acróbatas

Tierra labrada, Joan Miró. 1923-24

"La presente exposición ofrece un recorrido por la trayectoria creativa de Joan Miró desde 1918, fecha de su primera exposición individual, hasta sus últimas obras. Su hilo conductor es la noción de “tierra”, un término que debe entenderse en el sentido más amplio posible. “Tierra”, para Miró, quiere decir su tierra, Cataluña; pero es también una clave que le permite acceder a ciertos valores y cualidades propios de las culturas rurales, como la fertilidad, la sexualidad, la fábula o la desmesura. Tiene que ver, por otra parte, con la búsqueda de lo ancestral y lo primitivo. En términos de lenguaje pictórico, lo terrestre se manifiesta como una desconfianza por la forma y una propensión a experimentar con la materia. Estos rasgos estilísticos, que la exposición trata de destacar, permiten ver a Miró como el gran precursor del informalismo y el expresionismo abstracto, tendencias que dominarán las décadas centrales del siglo XX y que protagonizarán artistas de la generación siguiente a la suya con los que Miró establecerá un diálogo fecundo."

El Thyssen está lleno de colores y tierra desde el pasado 17 de junio (y hasta el 14 de septiembre), está lleno de Joan Miró. Y para allá que fui a llenarme, el viernes pasado, de colores, de tierra y de Joan.

No me gustan las cafeterías starbucks, pero empieza a ser una costumbre que mis citas en Madrid tengan sede y residencia en la de la glorieta de Neptuno. Además, los zumos de naranja están ricos y el tengo mis rinconcitos artísticos a pasos contados.

Antes de entrar, avisé a mi acompañante: "Soy una completa ignorante de la obra de Joan Miró, no sé prácticamente nada". Claro, obtuve por respuesta una mirada atónita y un "¿Cómo puede ser?". Pues sí, yo (y los que estudiaron conmigo) fuimos capaces de estudiar historia del arte y no haber visto (más que de refilón, muy de refilón) la obra de Miró, Picasso o Goya. Es cierto, de estos artistas había asignaturas monográficas optativas (yo, por ejemplo, hice la de Goya), pero a mi entender deberían tener un hueco considerablemente grande en las asignaturas obligatorias de la licenciatura.

En la primera sala, nada más entrar a la exposición, te encuentras con el ámbito "MONT-ROIG". Apenas cuatro o cinco pinturas pero jamás hubiese dicho que esas obras eran de Miró, eran obras que hizo alrededor del 1918, cuando tenía unos 25 años; paisajes llenos de colores y pequeños detalles. De ese ámbito se puede ir pasando a los 6 restantes: "Transparencias animadas", "Paisajes del origen", "Polimorfismos", "Figuras plutónicas", "El retorno" y "Ciclos". Conforme avanzábamos en la exposición, todo aquello que veíamos, ya nos parecía mucho más "Miró" y ahora sí que tengo clara una cosa, necesito visitar urgentemente la Fundació Miró de Barcelona (creo que demasiados años que no voy por allí), también quiero leer aquél libro de Miró que me compré en mi última visita al Mercat de Sant Antoni y quiero volver a la exposición, antes de que termine, para mirar con otros ojos todas esas maravillosas pinturas.

Huerto con asno, 1918

La casa de la palmera, 1918

Hombre con pipa, 1925

Paisaje (la liebre), otoño de 1927*

Sin título (dibujo-collage), c.1934

Dos mujeres, 1935**

Mujeres, pájaros, 2 de agosto de 1973

*(me parece increíble que, donde yo veo un caballito de mar, Miró quiera enseñarme una liebre)
** Podrían ser, perfectamente, Ena y Andrea o, mis preferidas, Sofía y Mariana.

Más información aquí.

"Alphonse Mucha (1860-1939) fue uno de los artistas más conocidos de su tiempo, creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno. Sus carteles y pinturas causaron admiración en París y contaron con imitadores en todo el mundo. El arte de Mucha aspira a la belleza. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegóricos, y crean una atmósfera de misterio cercana a la poética simbolista.

Esta exposición presenta todas las facetas del arte de Alphonse Mucha a partir de cuatro grandes temas fundamentales -teatro, belleza, misterio y modernidad-, y también presta atención a otros cuatro aspectos particulares que permiten comprender mejor el alcance de su obra: la metrópolis como escenario; la fotografía como medio y como arte; la epopeya eslava, una visión, y la difusión del «estilo Mucha», para el que se toma como ejemplo el modernismo en Madrid y Barcelona. "

Todavía no había tenido ocasión de visitar el nuevo espacio Caixa Forum en Madrid, y para allá que me fui nada más llegar a la ciudad el viernes. Menos de 24 horas estuve en Madrid y, aún así, tuve tiempo (por la mañana) de zumos de naranja, paseos interminables, confidencias soleadas y exposiciones en las que tanto me gusta perderme. También fui a la tienda del Museo Thyssen para ver si habían rebajado un poco el catálogo de Modigliani, pero el precio seguía intacto, frío, helado.

No había tenido ocasión de ver nunca tanta obra de Alphonse Mucha en vivo y en directo, aunque creo recordar que había alguna obra suya en la exposición que hubo en el MNAC hace unos meses sobre "El Cartel Moderno".

La exposición está dividida en 8 ámbitos: "Teatro. La transfirutación de la realidad", "La metrópolis como escenario", "Misterio, al encuentro del sueño y el ideal", "La epopeya eslava, una visión", "Belleza, la mujer como musa e icono", "La fotografía como medio y como arte", "Modernidad, Mucha y la génesis de la publicidad" y "La difusión del Estilo Mucha". Hubo una chica con la que me crucé en un par de ocasiones en la exposición que no paraba de decir a su compañera de visita que para ella Mucha era demasiado recargado, demasiado floral y circular... La verdad es que si algo tiene Mucha es un estilo propio lleno de líneas serpentinas, flores que se multiplican por todos los rincones y una forma de presentar a la mujer llena de delicadeza y suavidad. A mi, personalmente el Art Nouveau, en dosis pequeñitas e individuales, me vuelve loca.

Algunas de las obras por las que merece la pena no dejar pasar esta exposición de largo...

Medea

La luna (de la serie "La luna y las estrellas")

Otoño (de la serie "Las estaciones")

La virgen de los Lírios

Paul Gauguin

Modelo posando

Abolición de la servidumbre en Rusia (de la serie "La epopeya Eslava")

Chocolate Amatller - Barcelona

Hay una fotografía en el apartado de "Misterio, al encuentro del sueño y el ideal" en la que aparece el propio Alphonse Mucha en su cama, con los ojos cerrados, como si estuviese durmiendo. Es un autorretrato que se hizo Mucha en su estudio de la Rue du Val-de-Grâce de París que relaciona directamente a Mucha a la línea que estudiava los aspectos mágicos del sueño (que también buscaron los surrealistas). También me fascinó una fotografía titulada "Mujer en una ventana, Múnich", una fotografía que mostraba el interior del Pabellón de Bosnia Herzegovina para la Exposición Universal de París de 1900 (con decoración de Mucha)... y muchas más...

Podéis saber más sobre Alphonse Mucha aquí, y sobre la exposición aquí.

"Fue proyectado por el arquitecto barcelonés Lluís Domènech i Montaner, uno de los máximos representantes del modernismo catalán. La construcción se llevó a cabo entre los años 1905 y 1908. El edificio, sede central del "Orfeó Català", fue sufragado por industriales y financieros catalanes, ilustrados y amantes de la música, estamento que sesenta años antes ya había financiado el teatro de ópera y ballet Gran Teatre del Liceu.

Comienza con un encargo de un proyecto del Orfeó Català al arquitecto Lluís Domènech i Montaner para construir un edificio destinado para ubicar su sede social. Antes de terminar el año se realiza la compra del claustro del convento de San Francisco, con la intendión de destinar este espacio para la construcción del edificio.

La acústica del auditorio es inmejorable. Los mejores intérpretes y batutas del mundo del último siglo (desde Richard Strauss hasta Daniel Barenboim, pasando por Ígor Stravinski y Arthur Rubinstein y los catalanes Pau Casals y Frederic Mompou) han desfilado ininterrumpidamente por el Palau, auténtico santuario de la música de Cataluña y al tiempo sala de conciertos de referencia en el panorama artístico internacional.

La arquitectura de Domènech es de gran calidad y originalidad. En el exterior se mezclan elementos escultóricos, que hacen alusión al mundo de la música, con elementos arquitectónicos y decorativos de carácter modernista y barroquizante. En el interior el arquitecto combinó magistralmente los diversos materiales de construcción con cerámica (el "trencadís" tan típico del modernismo catalán) y vidrio. El escenario está dominado en su parte trasera superior por los tubos del órgano, que se convierten a su vez en un elemento decorativo e icono del propio Palau. La embocadura del escenario está enmarcada por ilustraciones escultóricas espectaculares, sendas alegorías de la música culta y de la música popular: a la derecha, un busto de Ludwig van Beethoven sobre columnas dóricas que sostienen unos cúmulos de los que emerge la cabalgata de las walquirias (clara referencia a la adoración por Richard Wagner que siempre ha sentido el público catalán); a la izquierda, unos chicos al pie de un sauce en cuyas ramas aparece el busto de Josep Anselm Clavé, alusión al texto de la canción "Les flors de maig" de este autor.

El Palau de la Música Catalana fue declarado Monumento Nacional en 1971. Con tal motivo se realizaron amplias obras de restauración.

En 1997 la UNESCO incluyó el edificio en su relación del Patrimonio de la Humanidad."

Me sigue pareciendo uno de los edificios más bonitos que he visto nunca y este año cumple 100. Allí vi mi primer concierto de música clásica, pequeñita, con los ojitos grandes y la boca abierta, cuando todavía iba a clases de piano con Elena y de solfeo con Mª Àngels (de repente, me han entrado muchas ganas de verlas).

Ahora ya he perdido la cuenta de las veces que he ido a ver algún concierto, deben ser más de 10 o 15, pero cada vez que voy me pasa lo mismo, no puedo dejar de mirar las paredes, columnas, esculturas, escaleras, vidrieras, colores, molduras, estucados... Siempre encuentro algo nuevo que no había visto nunca y ver allí un concierto es un lujo al que todavía no debo estar acosumbrada. Siempre voy nerviosa y salgo con una sensación de bienestar indescriptible y a la vez con el corazón funcionando a mil por hora. Mis últimos conciertos allí han sido los de Mikel Erentxun, Luis Eduardo Aute, Jorge Drexler y Ariel Rot... Hoy creo que Drexler toca allí pero yo no voy a poder ir...

Ayer estuve viendo la exposición que hacen en Caixa Forum sobre sus 100 años, una exposición audiovisual en la que puedes ver imágenes de diferentes actuaciones desde años remotos hasta el  2007. Se me puso el bello de punta al ver a Montserrat Caballé en el año de las Olimpiadas de Barcelona, a Zubin Mehta, a Josep Carreras y Ainhoa Arteta (mano a mano) y a Victoria de los Ángeles repleta de flores y recibiendo aplausos interminables...

Yo sigo prefiriendo la visita al Palau en si, pero si pasáis por Caixa Forum, no dejéis de entrar a ver los audiovisuales...

Con esta, termino mi ruta por las exposiciones vistas en Madrid en el último viajecito. Pocas veces me voy de Madrid sin ver El Prado, aunque me enfade porque es en el único en el que no "cuela" lo de ser estudiante, que lo soy, pero paso de los 25... y me hacen pagar la entrada sin descuento. Eso sí, la entrada te sirve para todo el museo, con lo cual, entro a ver la exposición temporal y acabo por darme una vuelta por mis Hilanderas o mis pinturas negras o mi Jardín de las Delicias y, de paso, me despido de mi hermafrodita preferido (que esta vez estaba donado a otra exposición).

Es sábado, 1 de marzo, estoy estrenando mes y aguantándome la emoción de haber podido desayunar con dos de las personitas que más quiero frente a Neptuno... Pienso que no voy a tener tiempo de verlo, me he dejado el Museo más típico de los turistas para el sábado... seguro que las colas son eternas. Sorprendentemente, cuando me despido de Ale y Pancho y cruzo el paseo hacia el museo, me doy cuenta de que hay poquísima gente para comprar la entrada, sonrío y pienso que al final hasta voy a tener suerte.

Me voy directamente a la entrada de la ampliación, es lo que más me apetece ver en esta visita al museo... quiero ver con mis ojitos todo lo que me han enseñado los reportajes en los periódicos y en la tele. Nada más entrar me da la sensación de estar descendiendo las escaleras del Louvre y, por un momento, el corazón se encoje y tiene ganas de volar una vez más hasta allí... De todas formas, no os vayáis ahora a creer esto, no se parecen en nada, es una de las tonterías que se le ocurren de vez en cuando a esta acróbata.

En la ampliación del museo se puede ver esta vez: El Siglo XIX en El Prado.

¡Qué exposición más completa! Yo estoy derrotada, me duelen los pies y arrastro un poco de cansancio encima... pero soy capaz, todavía, de detenerme un buen rato ante:

Amalia del Llano y Dotres, condesa de Vilches. 1853. Federico de Madrazo

La modelo, escritora monárquica y amiga del artista, posa sentada en una llamativa butaca y destaca en la penumbra del salón. Retrato atractivo y seductor, de aire francés, transmite una sensualidad sutilmente provocativa, ajena a la etiqueta española, más sobria y distante. A ello contribuye la belleza, juventud y mirada seductora de la dama, realzada por su indumentaria y su gesto.

Doña Juana la Loca. 1877. Francisco Pradilla

Juana la Loca acompaña el féretro de su esposo Felipe el Hermoso en su traslado de Burgos a Granada. Ajena a las inclemencias metereológicas, la joven reina viuda centra la dramática composición, enmarcada en un paraje inhóspito, en los rigores del invierno. El dominio de la perspectiva, el sentido del ritmo, el equilibrio de la composición, la utilización escenográfica del espacio y el rigor documental de esta obra cumbre convirtieron a Pradilla en el último gran maestro de la pintura de historia del siglo XIX en España.

Los hijos del pintor en el salón japonés. 1874. Mariano Fortuny

Fortuny pintó esta composición en Portici para regalársela a su suegro Federico de Madrazo. Su repentina muerte le impidió terminar la obra, de carácter íntimo y familiar, en la que se aprecia la influencia de la estética japonesa, muy de moda en los ambientes artísticos de la época. Ejecutada con gran libertad técnica y un irresistible atractivo visual, anuncia el comienzo de un nuevo camino estético truncado por la desaparición prematura del maestro.

Una esclava en venta. 1897. José Jiménez Aranda.

Este desnudo, uno de los más singulares de la pintura española del siglo XIX, refleja el pudor y la vergüenza sentidos por una esclava al ser observada por un grupo de posibles compradores. La joven, sentada sobre una alfombra, exhibe un cartel en griego en el que puede leerse "Rosa de dieciocho años en venta por 800 monedas", y oculta su rostro con una abundante cabellera que le cae por los hombros, lo que acentúa aún más su sensualidad.

La actriz María Guerrero como "La Dama Boba". 1906. Joaquín Sorolla

"Yo le pedí a María que me dejara hacerle este retrato, que he pintado para que después vaya al Museo del Prado. Porque es lo que yo le digo: -tú deberías estar en el Museo y pintada por mí-". Joaquín Sorolla

Me ha faltado poder poneros aquí una de las esculturas que más me han impactado nunca: "Isabel  II velada" de Camilo Torriggiani... En ella aparece el busto de Isabel II con un velo por delante de la cara. Miras y parece que el velo se esté transparentando, que exista ese trozo de tela entre tú e Isabel... ¡Impresionante! Y de las que he descrito, una pequeña muestra de todo lo que puede verse, me quedo con estas por lo sensual de la Condesa de Vilches, por el rato que pasé mirando el cuadro (enorme) de Juana la Loca, porque Fortuny me dice tantísimo en sus pinturas, por la belleza y la tristeza de esa chica de Jiménez Aranda... y porque me encantaron las palabras que le dice Sorolla a María Guerrero... Evidentemente, había mil cosas más...

Si tenéis ocasión, estará hasta el 20 de abril, es una buena ocasión para ver la ampliación y darse un paseo por el Claustro de los Jerónimos.

La verdad es que tengo la sensación de haber aprovechado los días en Madrid a una velocidad de vértigo pero disfrutando de cada uno de los sorbitos, de cada cruce de caminos, de cada semáforo en verde... y allí me planté el viernes, en el Reina Sofía, después de desistir en visitar el Prado porque la cola era impresionante!...

El paseo desde El Prado hasta el Reina Sofía esta vez fue especial porque han abierto el nuevo Caixa Forum madrileño (que no visité pero que estoy segura que va a ser un éxito si se parece aunque sea sólo un poquito al de Barcelona) y han colocado por un buen trozo del paseo esculturas de Igor Mitoraj... ¡qué maravilla!

Y ya en el Reina Sofía... había también bastante gente pero me puse en la cola y conseguí entrar a los 20 minutos más o menos de estar allí. Tenía ganas de ver la colección del Museo Picasso de París y La noche española... pero tenía poco tiempo, así que descarté mi visita a la colección permanente y entré a ver "La noche española", que me apetecía bastante.

¡Qué exposición! ¡Cuántas cosas! En una de las primeras salas ya te encuentras con "El guitarrero" de Manet y "La signora Adela Gerrero" de Courbet... y, entonces, piensas que has hecho bien, que esta exposición tenía que verla sí o sí.

Obras de Ramon Casas como "Interior de taller después de una fiesta" o "Desnudo femenino con guitarra", de Santiago Rusiñol como "Gitana del Albaicín", de Julio Romero de Torres como "Manola" o "La escopeta de caza", de Juan Gris "Guitarra ante el mar", de Delaunay "Cantante flamenco", de Francis Picabia "Española", de Claudio Castelucho "En el cabaret", de Joaquín Sorolla "Boceto de la figura de Pastora Imperio para el Café Novedades"... que me entusiasmaron... Y cada día que pasa pienso que Ramon Casas y Santiago Rusiñol son unos genios increíbles...

Gitana en el Albaicín, Santiago Rusiñol

Del resto de la exposición decir que me encontré con las pinturas de Natalia Goncharova, ¡impresionante la mujer-catedral! y me quedé un buen rato en la sala de "La Argentina" viendo su sonrisa y cómo me hablaban sus ojos... Si tenéis ocasión, no os perdáis la exposición, estará en el Reina Sofía hasta el 24 de marzo, día que me suena de algo...

No tuve tiempo de ver la colección de Picasso porque Panchito apareció por la plaza del Reina Sofía cuando el reloj rozaba la una y media del mediodía... Así que me monté en el ascensor de cristal y descendí hasta el mundanal ruido... y mientras yo le decía  a Pancho que la próxima vez que viniese a Madrid intentaría alojarme en una de las pensiones de esa plaza porque me encanta... él me decía que el Reina Sofía antes era el ¡¡¡¡Anatómico forense!!!!! La verdad es que sí, desprende cierta tetricidad... pero... ¡me gusta! Tendré que volver a Madrid antes de que se me lleven a Picasso... :-)

...puedes llegar dando un paseo hasta el Centro Cultural Conde Duque.

En pleno centro, un antiguo cuartel militar se llena de misterios y vaivenes, de cuadros y poemas, de viajes y caricias, de esculturas y luces. Todo envuelto de piedra rosa y gris, con ventanas por las que se filtra el sol de fin de invierno... Y, si llegas antes de las cuatro del mediodía, puedes ver las exposiciones del centro cultural y después hacer unos minutos de siesta en un banco al solecito para entrar al museo cuando abren puertas, a las 17:30h.

Arte del siglo XX en la colección
de Antonio Ródenas

Dicen que nació en Madrid en 1922 y murió en 1997. Descubre muy joven su vocación literaria, fue un empresario de éxito y delegó sus negocios para, desde la soledad e intimidad de su retiro, entregar su vida a la escritura, la lectura, la reflexión, el arte y la búsqueda de la belleza.

En la exposición hay obras de Daniel Vázquez Días, Juan H. Leemans, Darío de Regoyos, Manuel Colmeiro, Cristino Mallo... pero yo me rindo a los pies de las esculturas de Juan Haro, sobre todo una titulada "Profundo dolor"...

...y los cuadros de un pintor que desconocía hasta ese momento, Benjamín Palencia. El mismo Antonio Ródenas consideraba a Benjamín "el más profundo de nuestros pintores actuales". Por su parte, Palencia encontró en Ródenas una devoción sincera y sin pretensiones y un conversador que sabía ver en la pintura no sólo las soluciones plásticas sino las profundas intenciones del autor.

Soy consciente de que las fotografías con el móvil son un desastre pero ahí van algunas de las obras que me enamoraron...

Aranjuez

Caserío con montañas azules

Ernestina de Champourcin
Una voz femenina en la Generación del 27

"Nacida en 1905, Ernestina de Champourcin escribió en 1926 su primer libro, En silencio..., a través del cual se dio a conocer. A partir de ese momento se integró de lleno en el mundo cultural, publicando sus versos en los periódicos y revistas más conocidos de la época y escribiendo artículos de crítica literaria. Como todos los poetas de su generación, tuvo como maestro a Juan Ramón Jiménez, y a finales de los años 20 dirigió su poesía por el camino de las vanguardias.

Debido a sus convicciones republicanas, en 1936 se exilió junto con su marido, Juan José Domechina, a México. Allí, tras unos años de silencio debidos a la necesidad de trabajar para sobrevivir, retomará su voz poética. Tras una etapa de poesía religiosa, escribe al volver a España una poesía de memoria y esperanza de una gran calidad. Ernestina de Champourcin contribuyó, con numerosas aporaciones, a construir la cultura de la preguerra y del exilio, expecialmente en lo que se refiere a la participación de la mujer en el mundo intelectual."

Una exposición en una sóla habitación, con mucho para leer y con detalles mínimos imprescindibles. Una exposición llena de fotografías,  cartas personales, manuscritos, recortes de revistas, libros... Postales, cartas de amigos personales de Ernestina como Rafael Alberti, Luis Cernuda o Vicente Aleixandre... Una vida apasionante la de esta mujer que desprende una vitalidad increíble con solo mirarla... Una vida que la lleva al exilio durante la Guerra Civil y que después la vinculará al Opus Dei... y aquí podríamos aplicar lo de "las vueltas que da la vida"...

Ésta fotografía me tuvo un buen rato embobada...

Josep Renau
Compromiso y cultura

Jaime Brihuega habla de Josep Renau (1907-1982) como un referente clave para entender la naturaleza y el comportamiento de la cultura española contemporánea. Una biografía agitada que le situa en escenarios tan variados como la Segunda República Española, la Guerra Civil, el exilio en México y en la República Demócrata Alemana.

"Activista político, intelectual comprometido más allá de los meros principios generales, polemista infatigable y certer, grafista político, pintor que se resistía a encerrarse en su propio interior, cartelista excepcional, fotomontador implacable, ilusionado muralista..."... y yo me quedo con lo de activista político e intelectual comprometido porque en estos tiempos que corren nos hace falta más coraje y más valentía para poder decir lo que realmente sentimos.

El lunes veía un reportaje en la Sexta sobre el voto para este domingo de diferentes artistas y personajes vinculados al mundo de la cultura... Me gustó ver cómo algunos no tenían ningún miedo (aunque esta no es la palabra que quiero utilizar) en decir que van a dar su voto a Izquierda Unida (como Pilar Bardem o Luis Pastor). Esto viene a cuento porque en esta campaña nos están intentando vender que sólo hay dos opciones de voto y eso me mosquea bastante. Evidentemente, tengo claro a quién votaría si tuviese que elegir a uno de los dos... pero es que me sigue dando miedo que no nos dejen ver más allá, que nos presenten el blanco o el negro, y en el fondo sea el mismo centro en el que quieren estar. Pues no, yo no.

Y pobre Josep Renau, que poco tiene que ver con lo que acabo de soltar... pero es que me pone la gente comprometida, la gente que tiene voz y voto, que tiene opinión y opina, que no se calla y que cree que otro mundo es posible. Y ahora llamadme idealista...

La exposición es muy interesante... No dudo en volver al Centro Cultural Conde Duque en mi próxima visita a Madrid, a ver qué encuentro la próxima vez porque esta vez he salido entusiasmada de ese lugar...

La muestra, que reúne alrededor de 130 obras, se propone analizar la trayectoria artística de una de las grandes figuras del arte del siglo XX, Amedeo Modigliani (1884-1920), desde su llegada a París en 1906 hasta su muerte. La gran novedad de este ambicioso proyecto es que, por primera vez, se presentará la obra del artista italiano en diálogo directo, tanto con los grandes maestros que influyeron en él -Cézanne, Picasso o Brancusi-, como con sus amigos de Montparnasse: Marc Chagall, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Ossip Zadkine, Tsuguharu Foujita o Jules Pascin, entre otros.

Modigliani fue un artista abierto a los principales movimientos de la vanguardia parisiense anterior a la Primera Guerra Mundial pero, a su vez, se mantuvo siempre independiente de todos ellos; contemplar su obra junto a la de todos estos artistas -tanto grandes nombres de la historia del arte, como otros menos conocidos u olvidados, pero que fueron también protagonistas del arte europeo de comienzos del siglo XX-, permitirá valorarla en su justa medida.

La exposición está estructurada en dos grandes secciones correspondientes a la relación de Modigliani con sus maestros, que podrá contemplarse en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza, y con sus amigos, que se mostrará en la sede de la Fundación Caja Madrid, al tiempo que sigue también un discurso cronológico.

Mi año "obsesivamente Modigliani" fue el 2007. Le tuve presente casi en cada uno de mis pasos... en mis horas muertas en la biblioteca (y en las vivas), en las escaleras del metro, en las paradas de autobús, en la arena de la playa, en los trenes y los mares, en los amaneceres y en las madrugadas, con velitas en el salón, con pinturas por el suelo, en la ropa y el bolso, por dentro... y por fuera.

En cuanto supe de esta exposición empecé a descontar los días, era mi exposición del 2007 y venía con unas cuantas semanas de retraso. Al final he conseguido verla antes de que terminase febrero y no dudo en volver a recorrerla antes de que se nos vaya en mayo.

En cada una de esas mujeres de ojos vacíos y cuellos largos (en las de torsos recostados y manos con dedos infinitos) puedo encontrarme, en diferentes momentos de mi vida, en las diferentes horas del día, en la piel de lo que soy y lo que no soy, como canta Gastelo. Y tengo que ir rápido y no quiero... porque se me clavan en la retina esos colores, que quiero quedármelos para mi, todas las horas del día.

Modigliani llega a París y quiere ser escultor como Brancusi... Fue toda una sorpresa encontrar "El beso" de Brancusi en la segunda sala de la exposición:

El retrato de Dédie (Odette Hayden):

Desnudo recostado:

"Mi" Mujer sentada con vestido azul:

Pero eso no era todo, en la exposición conviven con Modigliani otros artistas, los de su tiempo... Algunos previsibles, otros me sorprendieron, y ahí estaban todos, arropándole...

Desnudo sobre diván rojo, de Moise Kisling:

Desnudo de Arietty, de Moise Kisling también:

La casa gris, de Marc Chagall:

La echadora de cartas, de Suzanne Valadon:

Paisaje de Cagnes, de Soutine:

Y es una pena porque esos colores no se corresponden con la realidad. Es una exposición para recorrerla despacio, para llenarse de colores y de formas, para respirar casi tocándolo el aire de París de principios del siglo XX. Una exposición que se quedará, para siempre, dentro de mi.

He estado estos días apuntando en la agenda algunas de las exposiciones que no quiero dejar pasar en este inicio de 2008... He encontrado estas...  

• Napper y Frith. Un viaje fotográfico por la Iberia del siglo XIX (MNAC). 
• Duchamp, Man Ray, Picabia (MNAC). 
• 1908-2008: 100 años de Palau (CAIXA FORUM).
• Con Manuel Vázquez Montalbán (PALAU ROBERT). 
• La noche española (MUSEO REINA SOFÍA). 
• Los Grecos del Prado (MUSEO DEL PRADO).
• Fábulas de Velázquez (MUSEO DEL PRADO). 
• Picasso, la colección del Museo Nacional Picasso de París (MUSEO REINA SOFÍA). 
• Maestros modernos del dibujo (MUSEO THYSSEN). 
• Miró: la tierra (MUSEO THYSSEN)...  

Y... la exposición que llevo meses esperando, la consiguió darme un vuelco por dentro cuando supe que se iba a realizar... porque mi 2007 ha sido obsesivamente Modigliani.

Modigliani y su tiempo MUSEO THYSSEN
5 de Febrero - 18 de Mayo de 2008

"Organizada por la Fundación "la Caixa" y NBC Photographie, Paris, ésta es la primera gran exposición dedicada a Charlie Chaplin que se lleva a cabo en nuestro país. La exposición reúne alrededor de 250 documentos, principalmente fotografías, pósters, material documental y extractos de películas, algunos de los cuales son inéditos. A través de imágenes, la muestra narra la historia de Charlie Chaplin —el actor y la figura pública—, desde la creación del personaje de Charlot hasta el final de su carrera.

«Chaplin en imágenes» nos ayudará a entender la conformación de la personalidad de Charlot, su transformación, su particular expresión corporal y sus inconfundibles complementos (bastón, chaleco, bigote, zapatos y bombín), que acabaron por representar por sí mismos la esencia del personaje. Charlot no fue siempre el pequeño vagabundo triste, solitario y profundamente humano que permanece en la memoria colectiva. Muy al contrario, el Charlot que se vio por primera vez en la pantalla, en el año 1914, era un personaje grosero y antipático.

Chaplin fue uno de los primeros artistas en lograr un gran éxito mediático, su cercanía al público le convirtió en un personaje muy querido y en icono del siglo XX. Algunos artistas de la vanguardia como Fernand Léger o R. Ausleger representaron a Charlot en varias ocasiones, y sirvió también como portada de muchas publicaciones de la época. La magnitud de su fama fue tal, que para sorpresa del propio Chaplin los grandes almacenes de Nueva York se llenaron de juguetes y figuritas que representaban su imagen.

Paralelamente a su faceta como actor, Chaplin fue también aclamado como cineasta. La preocupación de Chaplin por conseguir la perfección en su obra se evidencia en los documentos que muestran los pasos de la elaboración de una escena y ponen de manifiesto la mecánica de un gag o la coreografía de un movimiento.

En el momento álgido de su carrera, Chaplin optó por el compromiso, y a partir de los años treinta sus películas incluyeron regularmente elementos de crítica social. Su posicionamiento político provocó un lento distanciamiento del público de masas. Con la llegada del cine sonoro, en el año 1940, Charlot habló en el que fue su último papel. Y el discurso reprimido durante tanto tiempo se dirigió a toda la humanidad, en forma de mensaje de esperanza y de paz.

En el año 1952, en el barco que le llevaba a Inglaterra, Chaplin se enteró de que no le renovarían su visado americano. A partir de entonces viviría en Suiza con Oona, su última mujer, y sus ocho hijos, hasta su muerte el 25 de diciembre de 1977.

Chaplin es, sin duda, uno de los artistas mediáticos de la gran pantalla. En esta exposición asistimos al nacimiento de una estrella, paseamos por su vida y miramos con nostalgia el final de su carrera."

El sábado fue uno de los días más aburridos y angustiantes de mi vida, creía que me iba a dar algo en casa, las paredes se me echaban encima, apenas podía respirar... ufff, un día claustrofóbico... El día de ayer tuvo otro color. Abrí los ojitos cerca de las 10,  me preparé un café con leche calentito y continué con el libro que terminé ayer mismo... A eso de las 12 salíamos de casa camino de Barcelona. El domingo es el peor día para ir a ver una exposición pero pensé que la mayoría de gente estaría comprando regalos y no sería un domingo como cualquier otro.

Había bastante gente (y hacía un calor espantoso) pero la exposición merece mucho la pena. Si tenéis un ratito, no dejéis de visitarla. Más información aquí, espero poder ir el próximo 9 de febrero a la proyección de "El chico" con acompañamiento musical en directo.

Ru, gracias por insistir... :)

Eugène Delacroix. mujer al piano, 1827-30, Colección Prat

"A Louis-Antoine Prat, la pasión por el arte le venía, en primer lugar, de su padre, un gran coleccionista que falleció cuando Louis-Antoine tenía apenas seis años. Después de estudiar letras y ciencias políticas, decidió matricularse en la mejor escuela de historia del arte de París: la del Louvre. Más adelante, ingresó en los archivos de dibujo del Museo del Louvre y trabajó allí organizando exposiciones y escribiendo diversos artículos científicos. En 1974, cuando tenía treinta años, compró su primer dibujo: una modesta hoja de Eugène Delacroix.

«(...) El estudio de la historia del arte también me llevó a interesarme por las propias colecciones y, como consecuencia, decidí invertir una parte de mis recursos y de mi tiempo en la práctica del coleccionismo. Como residía en Francia, me orienté hacia lo que conocía mejor, que era el dibujo francés, especialmente el dibujo francés de 1600 a 1900. Gracias a mis estudios de literatura era especialmente sensible al siglo XVII francés, por lo que empecé a adquirir dibujos de Nicolas Poussin y pude ampliar mi colección, cronológicamente, hasta obras postimpresionistas como las de Paul Cézanne.» Louis-Antoine Prat"

En CaixaForum, hasta el 09/12. Dibujos de Watteau, de David, Delacroix, Manet, Degas, Seurat, Gericault... Muchos dibujos, todos. Algunos interesantísimos, otros que apenas llegan a esbozos pero que muestran lo que será después una gran obra de arte, como uno de Cézanne. Uno con una oreja por los suelos. Otro con firma del artista incluida que llama la atención de una chica que se deja los ojos en ello. Una exposición pequeñita pero rica, riquísima, sobre todo por las formas y matices. Yo, sin duda, me quedo con las tres obras de Victor Hugo, me encantaron.

Después, si quieres, te vuelvo a contar la teoría del cambio del siglo XV al XVI, con sfumatos, Leonardos y contornos incluídos. / ¿Por qué la gente está tan seria en las exposiciones? / ¿Quieres prestar atención? / Vale, vale, pero sonríe un poco. / Vale :)

La imagen original (que ya todos conocéis) es esta:

"La exposición «¡Che! Revolución y Mercado», concebida por la crítica y comisaria inglesa Trisha Ziff, hace un recorrido desde la foto original hasta la fetichización más absoluta sufrida por esa imagen en nuestros días. Durante años de investigación, Ziff ha concebido un proyecto en el que se recogen unas trescientas piezas, firmadas y anónimas, que refuerzan o pervierten la foto original tomada por Korda el 5 de marzo de 1960 en La Habana, bajo el título original
de El Guerrillero Heroico.

«¡Che! Revolución y Mercado» reúne fotografías, carteles, películas, sonidos, ropa y artefactos de más de treinta países, así como publicidad, un netbook e imágenes que aparecen en Internet."

Soy consciente de que los "posts" tan largos no se leen... pero es que, pese a que he decidido obviar parte del texto que me animó a ir a ver la exposición, me gustaría que lo leyéseis para saber si a vosotros también os hubiese "llamado" tanto como a mi.

Miércoles tarde, llevo todo el día encerrada en el trabajo. ¿Vamos a dar un paseo antes de entrar al teatro? Podemos ir a ver esta exposición. ¡Vale! ¡Perfecto! Bajamos a eso de las siete y media por las Ramblas dirección el Palau de la Virreina a ver "¡Che! Revolución y mercado". No encontramos al señor que vende las entradas (está escondido debajo del mostrador¿?). Al final aparece y nos vende las entradas, se lo agradecemos.

Entramos. Leemos. Miramos. En la primera sala encontramos un recorte de prensa y un video (bueno, una impresión de pantalla de un video) del youtube con la actuación de Santana en los Oscars (el año que se lo dieron a Jorge Drexler y él no pudo cantar SU CANCIÓN) en la que lleva puesta una camiseta con la famoso rostro del Che. Pienso, pienso en que me pareció patético que no le dejaran cantar su canción a mi querido Drexler, y recuerdo lo que pensé cuando le escuché cantar en los segundos de tiempo que le dieron para dar las gracias por el premio. Me he ido del tema, lo sé, es lo que tiene la asociación de ideas. Leemos, leemos y opinamos. En una sala podemos ver toda la iconografía que ha dado de sí esa imagen con la estética más POP, en otra la imagen del Che como Cristo, en otra piezas de merchandising de lo más variopinto, carteles, camisetas, objetos de madera, fotografías... y un largo etc...

A mi no me gustó demasiado la exposición. Supongo que porque la había imaginado de otra manera y porque la idea me parecía buena. Pero después vas y quieres más, quieres que te expliquen más, no quieres ver sólo cajetillas de tabaco o camisetas u objetos de madera... No sé, me esperaba "algo más". Si alguien la ha visto, que me diga...

Cadavre Exquis, Man Ray, Joan Miró,
Max Morise e Yves Tanguy. 

26 Octubre 2007 - 13 Enero 2008
MUSEU NACIONAL D’ART DE CATALUNYA

"Calificado como "el más surrealista de los surrealistas" por André Breton, impulsor de este movimiento artístico, Yves Tanguy (1900-1955) sigue siendo uno de sus representantes menos conocido por el gran público.

Marinero de profesión y pintor autodidacta, Tanguy inició su carrera en Francia, pero su consagración como artista se produjo en Estados Unidos, donde se exilió en 1939 y donde vivió hasta su muerte.

La exposición, organizada en colaboración con el Musée des Beaux-Arts de Quimper, reúne más de 250 obras, desde las primeras postcubistas y expresionistas de 1924 hasta Multiplicación de los arcos, pintada poco antes de su muerte. El discurso expositivo se completa con un importante número de piezas de su obra gráfica: guaches, grabados, "dibujos automáticos" y "cadáveres exquisitos", juegos surrealistas que Tanguy compartió con amigos suyos como Joan Miró, André Breton o Jacques Prévert. Libros y revistas de época ilustradas por Tanguy, fotografías de Man Ray o Dora Maar y documentación inédita ayudan a contextualizar el universo surrealista del pintor.

Como subraya el comisario André Cariou, "hoy en día, Yves Tanguy, el más grande pintor surrealista francés, calificado de pintor surrealista por excelencia, es aún desconocido. Sin duda, el gran público aprecia más las imágenes à la Magritte o las extravagancias à la Dalí, pero el favor de los entendidos continúa intacto... Su obra fascina siempre a todos aquellos que aceptan entrar en ella"."

Domingo completo y repleto. Nunca había ido al MNAC y me había costado tanto aparcar el coche, aunque en el fondo me sentía feliz al saber que podría haber tanta gente viendo el museo. Otra sorpresa fue ver que han puesto una cafetería al aire libre en la entrada, en las escaleras que recuerdan las de Montmartre de París o el Mirador de San Nicolás de Granada, desde donde puede verse toda Barcelona.

Yo sí que conocía a Tanguy, conocía gran parte de su obra gracias a la gran Lourdes Cirlot, que precisamente es la coordinadora del ciclo de conferencias que giran alrededor de esta exposición. La exposición que presenta esta vez el MNAC es una de las más completas que he visto nunca allí. El surrealismo no es uno de mis movimientos preferidos, podría decir que a mi me gusta más de Tanguy sus primeras obras postcubistas y expresionistas, me gustaron más sus dibujos y juegos que sus pinturas... pero es que todo esto es cuestión de gustos.

CADÁVER EXQUISITO

"Cadáver exquisito es una técnica por medio de la cual se ensamblan colectivamente un conjunto de palabras o imágenes; el resultado es conocido como un cadáver exquisito o cadavre exquis en francés. Es una técnica usada por los surrealistas en 1925, y se basa en un viejo juego de mesa llamado "consecuencias" en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración.

El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior. El nombre se deriva de una frase que surgió cuando fue jugado por primera vez en francés: Le cadavre exquis boira du nouveau vin (El cadáver exquisito beberá el nuevo vino).En resumidas cuentas se combinan cosas de una idea agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad. Los teóricos y asiduos al juego (en un principio, Robert Desnos, Paul Eluard, André Bretón y Tristan Tzara) sostenían que la creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática. De hecho, muchos de estos ejercicios se llevaron a cabo bajo la influencia de sustancias que inducían estados de semiinconsciencia o durante experiencias hipnóticas.

Neruda y Lorca los llamaron ’poemas al alimón’; Nicanor Parra y Huidobro, ’quebrantahuesos’."

Esto es, sin duda, lo que más me gustó de la exposición, los cadáveres exquisitos (junto con las fotografías de Man Ray, las de Dora Maar, los fotomatones...); sólo por eso merece la pena ir a verla. Son todos interesantísimos y hay muchos ejemplos. De Tanguy con Tristan Tzara, con Man Ray, con Bretón, con autores desconocidos y, el que más notamos, con Miró. Era increíble cómo mirando uno podías adivinar qué parte había hecho Miró, se notaba tanto su trazo, su línea negra, sus colores...

Una exposición para dejarse empapar, para dejarse llevar, para disfrutar con los juegos, los colores, las formas y todas las cosas que te cuentan sin contarte. Sin duda, merece la pena dejarse caer por el MNAC cualquier día, entrar a ver la exposición, salir, tomar un café y disfrutar de las vistas de Barcelona mientras un chico toca la guitarra maravillosamente bien.

Ru... ¿Quieres dejar de chafarme los temas?

Henri Privat-Livemont, Rajah

Las 11h, termino una clase y tengo una hora y media libre hasta la siguiente. Voy a mirar si ya está la nota del examen que hice, ¡¡¡¿todavía no?!!! Salgo a la calle, paso por la plaza del Macba mirando una vez más su fachada, camino sin rumbo, pienso, hace frío (tengo los pies congelados). Me compro unos zapatos, entro a una tienda de lencería para ver si encuentro una liga "decente" para la boda de Marta, no me convence ninguna. Salgo a la calle, todavía me queda media hora libre... Decido no ir a clase, cojo el coche y subo hasta Montjuïc. La exposición que quería ver en el MNAC se termina el domingo, era "hoy o nunca", no me lo hubiese perdonado.

"La exposición presenta una selección de un centenar de los más de 600 carteles que integran las colecciones Plandiura y Riquer del Gabinete de Dibujos y Grabados del MNAC (Museu Nacional d'Art de Catalunya), adquiridas en los años 1903 y 1921, respectivamente. La muestra permite realizar un recorrido canónico por la historia del cartel moderno, y abarca producciones de autores europeos y americanos tan importantes y representativos como Chéret, Mucha, Steilen, Hassall, Meunier... etc... Entre los catalanes destacan los nombres de artistas sobradamente conocidos como los modernistas Casas, Rusiñol y Riquer. Cronológicamente, la mayoría de estas obras se sitúan en torno a la emblemática fecha de 1900, momento en el cual asistimos a la eclosión del cartel como medio de expresión artística."

Bajo las escaleras hasta el espacio en el que se pueden ver normalmente las exposiciones temporales del museo, conozco cada rincón al milímetro, todavía me vienen recuerdos de mi estancia como becaria cada vez que bajo esas escaleras. Entro en la exposición y me dejo llevar. Yo de mayor quiero ser cartelista o cartelera, como se diga. Los primeros en seducirme son Jules Chéret, Alphonse Mucha... "Carriage Dealers" es precioso. Bueno, los carteles del art nouveau son todos bellísimos, dulces, elegantes...

Son salas llenas de color, de luz y caprichos, de líneas sinuosas, de llamadas de atención y seducción. Por aquí te ofrecen un té riquísimo (Henri Privat-Livemont, Rajah), por allí los mejores cigarrillos (Aleardo Villa, Cigarrillos París), galletas que se pueden hasta oler (Gicar, Biscuits Victoria). Te muestran el Real Club de Barcelona (Joan Llaverías), el Gran Teatre del Liceu (Adrià Gual), partituras llenas de música y nostalgia (L'alegria que passa, Santiago Rusiñol), exposiciones, bicicletas, absenta...

Descubro a Maxfield Parrish, a Ethel Reed, Edward Penfield, William Henry Bradley...

Por todas partes hay estudiantes (deduzco que de arte) dibujando, copiando los carteles. He estado un rato sentada al lado de una chica de ojos brillantes que miraba fijamente el famoso Tournée du Chat Noir de Théophile Alexandre Steinlen... Escuchaba una voz conocida en la sala, había un grupo de cuatro personas comentando uno de los carteles. De repente, ahí estaba, Francesc Quílez, el comisario de la exposición y con el que tuve el placer de charlar (y desayunar) más de una vez gracias a la amistad que le une al que era mi jefe en el museo, Jordi Casanovas (¡cómo le echo de menos!).

Es una exposición preciosa, os animo a que vayáis a verla los que todavía estéis a tiempo, acaba el domingo...

Alphonse Mucha. Carriage Dealers. 1902.

Adolf Hohenstein. A. Calderoni Gioielliere. 1898.

Aleardo Villa. Cigarrillos París. 1901.

Maxfield Parrish. Harper's Weekly. Bicycle Number.

 Theóphile Alexandre Steilen. Tournée du Chat Noir.

Ethel Reed. Miss Träumerei.

...y un sin fín más....

NICOLAS DE STAËL 
En La Pedrera
Del 24 de Julio al 24 de Septiembre
Entrada gratuita
(La inmensa cola de gente que da la vuelta a la manzana va a ver el piso de La Pedrera que han habilitado para las visitas, en las exposiciones temporales casi nunca hay nadie, ¡entra!)

No era un buen día para ir a Barcelona, llovía y las colas en los museos tiran para atrás (más en verano)... Igualmente salimos a dar un paseo y acabamos visitando la exposición temporal de La Pedrera (Obra Social Caixa Catalunya). Era domingo, 19 de agosto y el final de nuestra salida la comentó Rubén en su blog.

"Pintor francés, nacido en San Petersburgo en el seno de una antigua familia aristocrática. Después de la Revolución Rusa, su familia abandonó el país y se trasladó a Polonia, donde sus padres murieron. Fue llevado a Bélgica, donde pudo estudiar en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas y en la Academia de San Gil hasta 1933. Aunque desde su infancia estuvo en el exilio, Nicolás de Staël permaneció ligado a sus raíces. De Stäel se unió a la legión extranjera en 1939 pero fue desmovilizado en 1940 y se instaló en Niza. Allí se encontró con Robert Delaunay y Sonia Delaunay y con Le Corbusier. Georges Braque le presentó a Jacques Dubourg, un importante marchante de arte, quien junto con su compañera también dueña de una galería, Jeanne Boucher, le apoyaron en un periodo de extrema pobreza. Obtuvo la nacionalidad francesa en 1948. Desde 1942 hasta su muerte se dedicó a pintar y dibujar, y en 13 años llegó a pintar unos mil lienzos, principalmente al óleo.
.
1949, después de un periodo de incertidumbre, reexaminó las grandes obras de Henri Matisse, como consecuencia de ello, sus propias pinturas se transformaron, mostrando una superficial vibración que rivaliza con la técnica de su mentor. Consideró su arte como un diálogo recíproco entre los pintores del pasado y del presente, los trabajos de otros artistas fueron una continua fuente de inspiración. Al mismo tiempo, parece probable que reconociera la ineludible paradoja de la reconciliación de la nueva creatividad con la tradición. Después de 1952, desencantado con el debate sobre los méritos respectivos de los estilos abstracto y figurativo, pintó paisajes enérgicos y y composiciones de naturaleza muerta en un estilo libre y no contenido, utilizando colores puros y brillantes. En 1953 de Staël se instaló en Vaucluse, no muy lejos de su viejo amigo René Char, con el que colaboró en un lujoso libro de poemas en 1952. Sus últimos días los pasó en Antibes, donde acabó suicidándose el 16 de marzo de 1955, revelándonos el lado más oscuro y desconocido de su naturaleza."

En la exposición se puede ver claramente la evolución del artista, desde cuadros cubistas hasta figuración casi pura ("Desnudo de pie"). Dibujos, paisajes, abstracciones... y, sobre todo, color. Es la exposición del color. Si tenéis un hueco en la agenda, no olvideis visitarle...

Mis pinturas preferidas de la exposición: "Puente Saint Michel de noche" (que no he encontrado para ponerla), "Barcos de vapor" y muchos de los bodegones. En la foto que encabeza este pequeño texto se puede ver a Nicolas de Staël, es una foto que hice en la exposición, a la salida.

Cafecito a mi izquierda, móvil en silencio a mi derecha, apuntes detrás del portátil (a ver si consigo ponerme de una vez a estudiar), la mesa llena periódicos viejos, tabaco, trípticos de exposiciones, un mapa de Madrid, "Nubosidad variable" por si me apetece seguir leyendo y "Lucía y el sexo" porque quiero verla hoy (una vez más) sin falta. Suena el disco de mi verano, tengo pendiente hablaros de él.

El jueves pasado, en mis menos de 24 horas en Madrid, tuve tiempo de ir a mis museos preferidos, casi nunca piso Madrid sin dar una vuelta por El Prado y el Thyssen, casi siempre tienen algo nuevo e interesante... Esta vez, lo reconozco, me equivoqué. Tenía poco tiempo y tenía mucho por ver; lo ideal es que hubiese dejado sin visitar, por esta vez, El Prado y haber llegado hasta el Reina Sofía a ver a Gordillo y Le Corbusier... pero no lo hice y entré a ver la obra de Patinir.

PATINIR
Museo del Prado
3 julio - 7 octubre 2007

Voy a ir rápido con esta exposición. Soy una completa ignorante de su obra y no puedo opinar demasiado pero esta vez, con tan poco tiempo, tendría que haber dejado de lado mi pasión conservadora que lleva mis pasos hasta El Prado y tendría que haberle dado una oportunidad al Reina Sofía, ¡me arrepiento de no haber ido a ver a Le Corbusier y Gordillo! ¡He dicho!

Joachim Patinir (c. 1485-1524) se especializó en pintar paisajes y se le considera el padre de este género pictórico. En sus cuadros encontramos la extraña mezcla entre la realidad y la fantasía (muy cercana, por ejemplo, a El Bosco) y se van repitiendo muchos motivos en cada uno de sus cuadros: por ejemplo, las rocas con el San Jerónimo (creo que había 4 cuadros sobre este tema, todos muy parecidos). En sus paisajes predominan, sobre todo, los colores verde y azul, las rocas (enormes y contundentes) y las perspectivas de los edificios, casi siempre son frontales.  En los cuadros de Patinir y de otros pintores del momento la naturaleza, todavía, tiene un fuerte componente simbólico y "se entiende como un espejo de su creador".

Teniendo en cuenta las dos exposiciones que vi después, esta se quedaría con un aprobado justito, y ¡que me perdone el artista!

VAN GOGH - LOS ÚLTIMOS PAISAJES
Museo Thyssen-Bornemisza
12 junio - 16 septiembre 2007

En el Thyssen pude ver, entre una multitud de turistas que se agolpaban frente a las obras y daban codazos, las últimas obras que pintó Vincent Van Gogh. No soporto ir a una exposición y encontrarme a tanta gente pero tuve que tomar aire y mezclarme entre los niños que gritaban que querían salir de ahí y los señores que comentaban las obras y a los que me arrimaba para escuchar disimuladamente. De esta exposición hasta tomé notas para recordar las obras que más me habían gustado: El ayuntamiento de Auvers, el dibujo de Las casas de Auvers con campesina caminando, más Casas en Auvers, Campo de amapolas, Mujeres cruzando los campos (dos mujeres endomingadas, una de ellas con un vestido de lunares rojos precioso), El Jardín de Dauvigny, Paisaje al atardecer y Dos figuras en el bosque.

"El 20 de mayo de 1890, Vincent van Gogh se bajó del tren en Auvers-sur-Oise, un pueblo a 35Km de París. Recién salido del manicomio de Saint-Rémy, llegaba a Auvers en busca de salud y de calma, con la esperanza de comenzar una nueva vida y un nuevo ciclo en su trabajo como pintor. Pero sólo dos meses después, el 27 de julio, en los campos cercanos al château de Léry, se disparó un tiro con un revólver que le causaría la muerte, tras una larga agonía, en la madrugada del 29 de julio".

Si tenéis ocasión de ir a verla, no faltéis, merece la pena pasearse entre las últimas obras de Van Gogh mientras puedes leer trocitos de sus últimas cartas relacionados con las obras que tienes delante... En el Thyssen siempre documentan muy bien las exposiciones para los visitantes, me gusta. Además, es la excusa perfecta para que no dejéis de ver esto...

RICHARD ESTES
Museo Thyssen-Bornemisza
19 Junio - 16 Septiembre 2007

Este fue mi gran descubrimiento del día, del mes, del año... Había leído de la exposición aquí y me fascinó esta frase: "He descubierto un pintor al que adorar... y está vivo!". Fui a verla con total ignorancia, había escuchado hablar de Richard Estes pero no tenía ni idea de lo que iba a ver... y me pasó lo mejor que me podía pasar: entrar a verla y tener que pararme en todas y cada una de las obras a buscar detalles, colores, movimientos, formas, reflejos, aire... ¡Me encantó!

"Richard Estes (Kewanee, Illinois, 1932) es conocido como uno de los fundadores del movimiento pictórico fotorrealista que nació en Estados Unidos a finales de los años sesenta y comienzos de los setenta del pasado siglo. El artista, sin embargo, no se siente identificado con esa etiqueta y prefiere ser considerado simplemente como un pintor en el sentido tradicional de la palabra. Su pintura no se agota en la alusión a la fotografía. Estes nunca se limita a calcar una proyección fotográfica, sino que construye una verdadera composición pictórica utilizando diversas tomas fotográficas como materiales auxiliares, pero acudiendo al mismo tiempo al dibujo, la perspectiva o el estudio de la luz".

En la exposición puedes ver retratos de ciudades como Chicago, Venecia, Córdoba, Londres, Florencia, Nueva York (sobre todo) y, la que me atrapó durante un buen rato, Barcelona. No es que me quedase mirando la obra de Barcelona más tiempo porque me gustase más (¡qué aburrido mirar precisamente la ciudad que ya conoces...!)... pero es que en la obra se podían ver detalles mínimos de la ciudad que me dejaron fascinada, y además eran cuadros al óleo, me parece dificilísimo. En la fotografía que os dejo ahí arriba no se ve bien, el cuadro es bastante grande. Luego, las obras en las que se ve mitad calle y mitad autobús, o mitad tienda y mitad calle... es como ver dos cuadros en uno, una maravilla.

Salí del museo con sonrisa de oreja a oreja, con la sensación esa que os comentaba arriba... de descubrir un pintor al que adorar y que esté vivo... Consiguió quitarme el mal trago de ver a Van Gogh entre tanta gente (y eso que dan pases cada 15 minutos...) y el mal sabor de boca de no tener tiempo de ir hasta el Reina Sofia. Si teneis ocasión... no os lo perdais.

¡Cuando me pongo ... no paro!

Retrato de la sociedad inglesa del siglo XVIII

"Ningún artista ha logrado definir un período de la historia británica de un modo tan efectivo y perdurable como William Hogarth (1697-1764). En la actualidad, la expresión "la edad de Hogarth" se utiliza a menudo para describir la primera mitad del siglo XVIII. Este artista ha sido objeto de gran admiración a lo largo de los siglos, también a escala internacional, y ha influido en pintores tan famosos como Goya, Whistler, Paula Rego y David Hockney; la céelebre serie pictórica de Hogarth La evolución del vividor inspiró una ópera de Stravinsky y un ballet de Ninette de Valois."

Se puede ver la exposición en Caixa Forum (Casarramona) hasta el próximo 26 de agosto. La entrada es gratuita.

Conocía parte de la obra de William Hogarth pero nunca había visto ninguna pintura suya "en directo". Me gustó su forma de ver su realidad cotidiana, ver cómo vivían sus personajes e intentar entenderlos a través de esas caras y esos escenarios. Me sorprendieron mucho los rostros, con narices aguileñas, con ojos saltones y arrugas por todas partes. Las manos encogidas, las ropas que se retuercen, la deformidad del paso del tiempo y el que en ese momento hubiese cosas de nuestro día a día tan presentes entonces.

Destacaría: 

Todos sus "Antes" y "Después" pintados o grabados (me parecieron muy graciosos):

"Los niños Graham" (y, sobre todo, el gato que mira el pájaro):

"Sir Francis Dashwood en sus devociones". "Una conversación moderna a media noche". Las series del día: Mañana, Mediodía, Tarde y Noche... (fijaos en los "cuernos" de algunos personajes).

William Hogarth es un autor preocupado por la sociedad y la cultura que le rodea, también por las cosas del día a día, es un autor clave para podernos imaginar parte la sociedad inglesa de aquél momento tal y como era. Trata temas relacionados con la identidad nacional, la delincuencia urbana, el exhibicionismo erótico, el comercio sexual, las diferencias raciales, la respetabilidad de la clase media floreciente,  la corrupción política y los desastres económicos. Es muy crítico y muy verdadero, trata temas que, como os decía antes, son todavía muy vigentes hoy en día.

Merece la pena pararse a leer los cartelitos de la exposición y saborear las obras una a una, no hay que ir con prisa.

La serie "Matrimonio a la moda"  es una tragicomedia en seis actos. Son seis cuadros donde los actores de Hogarth no disponen de texto alguno, pero las obras hablan por sí solas. Por ejemplo, el segundo acto: "Tête a tête".

"En este lienzo contemplamos la segunda escena de la serie El matrimonio a la moda, donde critica los matrimonios de conveniencia tan habituales entre las clases aristocráticas y burguesas, crítica que también se encuentra años después en la obra del español Goya.Los dos esposos se han casado por dinero y Hogarth nos los presenta tras una agotadora jornada de diversión, cada uno por separado, por supuesto. La esposa se despereza mientras el marido, abatido todavía por el cansancio, se deja caer en una silla con las manos metidas en los bolsillos, en una pose alejada de la elegancia. Todavía podemos observar los restos de la jornada festiva con la silla caída en primer plano, el libro de las partituras abierto y los violines en sus estuches. En esta zona de la composición encontramos al administrador con un amplio número de facturas en la mano, con el libro mayor de gastos bajo el brazo, elevando la mirada al cielo y haciendo un gesto de "señor, apiádese de ellos". En el fondo de la escena observamos a uno de los sirvientes colocando las sillas del gran salón, en un gesto de desperezamiento al igual que su señora.No sólo tenemos que destacar la magnífica faceta de narrador manifestada por Hogarth sino su facilidad a la hora de dotar de ambiente a la escena, presentándonos todos y cada uno de los detalles de una casa aristocrática: la chimenea, los grandes lienzos, las alfombras, el reloj, las estatuas, etc. También es destacable los expresivos gestos de los protagonistas, especialmente la cara picarona de la esposa y el gesto de pesadumbre del administrador.Tras una vida de engaños e infidelidades, el esposo será asesinado por el amante de su mujer y ella se suicidará, dotando así Hogarth a la serie de un mensaje moralizante."

Si tenéis un hueco en vuestra agenda podéis ir a dar una vuelta por la exposición.

El éxito real de Falconet llegó con el Salón de 1757, donde expuso el Cupido. El Cupido era un encargo de Madame de Pompadour y se ha convertido en una de las piezas más famosas de la escultura del Siglo XVIII. Falconet abordó un tema del que ya se habían ocupado, entre otros, Bouchardon y Saly. Madame de Pompadou había encargado el mismo tema a otro escultor pero el artista no había pasado del pedestal en forma de tambor. Ese Cupido estaba destinado a Bellevue, pero quizá al venderse la residencia en 1757 y ante los continuos retrasos del otro artista (Slodtz), madame de Pompadour abandonó el proyecto y lo reemplazó por una obra similar de Falconet, pensada para su casa de París.

Cupido, como dios y genus loci, preside sentado sobre una nube, en una pose de disimulo y burla. Es un niño, un bebé, convertido en una miniatura por cariño. La estatua encarna la atracción y la amenaza del amor. Desde un perfil, Cupido aparece con el dedo sobre los labios, pidiendo discreción e intimidad, el extremo de su aljaba es el único indicio de que hay algo más. Desde el otro lado, y desde el frente, se ve claramente que con la mano izquierda saca una flecha de la aljaba; una ambigüedad que queda patente ya en el ademán del dedo, que pasa a ser más signo de amenaza que de conspiración. Y, por último, toda la ambigüedad del Amor se personifica en el ramillete de rosas tallado debajo de la nube.

La estatua está perfectamente preparada para entrar en un cuadro de Fragonard, para convertirse en la dínamo que envía ondas de energía erótica en cada rizo y trazo de pintura. El Cupido de Falconet es un niño, pero también un juguete, travieso y encantador, pero paradójicamente poderoso. Pueden tallarse otros dioses y diosas como simple representación de la mitología pero este dios es real, como se conoció unánimemente en el siglo XVIII. Preside realmente las artes, desde la Peregrinación a Citera de Watteau hasta las Bodas de Figaro de Mozart. Su concepto es obvio, pero con esa obviedad propia de los genios.

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(Mezclando apuntes y el libro de M. Levey "Pintura y escultura en Francia. 1700 - 1789").

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¿A ti te mira?

En nuestro periplo de un día hubo tiempo también para visitar el Museo del Prado. Entramos a ver la exposición temporal Doce artistas en el Museo del Prado... y con la excusa acabamos dando una vuelta por las estancias de Velázquez, Rubens y un poquito Goya y escuchando a un cuentacuentos que explicaba cuadros a un grupo de niños mientras nosotras, tres metros atrás, mirábamos embobadas y queríamos apuntarnos al tour por el museo con los peques.

No me atreví a preguntar a mis acompañantes qué les pareció la exposición; sí que opinamos