargent - "Robert L.Stevenson y su mujer" - 1885 Pintar en un mundo moderno. El tema social en Sorolla.  Sorolla - ¡Aún dicen que el pescado es caro! - 1884. Sargent: Primeras obras españolas y venecianas.  Sargent - Gitana - 1876 Sorolla: trabajo y ocio en el mar.  Sorolla - Paseo a orillas del mar - 1909 Sargent: los años de los retratos.  Sargent - Lady Agnew of Lochnaw - 1892 Sorolla: retratos individuales.  Sorolla - Autorretrato - 1904 Sargent y Sorolla: retratos de grupo.  Sargent - Essie, Ruby y Ferdinand, hijos de Asher Wertheimer - 1902 Sargent: los murales para la Boston Public Library. Sorolla: proyectos para la Hispanic Society. Sargent y Sorolla: Pintura de figuras tardía.  Sorolla - La siesta - 1911 Las acuarlas de Sargent. Los estudios de jardines de Sorolla.  Sorolla - Jardín de la Casa Sorolla - 1918 Yo os animo a verla... Corresponsales en la Guerra de España (1936 - 1939) Era 12 de diciembre, habíamos pasado todo el puente en Madrid y nos quedábamos hasta ese martes 12 para ver el concierto de Paco Cifuentes. Decidí dar un paseo desde la calle San Bernardo, dónde estaba la pensión, hasta el Museo del Prado. Recorrí casi toda la Gran Vía, entré en una tienda H&M a comprarme unos guantes porque no podía más con el frío y los míos habían desaparecido (aproveché para probarme un vestido y un par de jerseys también, es cierto) y justo cuando ya disponía a seguir mi camino directa al museo, en el momento en que la Gran Vía se convierte en la Calle Alcalá y ya ves la Cibeles y más allá la Puerta de Alcalá... justo en esa esquina estaba la nueva sede del Instituto Cervantes y un cartel grande que anunciaba la exposición "Corresponsales de la Guerra de España (1936-1939)" (coordinada entre el Instituto Cervantes y la Fundación Pablo Iglesias). JOHN DOS PASSOS (1896-1970): Publicó en la revista Esquire su visión de la Guerra de España. Llegó para realizar un documental, buscó infructuosamente a su amigo José Robles, discutió con Hemingway, paseó por el Madrid sitiado y se marchó pronto, asqueado por un conflicto al que no encontraba sentido. Uno de sus artículos fue "Habitación con baño en el Hotel Florida": "...Otra vez está allí el chillido estrepitoso y acelerado, el estruendo crujiente, el golpeteo de las tejas, el estallido de los cristales y los golpes de los fragmentos de granito. Debe de haber caído cerca porque el hotel tembló". El Palacio Real de Madrid y la Catedral de la Almudena El Palacio Real de Madrid es uno de los rincones de la ciudad que siempre había pensado visitar y nunca lo hice hasta el pasado lunes, 11 de diciembre. Había paseado por los alrededores en muchas ocasiones, en mis primeros viajes a Madrid, con Moni y Natalia en pleno Agosto de 2002 (mientras Evita decidía ir a hacer la siesta a la pensión), con Ru y Javi, yo sola... Muchos paseos pero nunca una visita al interior... Pues bien, pese a la apariencia fría del conjunto, con edificios de roca fría y gris, ahí estaba comprando mi entrada en una mañana fría de casi-invierno.  El Salón de las Columnas: este salón se utilizaba para fiestas y banquetes reales, hasta el año 1879 en el que se inauguró el actual comedor de gala. En este salón, el 12 de junio de 1985, se firmó el Tratado de Adhesión a las Comunidades Europeas. El 30 de octubre de 1991 se inauguró la Conferencia de Paz sobre Oriente Próximo. El Salón del Trono: llamado salón de Embajadores o de Reinos en el siglo XVIII, conserva el carácter de la época de Carlos III, en que se decoró. Cámara de Carlos III o Salón de Gasparini: en tiempos de Carlos III este salón era la pieza principal de su cuarto, dónde se celebrava la ceremonia de vestirse. En el centro una de las lámparas más impresionantes del palacio. Los lugares que más me sorprendieron fueron, sin embargo, los rincones culturales del palacio. El salón de cine en el que se reunía la familia real durante el reinado de Alfonso XIII para ver películas los domingos por la tarde. La Sala de los Stradivarius repleta de instrumentos de cuerda, el Salón de Billar y, por último, la sala más pequeña y más impactante del Palacio: la Sala de Fumar (o Japonesa), decorada al más estilo oriental (Foto cabecera) con paneles azules, amarillos, negros... repletos de historias y con miles de detalles a destacar. Paredes revestidas con molduras de bambú que emmarcan placas de porcelana y paneles de tafetán de seda azul bordada con motivos chinescos... La sala se restauró por completo porque quedó muy deteriorada durante los bombardeos de la Guerra Civil española. En las paredes, en el techo, en forma de escultura y pintura de todos los formatos... todo el palacio está repleto de obras de arte que vienen de la mano de nombres como G.B. Tiepolo, A. Rafael Mengs, Francisco Bayeu, o Goya. Los Jardines de Sabatini, maravillosos. Si tenéis ocasión no dejéis de visitarlo. Me encantan los sitios en los que se respira historia y me gustan (me atrapan) como historia de lo que pasó; no me gusta ver que en determinados aspectos la sociedad española sigue igual que en el siglo XVI o XVIII, pensando que le debemos algo a la familia real. Un mini espacio para pedir la 3ª República ya! El Museo del PradoHe estado en Madrid, prácticamente, una semana. Es una ciudad maravillosa, como ya os comenté recientemente, pero intentaré no volver en un puente como el de la semana pasada nunca mais. Hemos hecho colas para casi todo; Ru y yo tenemos una nueva y propia teoría que dice que en Madrid los turistas se ponen en cualquier cola que vean, aun sin saber para qué es esa cola... es como una cuestión de solidaridad. En los cines, en las exposiciones, en Doña Manolita, en el FNAC y la Casa del Libro, para pisar el Kilómetro 0,, para pedir una caña en un bar... para todo tenías que hacer una cola media de 30 personas... Es por eso que tuve que recorrerme el martes, un día laborable como otro cualquiera, todas las exposiciones que quería ir a ver, todo un record y un deastre para mis pies.
LO VERDADERO FINGIDO
DIBUJOS ESPAÑOLES DE LA HISPANIC SOCIETY OF AMERICA. DEL SIGLO DE ORO A GOYA. Aquí encontré pequeñas joyitas que me emocionaron, algunos dibujos de Goya y otros autores menos conocidos que me tuvieron un rato parada delante buscando detalles, posturas, comentarios, firmas... Aún así, otro "coñazo" de exposición. Con perdón. Me encantó, me gustaron algunos dibujos muchísimo, me gustó la exposición, cómo habían preparado los dibujos y la (poca) información que había de ellos... pero era otra exposición de esas que seguramente en unos años me costará recordar.
EXPOSICIÓN PERMANENTE Al acabar de ver las dos exposiciones y viendo que el ticket de la entrada me servía para ver el resto del museo, no pude evitar salir corriendo para, una vez más, visitar algunas de las maravillas que allí podemos encontrar. Subí las escaleras, me encaminé por el pasillo central y, una vez más, en una de las salas que se abren a la izquierda... la sala en la que podemos ver algunas de las obras más importantes de Velázquez: Los borrachos, el Retrato de la Infanta Margarita, Felipe IV, El Conde Duque de Olivares a caballo, Las Meninas... En otra sala Las hilanderas, Las lanzas, y Rembrant, y Goya, y las Majas y las Pinturas negras, y el Retrato de la Familia de Carlos IV y el 2 y el 3 de mayo... y Bayeu... Había poquita gente, todo era perfecto. Y volveré en enero a Madrid, y volveré al Prado a ver a Tintoretto y a ver la colección permanente... porque si. Viernes, 15 de Diciembre de 2006 10:06 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. Hashem el Madani Retratos de Estudio y paseos fotográficos "El proyecto Madani ha consistido en tomar el archivo del Estudio Sherezade como material de investigación para entender la compleja relación que vincula a un fotógrafo de estudio con su espacio de trabajo, sus instrumentos, su material, la economía y la estética, así como para analizar los vínculos que establece con los clientes, con la ciudad y con la sociedad en general. Jean-Honoré Fragonard Hoy he tenido un domingo completito, de esos que tanto me gustan y tanto me cansan... Uffff... estoy para meter los pies en agua caliente y ponerme la mantita por encima mientras como un recuadradito de chocolate, es decir, de noche de domingo de otoño total.
Domingo, 26 de Noviembre de 2006 20:51 Autor: acrobatas. #. Tema: ArteHistoria No hay comentarios. Comentar. La policía encuentra 'El grito' y 'Madonna' de Munch dos años después de su robo La policía noruega ha encontrado los dos cuadros de Edvard Munch robados hace dos años en el Museo de Munch de Oslo por dos personas. Las obras eran de las más famosas del artista noruego, El grito y Madonna. Según informó el periódico Dagbladet el pasado 21 de agosto, un ladrón de bancos noruegos ofreció la devolución de ambos cuadros a cambio de una reducción de su condena. "Estamos cien por cien seguros de que se trata de los originales", ha dicho el jefe de policía Iver Stensrud en rueda de prensa. "El daño es menor del esperado". La Casa de los Tiros en Granada Uno de los rincones más inolvidables que visité en Granada: la Casa de los Tiros. Es un lugar precioso, una casa-museo llena de cosas interesantísimas... Era uno de mis últimos días en Granada, Eva y yo estábamos muy cansadas de caminar y caminar bajo un sol de justicia... pero yo tenía curiosidad por ver aquél lugar con nombre tan caracterísitico. Busqué información sobre el lugar y decubrí que en realidad es el Palacio de la familia Gil Vázquez-Rengifo, conocido popularmente como la Casa de los Tiros por los mosquetones -que pegan tiros- que aparecen en las almenas existentes en la última planta. Es un palacio del Siglo XVI con grandes rincones inolvidables, con detalles de esos que nunca olvidas... por eso se convirtió en museo en 1929. Os recomiendo que no dejéis de visitarla si tenéis ocasión... Imágenes del mundo flotante UKIYO-E Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, Seurat ............................ Las sillas de Van Gogh ... (....) Gauguin, casi obligado por Théo, decide ir en octubre de 1888 a Arlés. En un primer momento Van Gogh trata a Gauguin como una especie de padre, alabando todo lo que hace, imitando sus pinturas... porque la idea de Van Gogh de crear una casa de artistas en Arlés podía con todo lo demás y no quería que Gauguin se marchase de ninguna manera. A Gauguin le molesta tanta admiración y que siempre esté detrás suyo... se cansa pronto de su estancia en Arlés y quiere marcharse. Es en ese justo momento cuando Van Gogh pinta estas dos sillas: La silla de Van Gogh en Arlés (1888) y La silla de Gauguin en Arlés (1888); las pinta como símbolo de sus diferencias. Son dos sillas vacías... esto quiere decir que no están, que ya no hablan, que no se sientan en sus sillas a hablar como al principio, que no hay comunicación... La silla de Van Gogh es la más sencilla y sobre ella vemos la pipa, el tabaco... elementos sencillos de su vida cotidiana, elementos humildes del personaje. La silla de Gauguin es una silla de brazos con una línea más redondeada y sobre ella vemos libros, símbolo de la cultura, como si fuese un personaje más intelectual, más literario... y también vemos la vela, símbolo de la sabiduría mental. Francesc Gimeno vr Toulouse-Lautrec Ayer estuvimos (Sil, guapa, y yo) en dos de las exposiciones que actualmente pueden visitarse en mi museo preferido por excelencia, el MNAC (preferido por mis mejores años -a nivel profesional- allí vividos como becaria en el Departamento de Documentación). La verdad es que ibamos a ver una de ellas, pero la otra entraba en el precio y allá que fuimos... FRANCESC GIMENO, un artista maldito. Ésta es la que no esperábamos ver... y, la verdad, todavía me estoy preguntado qué tiene de maldito... Torso Belvedere Os presento el "Torso Belvedere", una escultura de la antigüedad que se descubre en 1435. Su difusión es nula durante el Quattrocento pero, en cambio, es una de las fuentes absolutas de Miguel Ángel en el siglo XVI. Lo que se encontró es un fragmento, una escultura que no muestra ni cabeza ni manos y que es todo un ejemplo de extraordinaria expresividad, de dinamismo, de fuerza, de tensión, de movimiento... Ahora os propongo un juego, mirad los cuerpos desnudos que pinta Miguel Angel en la Capilla Sixtina, ¿no os recuerdan algo? Son totalmente concordantes, no podríamos entender la Capilla Sixtina sin la aparición de este torso...
Me encanta repasar apuntes y volver a enamorarme de la carrera que he estudiado... Me maravillo ante estas pequeñas cosas y me hacen sentir más viva... El Palacio del Rey Planeta El sábado por la mañana, con la resaca de dos noches de emoción a flor de piel, me levanté temprano para poder visitar la exposición temporal del Museo del Prado, nada mejor para un fin de semana redondo. La verdad es que tenía ganas de ver esa exposición desde hacía bastante tiempo y no quería irme de Madrid (partíamos a mediodía de regreso en un largo camino en coche) sin verla. No me defraudó nada, es más, me encantó: Velazquez, Vicente Carducho, Nicolas Poussin, J. Bautista Maíno, Eugenio Cajés... ¡Una maravilla! El esplendor de la Ruina Ayer acababa otra exposición que tenía ganas de ver y, aunque despés de la cola que hice para ver Caravaggio lo que más me apetecía era ir a casa, allá que me fui... rumbo a la Casa Milà - La Pedrera (Fundació Caixa Catalunya)... Mientras subía Paseo de Gracia tuve otro amago de huir por la cola que había para acceder a dicha casa... pero suspiré de alivio al ver que la cola era de turistas que esperaban a ver el piso que se puede visitar de La pedrera y no para acceder a la exposición... ¿Destacar? GIOVANNI BATTISTA PIRANESI... y aunque el tema de la exposición no llamó a las famosas Carceri a Barcelona, lo que sí que había era varios grabados sobre la ciudad de Roma (a propósito, claro) que me dejaron con la boca abierta... El de la cabecera del artículo es un ejemplo pero éste no estaba en la exposición...
Y también el Documental que despedía a los visitantes: Soñando nuestra ruina de Andrés Hispano y Luis Cerveró, un documental con el que no te quedabas indiferente al ver que las ruinas que nos dejó el pasado como muestra de su gloria nada tienen que ver con las ruinas que en el presente dejamos al futuro, la destrucción de las guerras... Muy recomendable... lástima que terminase ayer... Caravaggio y la pintura realista europeaÉsta exposición es de 10. La verdad es que tengo un cariño especial al MNAC (Museu Nacional d'Art de Catalunya), a todo lo que se hace en ese museo y raras veces no me ha gustado una exposición... pero es que ésta, en serio, es de 10. Poco Caravaggio y mucha pintura realista europea pero las pocas obras de Caravaggio son las típicas que se ven en cualquier catálogo sobre el pintor y la verdad es que poder verlas en directo es una de esas sensaciones que tardaré en olvidar...
Apolo y Marsias de Josep de Ribera "Lo Spagnoletto"
David y Goliat: La dance ♥ La dance, fotografía de Pere Casas Abarca (MNAC) ¿No os parece preciosa?... Merce Cunningham El otro día pude saborear un vídeo de 1989 en el que se hacía un "especial" sobre la vida de éste magnífico bailarín, Merce Cunningham (1919-1992). Recuerdo que estudié algo sobre él en la carrera, en la asignatura de "Videocreación" que Anna Casanovas daba por aquél entonces en la Universidad y habló de él al hablarnos del Black Mountain College, el Grupo GOTAI o Fluxus... enlazando con nombres como John Cage o Nam June Paik. En el vídeo se veía cómo se empezaron a aplicar las técnicas digitales a las coreografías y mediante sensores que ponía a los bailarines... se iban reflejando sus movimientos en la pantalla del ordenador mediante unas lineas impresionablemente bellas. He buscado y he encontrado algunas fotos de Merce Cunningham... me he quedado con ésta que os dejo aquí y os animo a que si alguna vez os véis en la oportunidad de ver alguno de sus espectáculos por la tele o incluso si su compañía viene a España (porque aunque él murió, su compañía sigue funcionando), no faltéis.
Volaverunt GoyaCabeza de Medusa CaravaggioBathtub collage number 3 Tom Wesselmann (1962)Carlos V y el Furor León Leoni // Pompeo LeoniCoyote, I like America and America likes Me Joseph Beuys |
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). La exposición me defraudó, pero no por la exposición en sí, si no porque 24 obras no dan para mucho, un par de estancias grises y sosas en las que hay colgados cada dos metros dos otras de cada artista con un pequeño fragmento informativo. Si a esto le añadimos que en El Prado se paga lo mismo si entras a ver una exposición temporal que si vas a ver el museo entero... pues la verdad es que me parece un poco excesiva el precio de la entrada... pero, insisto, no por lo expuesto sino por la brevedad y el cómo se ha expuesto. 
